En este post voy a comentar tres cómics que te acompañarán, si les dejas, durante esas inquietantes noches en las que el viento sopla, colérico, frente a tu ventana.

La guarida del horror, de Richard Corben y Rich Margopoulos

Aunque ya hablamos de esta obra en otra ocasión, vale la pena recordar este volumen que adapta varios relatos y poemas del padrino del terror, Edgar Allan Poe. No se trata de una simple transformación de las palabras en viñetas, ya que las diez historias cortas que componen este volumen toman efectivamente textos de Poe como inspiración, pero dándoles un nuevo enfoque. Por ejemplo, el protagonista de Eulalia, basado en un poema del autor norteamericano, espera la llegada de un paquete con una “mujer” bastante peculiar que pueda poner fin a su dolorosa soledad. Y en La durmiente, los muertos reviven con los dientes afilados para causar estragos entre los vivos.

Entre otros, también podemos encontrar adaptados los textos de Berenice, El lago y el celebérrimo poema El cuervo, pájaro de mal agüero que ocupa la portada del cómic. Algunos de ellos son fieles al texto original, como en el caso de El corazón delator. El libro se completa con los textos íntegros y originales de Poe, lo cual hace aún más atractivo el resultado final.

Las ilustraciones de Corben son una muestra de la maestría de este hombre con el lápiz y con el pincel. Lo más destacable es su excelente uso de los grises y las muecas y expresiones con que enriquece los rostros de sus personajes. Por último, las historias las presenta un narrador de ultratumba, un personaje a medio camino entre lo grotesco y lo humorístico que es una clara herencia del tío Creepy de la revista homónima, en la que Corben también publicó.

La fábrica de pesadillas – Varios autores

Si el anterior volumen adaptaba historias del principal referente literario del género, esta obra se basa en los textos de Thomas Ligotti, autor mucho menos conocido pero capaz de proveer a sus lectores de grandes dosis de terror. El miedo que transmiten sus historias también es muy psicológico, a la manera de Poe, aunque también coquetea con inquietantes mundos oníricos y monstruos arcanos, como hacía Lovecraft.

El volumen se divide en cuatro historias, la mitad guionizadas por Stuart Moore y la otra por Joe Harris. El primero de ellos hace unas adaptaciones más literarias, con abundantes textos de apoyo que, como ocurre en el cine con las voces en off, no son recursos que deban explotarse demasiado en el cómic. De sus dos historias, me quedo con El sueño de un maniquí, ilustrado por Ben Templesmith, dibujante de 30 días de noche.

De las historias adaptadas por Harris, la más interesante es El manicomio del Dr. Locrian, que narra la demolición de una vieja institución mental y lo fina que es la línea que separa la lucidez de la locura. El dibujo de Ted McKeever recrea la historia con trazos dinámicos y un inquietante uso del color. Como dice el propio Ligotti en la introducción a este relato:

Una mente rota es con frecuencia la vía hacia un mundo insospechado por aquellos de una inocente normalidad.

El baile del vampiro, de Sergio Bleda

En 1997, la ya extinta línea Laberinto de Planeta DeAgostini (dedicada a cómics producidos por autores españoles) publicó una serie limitada de cuatro números llamada El baile del vampiro. Su autor, un Sergio Bleda que apenas superaba la veintena, ofreció una historia fiel al espíritu del género de vampiros contada con frecura y con unos dibujos de gran calidad, sobre todo por el dinamismo de los personajes y el uso de los grises.

Una década después, la editorial Aleta publicó una edición especial conmemorando ese décimo aniversario en el que se incluían los cuatro números originales, el especial Inés 1994 (en donde se cuenta el origen vampírico de la protagonista) y una historia corta, también de vampiros, que homenajea al creador de Los Pitufos. En ella Bleda demuestra que no sólo sabe manejarse con el blanco y negro. Tres páginas muy originales que cuentan con el guión de Alberto López Aroca, de quien se incluye también un relato en este volumen.

La historia de El baile del vampiro está llena de terror, violencia, persecuciones y referencias a cómics y canciones. Todo ello en el marco de las calles de Barcelona, retratadas con fidelidad en las viñetas, así como los diversos personajes y tribus urbanas que las transitan. Una obra recomendable que demuestra que en nuestro país se pueden producir muy buenos cómics, siempre que se le dé una oportunidad a sus creadores.

Más información | Thomas Ligotti
Más información | Sergio Bleda
En Papel en Blanco | Edgar Allan Poe

La historia comienza como en Resident Evil o 28 días después, con una enfermedad que se extiende por todo el mundo creando hordas de zombis hambrientos de materia gris. El protagonista se llama Takashi Konura y es el típico estudiante medio de un instituto japonés, en este caso el Shinjuku. Junto a sus compañeros, tratará de acabar con los zombis usando cualquier artilugio contundente que caiga en sus manos mientras averigua el origen de la epidemia.

