En 1876 Rosalía recibió un duro golpe en su ya de por sí débil ánimo: su séptimo hijo, Alejandro, de tan sólo dos años, muere por una caída en un accidente doméstico. Sólo un año después da a luz a Valentina, que nace sin vida. Estos dos terribles acontecimientos sumieron a Rosalía en una profunda crisis vital que ya nunca le abandonó.

En 1880 publica un nuevo poemario en gallego, Follas Novas, que en un principio fue concebido como una continuación de ‘Cantares Gallegos’. De hecho, el 40% de los nuevos poemas tienen afinidad con el texto publicado en 1863, mientras que el resto presentan un diferente espíritu poético, motivado por el alejamiento de su tierra, las desgracias familiares y sus dolencias físicas y mentales.

Estamos, por lo tanto, ante una poética que ahonda en sus más profundos sentimientos, en su inabarcable dolor, en sus miedos, en la morriña, y que tiene por horizonte la frontera del propio ser. El poema que mejor expresa el alma rosaliana y, con ella, la de toda Galicia, tan injustamente maltratada durante siglos es Negra Sombra (aquí, la traducción al castellano):

Cando penso que te fuches,

Negra sombra que m’asombras,
Ô pe d’os meus cabezales
Tornas facéndome mofa.

Cando maxino qu‘ês ida
N’o mesmo sol te m’amostras,
Y eres a estrela que brila,
Y eres o vento que zoa

Si cantan, ês tí que cantas,
Si choran, ês tí que choras,
Y-ês o marmurio d’o rio
Y-ês a noite y ês a aurora

En todo estás e ti ês todo,
Pra min y en min mesma moras,
Nin m’abandonarás nunca,
Sombra que sempre m’asombras.

‘Follas Novas’ supone la ontología de Rosalía, que se desnuda emocionalmente, desahogando su corazón sin intenciones filosóficas o didácticas y haciéndolo desde un plano metafísico. A pesar de que escribió sus obras más importantes en gallego (‘Cantares Gallegos’ y ‘Follas Novas’), sólo publicó una obra más en dicha lengua: un libro de cuentos titulado Contos da miña terra (1864).

En castellano compuso nueve obras en prosa y tres en verso, entre las que siempre ha destacado En las orillas del Sar (1884), la última de sus obras publicadas antes de morir. Sus versos intimistas y su pureza de formas la sitúan al lado de Bécquer como los poetas que introdujeron la modernidad (tanto en las ideas, la forma o la experimentación rítmica) en la literatura española decimonónica.

Vivió sus últimos años, enferma y amargada, en Padrón, en una casa alquilada por la familia conocida como la ‘Casa da Matanza’, que ahora es su casa-museo. Muere de cáncer en 1885 y es enterrada en el camposanto de Andina, pero desde 1891 descansa en el Panteón de Galegos Ilustres, en la iglesia de San Domingos de Bonaval (Santiago de Compostela).

Sus últimos instantes de vida los conocemos gracias a una narración de González Besada:

Recibió con fervor los Santos Sacramentos (…) Encargó a sus hijos que quemasen los trabajos literarios que, reunidos y ordenados por ella misma, dejara sin publicar, dispuso ser enterrada en el cementerio de Adina, y pidiendo un ramo de pensamientos, su flor predilecta, nada más se las acercaron a los labios, sufrió un ahogo que fue el comienzo de su agonía. Delirante, y nublada la vista, le dijo a su hija Alejandra: ‘Abre esa ventana, que quiero ver el mar’, y cerrando los ojos para siempre, expiró.

Un final que es poesía pura: desde Padrón no se ve el mar. Para terminar, os invito a que veáis este vídeo en el que Luz Casal interpreta ‘Negra Sombra’, acompañada por un pianista, que pone los pelos de punta hasta al más insensible.

Sitio Oficial | Fundación Rosalía de Castro
Vídeo | Youtube
En Papel en blanco | Rosalía de Castro, escritora a pesar de todo, Rosalía de Castro, la voz de un pueblo (I)

Las informaciones sobre las circunstancias de su nacimiento han variado con el tiempo. Durante mucho tiempo, se creyó que su madre fue María Teresa de Castro (de familia noble venida a menos, pero económicamente acomodada) y que la identidad de su padre se desconocía; así constaba en su partida de nacimiento. Ahora, después de la aparición de diversos trabajos, está muy extendida (por lo que puede considerarse como dato oficioso) la versión que dice que su progenitor fue el sacerdote José Martínez Viojo.

