Arte

Hoy traemos a Papel en Blanco una obra que me ha cautivado tanto por su forma como por su contenido, el ‘Libro de las madres’, editado por Laura Freixas. En una cuidada encuadernación y en papel satinado, vamos a recorrer muchos momentos literarios fascinantes, junto a unas bellas ilustraciones de pinturas de diversas épocas.

Tanto los textos como las pinturas tienen un tema único, la maternidad, aunque tratado desde muy distintos puntos de vista. La editora se propuso recopilar, desde Eurípides a Clarice Lispector, aquellos fragmentos literarios, poco frecuentes, que se detuvieran en el tema de la maternidad. Porque, como ella misma señala en el prólogo, tras media vida lectora tenía claro cómo habían tratado los libros el amor, la amistad o la muerte, pero ¿y la figura de la madre, la relación madre-hijos, y, especialmente, la relación madre-hija?

De este empeño surge una recopilación de textos de muy distintos autores: San Agustín, Apolonio de Rodas, Jane Austen, Boccaccio, Chateaubriand, Chéjov, Eurípides, Don Juan Manuel, Clarice Lispector, Joaquim Machado de Assis, Katherine Mansfield, Ovidio, Emilia Pardo Bazán, Benito Pérez Galdós, Jules Renard y Madame de Sévigné.

Bien es cierto que sus principales usuarios serán los investigadores, pero esto no impide celebrar la apertura de una nueva biblioteca, en este caso la del Museo del Prado, ubicada en el Casón del Buen Retiro, un emplazamiento que tiene como valor añadido la bóveda decorada por el pintor napolitano Luca Giordano.

La nueva biblioteca está especializa en libros de arte, sobre todo en lo referentes a pintura española, italiana, flamenca, holandesa, francesa, británica y alemana, en un intervalo temporal que abarca desde la Edad Media hasta el siglo XIX.

En el Museo del Louvre hoy ha podido disfrutarse no sólo de las artes plásticas, sino también de la literatura, ya que se ha celebrado la lectura pública de los relatos que seis escritores escribieron sobre algunas de las pinturas y esculturas expuestas.

El encargo les fue realizado por el museo como modo de ofrecer al público “el privilegio de detenerse y mirar de nuevo” grandes obras de Arte, en esta ocasión a través de la palabra. Los escritores elegidos fueron Vassili Alexakis, Maryline Desbiolles, Dominique Barbéris, Anne-Marie Garat, Gila Lustiger y François Reynaert. Los relatos debían ser breves, para ser leídos en no más de quince minutos frente a la obra que los inspiró.

Las seis obras seleccionadas fueron ‘Fuente de cerezas, ciruelas y melón’ de Louise Moillon, ‘Paisaje con Paris y Oenone’ de Claude Lorrain, ‘Cabeza quemada de Sabina, mujer del emperador Adriano’, ‘Los dos primas’ de Watteau, ‘Cristo en la cruz adorado por donantes’ de El Greco, y ‘El juramento de los Horacios’ de Jacques Louis David.

El propio Louvre reconoció que, ni mucho menos, se trata de una experiencia inédita, pues autores como Marcel Proust ya utilizaron con anterioridad el Arte como fuente de inspiración (éste, en concreto, con la pintura de Vermeer). En esta línea me permito recordar el delicioso libro del argentino Manuel Mújica Láinez, ‘Un novelista en el Museo del Prado’, en donde los personajes de los cuadros cobran vida una vez que se cierra el museo. Sin duda, el arte y la literatura son una inmejorable combinación.

Vía | Revista Ñ
Más información | Museo del Louvre

En 1914, Antonio Sant´Elia afirmó:

Los caracteres fundamentales de la arquitectura futurista serán la caducidad y la transitoriedad. Las casas durarán menos que nosotros. Cada generación deberá fabricarse su ciudad.

El Futurismo, movimiento artístico que disfrutó de una ventajosa situación respecto al resto de las vanguardias, principalmente en su vertiente pictórica, se interesó por el futuro de la ciudad entendida más allá de su mera concepción formal. Asimismo, planteó un proyecto de renovación formal de todas las artes, considerando de igual modo la arquitectura.

En Arquitectura Futurista, Juan Agustín Mancebo, profesor doctor asociado de la Universidad de Castilla-La Mancha, acerca al lector a través de un magnífico ensayo a la época en la que las tendencias de vanguardia determinaron un ambiente proclive a nuevas investigaciones y propuestas en un mundo que se transformaba radicalmente.

Desde la aniquilación de las ciudades del pasado a las propuestas de Sant’Elia y Chiattone, hasta las ideas de los arquitectos del segundo futurismo que entroncaron con los parámetros iniciales del racionalismo, este ensayo constituye una mirada pormenorizada sobre algunos de los proyectos utópicos más apasionantes que han configurado el extinto siglo XX.

Sólo existen 99 ejemplares del que se considera el libro más caro del mundo, y uno de ellos se expondrá en la Biblioteca Pública de Nueva York del 2 al 8 de diciembre. Se trata de Michelangelo. La dotta mano, un volumen de 24 kilos y valorado en 130.000 dólares cuya portada reproduce en mármol y a tamaño natural el bajorrelieve ‘La Virgen de la escalera’ del escultor, arquitecto y pintor renacentista Michelangelo Buonarroti (1475-1564).

Los 99 ejemplares han sido editados por FMR bajo el titular ‘El libro más bello del mundo’. Son 264 páginas de papel barnizado opaco de 200 gramos realizado por la Cartiere del Garda de Riva del Garda en Milán. El texto, del gran historiador del arte del Renacimiento, Giorgio Vasari (1511-1574), ha sido compuesto en tipografía Bodoni por el impresor Jacopo Steffanniini, de Milán. La reproducción del bajorrelieve fue hecha con mármol de Polvaccio, tiene un tamaño de 56,7 por 40,1 centímetros y un espesor de 3 centímetros, idéntica en material y en medidas que la obra original que, en la actualidad, se conserva en la Casa Buonarrotti de Florencia. El volumen se complementa con las fotografías de Aurelio Amendola.