La serie lleva publicándose en Japón desde septiembre de 2006 y aquí se editará en tomos de 168 páginas cada uno. Por lo visto, aún no tiene adaptación al anime, pero seguro que no tardará en llegar.

Así pues, esta obra nos asegura grandes dosis de plasma, salvajismo estudiantil y también, por lo que he podido ver por la red, inmensas tallas de sujetadores. Lo que espero es que, con la cantidad de cómics y películas que se han hecho ya con los zombis como protagonistas, este manga aporte suficientes novedades para refrescar un género que empieza a estar tan manido como el de los vampiros.

En cuanto me sea posible, publicaré un nuevo post con una reseña más detallada del primer tomo de esta serie. Mientras tanto, abrid boca con unas palabras de su creador, Daisuke Sato, que en cierto modo pueden considerarse el leitmotiv de esta obra:

Aunque el mundo acabe algún día lleno de zombis, nunca en la vida pienso olvidarme de las tetas, los culos y los muslos… Esta obra ha sido creada para todos aquellos que pensáis igual que yo.

Más información | Glénat

Este año, la decisión del jurado ha recaido sobre Michael Chabon y Guillermo del Toro. El primero de ellos ha ganado en la categoría de novela con The Yiddish Policemen´s Union (editado en español por Mondadori bajo el título: El sindicato de policía Yiddish) y el segundo en el renglón de guión por El laberinto del fauno .

Otros ganadores de esta entrega fueron: Nancy Kress por su novela corta Fountain of Age, Ted Chiang por su relato largo, The Merchant and the Alchemist´s Gate y Karen Joy Fowler por su relato corto, Always.

Este premio se comenzó a entregar en 1965 y fue ganado varias veces por Arthur Clarke (primero por Cita con Rama en 1973 y luego por Las fuentes del paraíso, en 1979) pero creo que quien más lo recibió fue Ursula K. LeGuin (3 veces). Otros nombres más que conocidos son los de Frank Herbert, William Gibson y Frederik Pohl. Vale la pena echarle una mirada a la lista que reproduce P. Roberto J. en Zona Fandom.

Vía | Zona Fandom
Sitio oficial | SFWA
En Papel en blanco | ‘El laberinto del fauno’ gana uno de los Premios Hugo

Ocio fantasía y entretenimiento representados en noticias acerca de ciencia ficción, fantasía, comics, manga, anime, juegos de rol, tablero y cartas. Las secciones hablan por si mismas: Cómic, Cine, Japón, Literatura, Lúdico.

Basta ver las entradas que se han publicado para darse cuenta que Zona Fandom se interrelaciona con varios de los blogs que ya tenemos, incluido Papel en blanco, sin embargo desde todos ellos era claro que la temática pedía un espacio propio.

Bienvenidos a Zona Fandom, el blog de la cultura alternativa.

Más información | Zona Fandom, porque hay infinitos universos
Sitio oficial | Zona Fandom

Etiquetar Déjame entrar como una novela de vampiros sin más sería quedarse un poco cortos. Su autor, el sueco John Ajvide Lindqvist, decidió ambientar la historia en una pequeña localidad de su país natal. Acaban de empezar los años 80 en Blackeberg, población levantada unos pocos años atrás, sin apenas historia ni tradición a sus espaldas. Un lugar tranquilo rodeado por profundos bosques que está a punto de cobijar a unos personajes que alterarán por completo su tranquilo modo de vida.

Al margen de unos asesinatos que empiezan a inquietar a la comunidad, acompañamos a Oskar en su solitaria vida en casa y en el colegio. Acaba de entrar en la adolescencia y su carácter y un ligero sobrepeso lo convierten en el blanco de todas las burlas. Al principio, sus inquietudes giran en torno a su inseguridad y a ocultar cosas como esa “bola de pis” suya, una esponja agujereada con la que trata de contener sus preocupantes pérdidas de orina. Entonces entra en su vida Eli, una niña de unos doce años que vive en la casa de al lado, encerrada a cal y canto con un individuo mayor, posiblemente su padre, que parece incapaz de controlar sus escarceos con el alcohol y los niños.

Poco a poco, ambos empiezan a conocerse en un parque cercano a sus casas, siempre al caer la noche. Pronto, la amistad parece tornarse en algo más. Oskar no puede evitar sorprenderse ante esa niña que piensa y actúa como si fuera mucho más mayor de lo que aparenta. También le llama la atención su mal olor corporal (que poco después corrige para agradar a Oskar) y el hecho de que unos días tenga el aspecto de una persona enferma y al día siguiente reaparezca lozana y llena de energía.