Comenzó su formación en Santiago de Compostela, en torno a la Sociedad Económica de Amigos del País. Participó en las actividades del Liceo de la Juventud, lugar de encuentro de los intelectuales comprometidos con el movimiento provincialista. Sus corrientes ideológicas, que impregnarán la obra de Rosalía, eran republicanas y socialistas. En el Liceo coincidiría con otros futuros escritores e intelectuales como Eduardo Pondal o Paz Novoa.

En 1856 se traslada a Madrid y allí conoce a Manuel Murguía, personaje clave en su vida, con el que se casa dos años después. Murguía no fue un buen marido pues era muy autoritario y estaba más preocupado por su vida política (fue, entre otras muchas cosas, el primer presidente de la Real Academia Galega) que por su familia. Así, por un lado, ofreció a Rosalía una vida acomodada y propició su contacto con otros grandes intelectuales pero, por otro, y mucho más importante, sus quehaceres políticos obligaron a su familia (tuvieron ocho hijos en dieciséis años) a un continuo cambio de residencia (Lugo, Madrid, Extremadura, Alicante, Compostela…), provocando en Rosalía una sensación de desarraigo que sin duda acrecentó su naturaleza melancólica, su sentimiento de soledad y esa amarga tristeza que impregna toda su lírica.

Rosalía de Castro fue la punta de lanza del movimiento conocido como O Rexurdimento, nombre con el que se conoce al siglo XIX en la historia de la literatura gallega, y que expresa nítidamente lo que fue una trayectoria de recuperación, no sólo literaria, sino también cultural, política e histórica. Sus componentes (Pondal, Lamas Carvajal o Curros Enríquez…) eran personas ilustradas, muchos de ellos románticos e ideológicamente muy cercanos al provincialismo (movimiento político que sirvió de germen para el nacionalismo del siglo XX). La fecha inicial del rexurdimento literario es 1863, año en el que aparece el primer gran libro de Rosalía, Cantares Gallegos, compuesto en gallego y publicado sin su permiso por su marido.

Rosalía firma la dedicatoria de ‘Cantares Gallegos’ a Fernán Caballero (pseudónimo de la escritora Cecilia Böhl de Faber), el día 17 de Mayo de 1863. Esa fecha (que, además, es el día en que nació su marido) fue adoptada cien años después para celebrar el Día de la Letras Gallegas. En dicha obra, Rosalía asume la voz del pueblo gallego, denunciando la miseria, la pobreza y la emigración masiva a que estaban obligados sus paisanos. Es una obra cuyo fin es eminentemente social aunque ello no le impide verter también sus sentimientos y vivencias personales. Es famoso el cantar que comienza:

Castellanos de Castilla,

Tratade ben ós galegos
Cando van, van como rosas,
Cando vên, vên como negros.

Rosalía no fue una activista política, pero era muy consciente de la injusticia con la que era tratado su país y de las miserias y desigualdades que sufrían sus compatriotas. En lugar de centrarse en cuestiones ideológicas, políticas o morales como la mayoría de sus compañeros de generación, su visión se centra en los sentimientos. De este modo, se enfocó en el corazón de las gentes y acabó creando un impresionante retrato psicosocial de los gallegos que, verso a verso, cantar a cantar, encoge el alma y emociona a partes iguales.

Rosalía de Castro es, como reza el título, la voz de un pueblo. Y si bien es cierto que los gallegos estamos muy lejos de pasarnos el día leyendo poesía, a Rosalía la sentimos como una figura muy cercana, casi familiar. Tanto es así que, mientras a los demás próceres los conocemos por su apellido o su nombre completo (Castelao, Otero Pedrayo, Vicente Risco, Pardo Bazán…), Rosalía es simplemente Rosalía.