La poesía de Pablo Picasso ha sido históricamente relegada a un segundo plano por su producción pictórica. Sin embargo el artista malagueño llegó a escribir más de 350 poemas, revisados y corregidos obsesivamente (en algunos casos hasta dieciocho veces) que recibieron elogios de sus amigos Apollinaire o Paul Éluard. La editorial Plataforma, en colaboración con la Fundación Picasso, publica ahora la totalidad de sus Poemas en prosa por primera vez en castellano.

Picasso decía a sus amigos que sabía que pasaría a la historia como un pintor, pero a él le habría gustado pasar como un artista plural. – cuenta José Bermúdez de Plataforma. Su poesía, explica, mimetiza su técnica de pintura. Aborda todos los temas, del amor a la muerte, pasando por la crítica social, rompe con la sintaxis tradicional y crea metáforas visuales como eco de sus cuadros. Los poemas en prosa proceden según el sistema de escritura automática de los surrealistas, un verdadero bombardeo de ideas.

La presentación del libro ha terminado con una cita del biógrafo de Picasso Richard Penrose: Después de todo, como le gustaba repetir, las artes se reducen a una sola: se puede escribir una pintura con palabras, del mismo modo que es posible pintar sensaciones con un poema.

Vía | Yahoo! Noticias
Más Información | Fundación Picasso
En Papel en Blanco | Picasso

Si te gusta el arte, probablemente esta novedad editorial te resulte interesante, ya que recoge la obra de uno de los pintores modernos más relevantes, Gustav Klimt, y que es el resultado de 20 años de investigación de especialistas en su pintura.

‘Klimt’, de la editorial Electra, es obra de Alfred Weigdinger, director adjunto del Albertina Museum de Viena, que ha contado con la colaboración de varios especialistas en el pintor austríaco. Se trata de una lujosa edición, que incluye 600 imágenes (460 en color) y la mayoría fotografiadas con ocasión retomar los originales para este libro.

La obra se completa con textos de investigación sobre las últimas conclusiones y teorías académicas relativas a la obra del artista y con un estudio sobre la personalidad de éste, además de un catálogo general de su obra pictórica.

Charles Lutwidge Dodgson, Lewis Carroll para todos, no fue sólo el genial autor de Alicia en el País de las Maravillas y su continuación, Alicia a través del espejo, sino que junto a la literatura cultivó otra rama artística en la que fue reconocido póstumamente: la fotografía.

Su afición comenzó en 1856, primero por influencias de su tío, más tarde por las del fotógrafo Oscar Gustav Rejlander, uno de los pioneros en la fotografía artística del momento. En poco tiempo, Carroll dominó la técnica e hizo de la fotografía un medio de expresión de su filosofía interior; a través de ella trató de combinar los ideales de belleza y libertad con la inocencia edénica, en donde el cuerpo humano podía ser disfrutado sin sentimiento de culpa. El pecado original fue sustituido por la divinidad innata, como afirma su biógrafo, Morton Cohen. Para él la belleza era el culmen de la perfección moral, estética y física. Por supuesto, estas teorías no fueron vistas con buenos ojos por la sociedad victoriana ni por los principios anglicanos que él mismo representaba como sacerdote.

Para muchos, el nombre del Che Guevara está asociado a una imagen, a una foto hoy repetida hasta la extenuación y convertida en souvenir de múltiples formatos. Una foto captada en un “instante de suerte” –en mitad de un funeral por las cien víctimas de un sabotaje en La Habana en 1960- que hizo de su autor uno de los fotógrafos hoy más recordados: Alberto Korda.

A 41 años de la muerte del Che y a modo de recuerdo al guerrillero y homenaje al fotógrafo, la editorial La Fábrica publica un libro en el que se recogen gran parte de los 50.000 negativos en los que Korda inmortalizó la Revolución cubana. Alberto Korda. Conocido Desconocido pretende dejar constancia de que “fue mucho más que el fotógrafo de una sola foto”, precisa su hija, Diana Díaz.

Como el propio Korda relata, lo que primero le atrajo de la fotografía fue que ésta le permitía tener contacto con las mujeres más hermosas de Cuba, pero a medida que avanzaba la Revolución comenzó a desviar su objetivo de las pasarelas y a enfocarlo hacia las grandes concentraciones de población y manifestaciones masivas.

Hasta el 9 de noviembre se puede visitar en Segovia un recorrido en imágenes por varias figuras y momentos de la literatura contemporánea gracias a 2 exposiciones, “Julián Grau Santos. Retratos de escritores españoles y latinoamericanos” y “HAY. Crónica de un Festival. Fotografías de Daniel Mordzinski”.

En la primera encontramos la obra de Julián Grau Santos, que ha ilustrado suplementos literarios españoles con retratos de grandes escritores, elaborados en diferentes técnicas píctóricas. La exposición muestra 66 retratos de novelistas, poetas y ensayistas españoles y latinoamericanos, desde los inicios del siglo XX hasta la actualidad. Rafael Alberti, Pío Baroja, Borges, Miguel Hernández, Antonio Machado, Octavio Paz, César Vallejo o Vargas Llosa son algunas de las figuras retratadas.

La exposición dedicada al Hay Festival muestra un centenar de fotografías de Daniel Mordzinski, que ofrece una imagen poco frecuente de los personajes retratados, literatos de todo el mundo.