La novela está dividida en cinco partes, y dentro de cada una en una serie de días de finales de 1981. El narrador salta de unos personajes a otros, abriendo muchos flancos que confluyen a medida que avanza la narración. Lo que hace diferente a Lindqvist de otros escritores de terror es su lenguaje, que puede ser hermoso y terriblemente sórdido, y sus descripciones. En este caso, no se centra en crear una atmósfera opresiva y fantasmagórica, sino en describir a los personajes con destreza. Por ejemplo, describe la mirada de Eli como “los ojos de Samuel Beckett en la cara de Audrey Hepburn”. Sabiduría e inocencia, pasión e indiferencia a un mismo tiempo.

También es destacable cómo consigue jugar con el lector al hacer pasar como reales acciones que imaginan los personajes. Se sirve a menudo de técnicas que ya hemos visto en narraciones terror como el de utilizar las cursivas para reflejar lo que piensan los personajes. De hecho, todas estas cualidades podrían propiciar una adaptación al cine muy interesante.

La historia es entretenida y reaviva continuamente el interés por la suerte de los personajes. También se nos presentan ciertas realidades ocultas y sórdidas que realmente existen en las ciudades occidentales y unas relaciones entre los personajes que muchas veces giran en torno al egoísmo, el interés propio y el rencor. Esta cualidad es muy importante, personajes profundamente humanos en una historia fantástica.

En cuanto al tema del vampirismo, es de agradecer que lo aborde desde una óptica fresca y original, pues es un género explotado hasta la saciedad. Al fin y al cabo, esta cuestión puede llegar a ser incluso anecdótica tras el trasfondo de la historia. Uno de los puntos fuertes es la escena en que uno de los personajes, después de haber sido mordido, empieza a ser consciente del contagio: los mordiscos de la luz en la piel, la repulsa ante cualquier clase de alimento y un hambre que empieza a convertirse en inquietud.

Por otra parte, parece que la novela tiene una importante carga autobiográfica. De hecho, el propio autor, que efectivamente nació y pasó su adolescencia en Blackeberg, escribe junto a los agradecimientos:

Si a alguien se le ocurre comprobar el tiempo que hizo durante el mes de noviembre de 1981, descubrirá que aquél fue un invierno inusualmente suave. Yo me he tomado la libertad de bajar la temperatura unos grados. Por lo demás, todo lo que cuenta el libro es cierto, aunque ocurriera de otra manera.

Una lectura recomendable, que engancha y entretiene. Muy indicado para aquellos que no comulguen con la literatura fantástica y quieran encontrar una agradable excepción.

Sitio oficial | Déjame entrar

Edgar Pym es un escritor por encargo que arrastra una vida crápula y una larga crisis creativa: es incapaz de escribir su propia novela. Un día es convocado a la casa de un tal señor Valdemar, en dónde conoce a la atractiva, talentosa y decidida periodista Lisa Lynch. Valdemar les comunica que desea contratarles para que cuenten su vida. Que está marcada por un hecho extraordinario: posee un libro en el que día a día y de forma automática se va relatando su existencia.

Entre la incredulidad y la maravilla, Edgar y Lisa indagan sobre su misterioso cliente al tiempo que este les va desvelando poco a poco detalles de su extraña existencia. Comienza entonces a perfilarse la oscura figura del profesor Nobac, un controvertido filósofo y químico presuntamente desaparecido de la faz de la tierra, que parece ser una pieza clave alrededor de la cuál gira no sólo el misterio del libro que se escribe sólo sino la existencia de los tres personajes.

Es un argumento lo bastante sólido para enganchar en las primeras páginas del libro, y tiene el suficiente sabor libresco, añejo, como para recordar agradablemente a las tramas de investigaciones eruditas de los maestros citados antes. Incomprensiblemente, una vez puestos en situación y tras cultivar cuidadosamente el suspense, el autor decide detener el ritmo de la narración. Nos bastan unos capítulos para conocer a Edgar, Lisa y Valdemar, así como sus respectivos problemas. Pero el bloque central de la novela esta dedicado a volver una y otra vez sobre los mismos personajes, las mismas problemáticas enunciadas en primer momento, y apenas se perciben signos de evolución.