Sitio Oficial | Fundación Rosalía de Castro
En Papel en blanco | Rosalía de Castro, escritora a pesar de todo

Ray Bradbury se ha convertido en un ícono incontrovertible en la defensa de los libros. En los últimos años ha hecho varias apariciones públicas para impedir el cierre de librerías independientes y ahora lo hace para resguardar la existencia de una biblioteca pública en California que se ve amenazada si no paga 280.000 dólares de los cuales, hasta ahora y a duras penas, ha podido recabar 80.000 .

Bradbury es reconocido principalmente por su novela Farenheit 451 que ha sido señalada como una de las obras fundamentales del siglo XX y como un texto fundamental para la defensa de los libros de papel y de la libertad de los seres humanos para tener acceso al conocimiento universal. Pero más allá de ello y de la desmitificación que él mismo se ha encargado de hacer de la importancia de su novela y de su relación con el futuro del libro, se trata de una figura cuyas declaraciones marcan una suerte de bisagra entre dos posturas contrapuestas sobre el tema.

De lo que no queda duda alguna es de la importancia que los libros, las librerías y las bibliotecas han tenido para este escritor nacido en 1920 en Waukegan, llinois y que desde mediados de los años 30 vive en el Estado de California. Bradbury pide que no le hablen de universidades sino de bibliotecas ya que fueron ellas las que le permitieron formarse gracias al acceso gratuito a los libros.

No creo en las universidades. Creo en las bibliotecas porque la mayoría de los estudiantes no tienen nada de dinero. Yo me gradué del secundario durante la gran depresión y no teníamos dinero. No pude ir a la universidad, entonces fui a la biblioteca pública tres días a la semana a lo largo de diez años.

Con esas palabras comenzó Bradbury su defensa de la Biblioteca H.P. Wright que lucha en estos meses para lograr el objetivo pecuniario que es la única manera de salvar su existencia. No es seguramente la única biblioteca que se encuentra en esta situación y es loable que Bradbury invierta su tiempo y energías en hacer ruido para llamar la atención al respecto. Como bien dice, no pierde nada pero otros pueden verse beneficiados.

La discusión en torno al futuro de las bibliotecas tal como las hemos venido conociendo hasta ahora no puede sostenerse sin hacer referencia al futuro del libro digital y a la tendencia cada vez más amplia de crear y alimentar repositorios de contenidos digitales. Internet, por supuesto, tiene aquí un papel preponderante y Ray Brandbury no tiene empacho en mandarlo al demonio. ¿Las razones? Su intengibilidad:

Es una distracción. No es real. Está en algún lugar en el aire.

Más allá del tremendismo y de las aparentes poses de divismo de un escritor que ya “está más allá de Dios y del Diablo” en términos literarios, estas declaraciones nos permiten observar que el debate sigue estando abierto y a fuego vivo entre aquellos que defienden a ultranza la legitimidad y permanencia del libro en papel y los que apuestan a que muy pronto éste dejará de existir para transformarnos a todos en portadores de equipos en los cuales podremos almacenar todo el conocimiento escrito y publicado a lo largo de la historia.

Esta es una postura, habrá muchas otras y cada uno tendrá sus argumentos. ¿Alguien quiere continuar con el debate?

Vía | Revista Ñ
Más información | New York Times
En Papel en blanco | Bradbury y su defensa de las librerías de viejo, Bradbury desmitifica Farenheit 451

Poco después de que se conociera la noticia de la denuncia, el que hasta entonces se hacía conocer como J. D. California desveló su verdadera identidad: no era otro que Fredrik Colting, el editor de la editorial sueca Nicotext que iba a publicar el libro. Colting afirma que el motivo por el que ahora se da a conocer no obedece a ninguna estrategia comercial, a pesar de que no sólo utilizó otro nombre, ¡sino que también distribuyó como suya una foto de otra persona! La imagen del rostro que acompañaba las entrevistas era la de un amigo actor, un tal Gustav Roth.

Quien hablaba era yo. Fue divertido, hacía una entrevista como J. D. California y al minuto siguiente me ponía al teléfono como editor.

Salinger considera que este libro atenta contra sus derechos de autor sobre la novela y sobre su protagonista, Holden Caulfield. Precisamente fue en las similitudes entre Caulfield y Mr. C, el protagonista del texto de Colting, en lo que se basó la juez Batts para frenar la publicación en Estados Unidos, prevista para el mes de septiembre.

No obstante, California/Colting asegura que la suya es una

novela seria sobre la vida ulterior de los personajes de ficción [...], una parodia crítica que tenía el efecto de transformar la obra original. [...] Al contrario que Salinger, yo no estoy interesado en crear demandas sino historias. Él no tiene copyright sobre la imaginación.

En ’60 Years Later: Coming Through the Rye’ (‘60 años después: llegando a través del centeno’), Mr. C recorre las calles de Nueva York tras haberse escapado de una residencia de ancianos. Salinger lo definió como un “simple y puro plagio” y aseguró que el derecho de escribir una secuela de su obra y de utilizar el nombre de su personaje sólo le compete a él. El escritor exigió que se destruyeran todos los ejemplares de la novela (pues sí ha sido publicada en Reino Unido), y que se repare el daño ocasionado sobre unos derechos de autor “valorados en una enorme cantidad de dinero”.

¿Estamos ante una provocadora campaña de marketing que aprovecha el tirón de una de las novelas más vendidas de la literatura estadounidense, o realmente se trata de una acción seria con toques humorísticos?

Vía | El País, Público
En Papel en blanco | Salinger presenta una demanda contra una secuela de ‘El guardián entre el centeno’

Boris Vian (1920-1959) nació en un suburbio parisino en el seno de una familia acomodada. Su padre, Paul, era rentista, aficionado a la poesía, traductor de inglés y alemán y profesaba profundas ideas ateas y anti-militaristas; su madre, Yvonne, se decantaba por la música, especialmente por el piano y el harpa. El crack de 1929 supuso un giro completo para la vida familiar y Paul se vio obligado a trabajar, a los 36 años, por primera vez en su vida. Incluso durante unos años alquilaron su antigua residencia a la familia del violinista y director de orquesta Yehudi Menuhin. A los doce años Boris padeció fiebre reumática y, poco después, fiebre tifoidea, que le desencadenaron una dolencia cardíaca que lo acompañaría siempre y que, finalmente, le provocaría la muerte.

Su primera gran pasión no fue la literatura, más tardía, sino la música, arte en el que terminaría volcándose casi por completo. Al tiempo que se graduaba como ingeniero, participaba en una orquesta amateur de jazz con sus hermanos, empapándose de influencias estadounidenses.

En 1943, ya casado con Michelle Léglise, publicó su primer poema bajo el nombre de Bison Ravi en el boletín del Hot Club de France. Ese mismo año falleció su padre, asesinado por ladrones en su propia casa. Poco después, con el apoyo de Raymond Queneau y Jean Rostand, publicó sus primeras novelas, ‘Trouble dans les Andains’ y ‘Vercoquin y el plancton’, donde narraba su trabajo en la Asociación Francesa de Normalización y las alocadas fiestas ( las “surprise-parties”) en las que participaba. En 1946 escribió La espuma de los días, que Éditions Gallimard editó un año después, tras no haber recibido el premio al que fue presentado.

Fue en esa época cuando Vian le prometió a su amigo Jean d’Halluin, un pequeño editor con problemas económicos, que le escribiría un bestseller en quince días. Se trataba de la novela negra Escupiré sobre vuestra tumba. Junto con d’Halluin, creó la figura de Vernon Sullivan, un ficticio escritor estadounidense, reacio a conceder entrevistas o a desplazarse a Francia; el nombre de Vian era tan sólo el del traductor. La novela fue un éxito y, entre 1947 y 1949, Vian escribió tres obras más bajo la identidad de Sullivan (‘Les morts ont tous la même peau’, ‘Et on tuera tous les affreux’ y ‘Elles se rendent pas compte’). Pero a la par que aumentaban las ventas, también lo hacían las denuncias contra las dosis de sexo y violencia que contenían, por lo que, tras diversos juicios, Vian tuvo que reconocer su autoría.

A partir de entonces su carrera literaria decayó. Ofendida por el engaño, la crítica comenzó a arremeter contra su obra, Gallimard dejó de publicarlo y sus últimos libros, ‘La hierba roja’ y ‘El Arrancacorazones’, tuvieron escasas ventas. Durante un tiempo se dedicó a la traducción, para después concentrarse en su faceta como poeta compositor de canciones.

Se calcula que llegó a escribir cerca de 400 canciones, entre las que destaca El desertor, un alegato contra la guerra que también generó polémica entre el público. Compuso dos óperas, llegó a ser director musical de la Philips, fue cantante, trompetista y crítico de jazz. Boris Vian, el “hombre-orquesta”, se convirtió en un emblema de Saint-Germain-des-Prés, el barrio de moda entre los intelectuales parisinos.

Después de 1955 su salud empeoró notablemente, complicada con un edema pulmonar. Aceptó vender los derechos de ‘Escupiré sobre vuestra tumba’ para una adaptación cinematográfica, pero tras diversos desencuentros con la productora, el director y el guionista, Vian fue alejado del proyecto. Esta película fue lo último que vio, el 23 de junio de 1959 en el cine Le Petit Marbeuf.

Más información | Proyectos en el aniversario de Boris Vian

Ana, has triunfado, nosotros levantamos orgullosos tu bandera y repetimos con tu padre que no podemos cambiar lo que ocurrió, lo único que podemos hacer es aprender del pasado y comprender lo que la discriminación y persecución de personas inocentes significa. Es responsabilidad de todos luchar contra el prejuicio.

Con esas acertadas palabras el abogado Julio Toker, Presidente de la Fundación Ana Frank, inauguró esta mañana en Belgrano, una de las zonas más tradicionales de Buenos Aires, la Casa Ana Frank, la primera de América Latina y la segunda del mundo después de la de Berlín. La iniciativa ha sido llevada adelante gracias al financiamiento de la Casa de Holanda y se enmarca dentro de las actividades del programa “Puertas del Bicentenario” que se está llevando a cabo en Argentina.

El inmueble fue donado anónimamente para el proyecto, e incluye en una de sus salas una reproducción exacta de la “Casa de Atrás”, el espacio trasero de la construcción en la cual trabajaba Otto Frank, padre de Ana, y donde la familia vivió por algo más de dos años hasta ser descubierta por los nazis y sus miembros separados y trasladados a los campos de concentración.

Se le define como un museo interactivo y tiene una extensión de 350 metros cuadrados en donde se muestran fotografías, escritos y la ya mencionada reporducción de la habitación en la que la familia Frank convivió con un par de familias más entre 1942 y 1944.

Pero la casa ubicada en Superí 2647, será algo más que un espacio de exposición y se plantea continuar con lo que ha sido hasta ahora su tarea: concientizar. Para comprender esto es importante explicar que aquí recibiron refugio muchos perseguidos políticos durante la dictadura argentina (1976-1983).

Hasta ahora se le conocía como la Casa de Hilda y desde hoy, con su nuevo nombre seguirá siendo un lugar de promoción, educación, formación contra la persecusión, la tortura y la violación de los derechos humanos.

Vía | Revista Ñ
Más información | La Nación.com.ar
En Papel en Blanco | Ana Frank, a sus 80 años

Las personas libres jamás podrán concebir lo que los libros significan para quienes vivimos encerrados.

Ayer, 12 de junio, habría cumplido 80 años Ana Frank . La primera vez que leí la noticia pensé que me estaban “tomando el pelo”. Pero no, es cierto.

La nota en Wikipedia (una de las primeras fuentes que siempre aparece al buscar en internet) dice que Annelies Marie Frank Hollander, mejor conocida como Ana (Anne) Frank, nació en Fráncfort del Meno el día 12 de junio de 1929. Hija del matrimonio conformado por Otto Heinrich Frank y Edith Hollander, se transformó en una de las autoras más leidas del siglo XX, luego de que su padre, único sobreviviente de la familia al Holocausto de la II Guerra Mundial, publicara sus cuadernos de notas que hoy conocemos como El diario de Ana Frank.

Se están realizando gran cantidad de actividades para celebrar el onomástico, que coincide, además, con los 62 años de la primera edición del diario que fue publicado por primera vez en su lengua original, holandés, en 1947. Este diario se ha transformado en un símbolo de todos los millones de niños que murieron o bien en las cámaras de gas o, como Ana y su hermana, producto de las enfermedades que en ellos se desataban.

No voy a entrar en detalles sobre el libro ni sobre la vida de esta niña (que eternamente en nuestro imaginario seguirá siendo una niña aunque hipotéticamente hoy sería una anciana de 80), ya que no es el objeto de esta entrada. En lo que si me interesa detenerme es en el tema de la escritura como salvación, como esperanza, como compañía. Para los niños encerrados en aquel cuarto oculto de la casa en Ámsterdam, o más específicamente para Ana y Margot, aquellos 25 meses a escondidas fueron dedicados a la lectura y la escritura.

La escritura en el diario era el ejercicio urgente de conservar la existencia para quien sabia que ella estaba apenas sostenida por el azar de que no los descubrieran. La delación vino dos años después de haberse ocultado en “la casa de atrás” pero todo lo vivido quedó registrado conservando la experiencia y la vida de una niña de 13 años.

Hoy, en esa misma casa empiezan a ser exhibidos al público, por primera vez, los tres cuadernos y algunas notas sueltas que representan todo lo escrito por Ana antes de su muerte acaecida el 12 de marzo de 1945 en el campo de concentración de Berger Belsen. Murió enferma de fiebre tifoidea. Su sonrisa, sin embargo, representa para la eternidad la valentía y la lucidez de una adolescente en situaciones extremas, parecidas a las que viven día a día millones de niños en el mundo a causa de las guerras, los desplazamientos, los trabajos forzados.

Su palabra transformada en escritura mantiene su voz siempre actual. Hoy tendrìa 80 años y apenas podemos imaginarla, recrear su imagen incluso con programas de diseño pero la que permanece es la de la niña siempre sonriente y acompañada de libros. Larga vida a Ana Frank.

Envidio a quienes afirman que una voz interior los invade y les dicta, casi a contrapelo, los versos inmortales y los magníficos epítetos. Aunque he estado atento al menor murmullo, creo no deberle a esa intrusa ni siquiera un sustantivo.

La madrugada trajo una noticia triste: falleció en Ciudad de México el escritor Alejandro Rossi. Cuentista, ensayista, filósofo, Rossi fue uno de los intelectuales más respetados y queridos de América Latina. Autor de un libro que casi podría llamarse de culto, El manual del distraído, es una muestra de su escritura y sobre todo de su postura irreverente y mordaz a la vez que humorística y celebratoria de la vida y sus múltiples matices.

Alejandro Rossi nació en Florencia el 22 de septiembre de 1932 hijo de padre italiano y madre venezolana hecho que marcó su existencia desde el punto de vista vital, intelectual y literario ya que al provenir de dos troncos lingüíticos, a pesar de ser latinos ambos, se transformó en un hombre capaz de moverse en múltiples espacios semánticos. Pero no hablamos de la palabra simbólica sino de la que él llamaba “la palabra vida”:

En la lengua primera se da ese milagro difícil de explicar que es la “palabra viva”. Aludo a ella – no soy capaz de definirla – como esa palabra palpitante que irradia una energía inagotable [...] La palabra viva sería la que representa el sonido, el color, el peso, la masa de un objeto, la que parece el único signo, la única palabra posible para nombrar, digamos el ‘agua’, la que nos muestra esa cualidad cristalina, ese ruido del líquido en movimiento.

El Manual del distraido cumplió el año pasado 30 años de haber sido publicado por primera vez. Desde entonces y hasta la aparición de Edén. Vida imaginada, pasando por Cartas credenciales y sus múltiples colaboraciones en revistas culturales, la obra de Alejandro Rossi tiene la marca de los mundos plurales, de la universalidad y del cuestionamiento permanente de la identidad y el lenguaje.

Nacido en Italia, venezolano por herencia y pasión, mexicano por adopción, Alejandro Rossi fue un hombre universal para quien la pasión de pensar y hacer pensar estaba inextrincablemente unida a la pasión de vivir, a la pasión de dotar a la filosofìa de cotidianidad y a la cotidianidad de profundidad filosófica.

El pensador y el amigo querido por todos (o casi todos ya que ser querido por todos es una utopía) se ha ido físicamente para siempre pero sus palabras y su recuerdo permanecen en sus libros, en sus alumnos, en sus colaboradores y en sus amigos. Queda mucho por aprender de él.

Después de un polémico y accidentado proceso, se acaba de anunciar el ganador del Premio Internacional de Novela Rómulo Gallegos 2009. Se trata de William Ospina, prolífico autor que ha incursionado en casi todos los géneros literarios, pero que principalmente es conocido como poeta, periodista y narrador. Su novela El país de la canela ha sido la seleccionada entre 272 novelas participantes.

La lectura del veredicto fue realizada esta mañana en la Sala Arturo Úslar Pietri del Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos en Caracas. Asistieron todos los miembros del jurado a excepción de Elena Poniatowska, es decir, Humberto Mata y Enrique Hernández D’ Jesus, de Venezuela, Graciela Maturo de Argentina y Miguel Barnet, de Cuba. Hernández D´Jesús pasó a formar parte del equipo luego del sensible fallecimiento de la escritora venezolana Stefania Mosca en lo que fue una de las principales polémicas que se desató en esta entrega.

Diatribas aparte, Ospina ganó el premio por unanimidad con esta novela que es la segunda parte de una trilogía sobre el proceso del descubrimiento, conquista y colonización de América Latina. La primera parte fue Ursúa, editada por Alfaguara y que le valió, entre otros, el Premio Nacional de Literatura 2006 en Colombia. 14 años antes el escritor nacido en 1956 en Padua (Colombia) habia recibido el Premio Nacional de Poesía de su país en reconocimiento a su obra poética. En el 2003 ganó el Premio de Ensayo Ezequiel Martínez Estrada de Casa de las Américas por el libro Los nuevos centros de la esfera.

William Ospina es un agudo observador de la realidad de Colombia y de toda América Latina y es un escritor con una obra reconocida a nivel mundial como una de las más importantes del continente. El anuncio del premio lo sorprende en España justamente donde participó en la Feria del Libro donde presentó la novela ganadora La piel de la canela, que relata las expediciones de Francisco de Orellana y Pedro de Urzúa en tierras colombianas y participó en un acto en Casa de América de Madrid.

En Papel en blanco | Anunciados finalistas del Premio Rómulo Gallegos 2009

Según los datos aportados por Amazon, la obra será publicada el próximo mes de septiembre por la editorial sueca Nicotext. El título no esconde sus intenciones e identifica muy bien su punto de partida: 60 Years Later: Coming Through the Rye (‘60 años después: llegando a través del centeno’). Como es de imaginar, Salinger puso el grito en el cielo y el lunes pasado presentó una demanda contra el autor y la casa editora en la que se afirma que:

la secuela no es una parodia y no hace comentarios sobre el original o lo critica. Es pura y simplemente un plagio.

Hasta el momento Nicotext no ha hecho ningún comentario. La demanda deja claro que Salinger es “un guardián feroz de su propiedad intelectual” y que “no aprobará su uso por parte de los acusados”.

‘El guardián entre el centeno’ apareció en 1951, y desde 1965 su autor no ha vuelto a publicar ningún libro; concedió las últimas entrevistas en los años ochenta y ha jurado que no escribiría una segunda parte de la historia de Holden Caulfield que, a día de hoy, continúa vendiendo cerca de 250.000 ejemplares al año. Ni siquiera la noticia de la secuela no autorizada lo ha hecho reaparecer ante la opinión pública, pues han sido sus abogados los que se presentaron en el juzgado de Manhattan.

Para su gran obra, Salinger se inspiró en el título de un poema de Robert Burns, también balada infantil, ‘Coming Through The Rye’, precisamente el mismo que ahora utiliza J.D. California. En realidad, no es la primera vez que Salinger acude a los tribunales: hace años interpuso una querella contra un cineasta iraní que rindió tributo al personaje de Caulfied. Finalmente la película pudo emitirse en Irán, pero no en Estados Unidos.

En el momento de su publicación en la década de los cincuenta, ‘El guardián entre el centeno’ generó agrias polémicas debidas a su lenguaje provocador y a la claridad con la que Salinger presentaba la sexualidad y la rebeldía adolescentes. Sin embargo, pronto se convirtió en un clásico de la literatura y en un libro de culto para los jóvenes de varias generaciones.

Vía | El País