La idea parece ser la de mostrar cómo la presencia de un libro que escribe él sólo una vida afecta psicológicamente a dos tipos diversos de personalidad, una rigurosa y ordenada frente a otra caótica y espontánea. En realidad lo que se percibe es una manera un tanto artificial de alargar las cosas ya que lo que ocurre son más cambios de humor que de psique. Y peor aún, lo que consigue es matar el suspense. Situaciones, personajes y tramas secundarias encajan en ocasiones de forma forzada, con una teatralidad que no se acompasa ni a la narración ni al tono (para demostrar que Edgar es un juerguista, por ejemplo, ocurre una escena de triángulo en su apartamento que parece sacada de una telecomedia).

Tampoco ayuda que el narrador anuncie de tanto en cuando que algo terrible terminará sucediendo. Resulta frustrante cuando el lector no percibe avances efectivos. Estos sólo llegan en el tercio final de la novela, cuando descubrimos a los investigadores empezando a hacer lo más elemental (buscando una fotografía del misterioso y mil veces mencionado Nobac o visitando a quiénes le conocían). Y cuándo finalmente se precipita el desenlace, resulta chocante no por las revelaciones (que el lector ya ha deducido gracias a las pistas que el narrador le deja y remacha) sino por las infinitas respuestas que deja sin resolver y las explicaciones que no llegan nunca.

Una dificultad final es el lenguaje literario del que hace gala Fernández Giordano. Es elevado, de gran riqueza y con potencial poético, luego en ningún caso objetable. Gracias a él se dan los mejores pasajes de la obra. Sin embargo lo mantiene inalterado en todo momento, cuando ciertas ocasiones hubieran requerido mayor simpleza y cercanía. La impresión final es la de cierto distanciamiento del narrador con su historia al usar el mismo conceptismo para hablar tanto de la Verdad y la Existencia como para describir la “carne turgente y fibrosa” de los muslos de Lisa.

Como dice uno de los personajes de la obra: sólo lo imposible es seguro, lo posible es un universo de incertidumbres. El libro de Nobac tiene el mérito de ser ambicioso y plantear ideas de gran valor, algunas brillantes. Lástima que naufrague por motivos que quizás sean de formato. Si siguiendo a los maestros el autor hubiera optado por una narración breve puede que estuvieramos ante un texto completamente distinto. Potencialmente, ante una obra de arte.

Calvino nos traslada a uno de sus universos experimentales favoritos, el de los romances de caballerías, su versión analítica y paródica de obras como el Orlando Furioso de Ariosto. Nada más empezar encontramos lo propio, al emperador Carlomagno pasando revista a sus tropas antes del combate contra los infieles. Último de la fila de sus paladines el rey descubre a Agilulfo, cuya prístina armadura blanca no encierra a un hombre ni a ser viviente alguno. Preguntado por lo insólito de su circunstancia, Agilulfo declara existir únicamente debido al rigor por el que sigue las normas de la caballería y por el fervor de su servicio al rey. Complacido por la respuesta, Carlomagno no le da más vueltas.

Y es que Agilulfo es la perfección de la norma, la exactitud matemática del cálculo, la frialdad de la justa medida. Como si la voluntad que lo mantiene en pie fuera regida por una computadora, el caballero inexistente es incapaz de relacionarse con el mundo fuera de unas leyes prefijadas, ya sean la cortesía, las órdenes militares o las convenciones del “buen amor”. Agilulfo sólo existe en sus ejercicios de lógica aplicada: desprovisto de emotividad y de empatía hacía el resto de los seres humanos, pasa sus noches sólo fabricando figuras geométricas con piñas, ya que dormir para él implicaría la disolución.

Como siempre en Calvino, el disparatado protagonista no da él sólo la clave de la interpretación de la novela. Esta se encuentra en su interacción con el mundo y el resto de personajes. En este romance puesto del revés Agilulfo encuentra su opuesto en Gurdulù, el escudero que Carlomagno le impone. Es un loco o tonto del pueblo que, a pesar de su evidente presencia física, no sabe que existe. Es incapaz de ubicar su identidad en el mundo. Cuando va a pescar, se acaba creyendo el pez y termina atrapado en las redes. Cuando come, mete la cabeza en la escudilla porque no entiende que la sopa no te come a tí.

Entre estos extremos de existencia desquiciada pivotan otros héroes más cercanos. Rambaldo, un jovencísimo caballero que quiere brillar de gloria y vengar a su padre sólo para descubrir que el ejército es una máquina burocrática y anodina. Que ama a Bradamante, la feroz y caótica doncella guerrera animada por un desprecio unánime al género masculino y que va a caer sin embargo en un enamoramiento absurdo y desesperado de Agilulfo, fascinada por su imperturbable infalibilidad. Rambaldo persigue a Bradamante, Bradamante a Agilulfo, todos corren unos detrás de otros intentando dar con el sentido de su existencia.

Del hecho de existir es, aunque suene redundante, de lo que trata El Caballero inexistente. Y Calvino lo plantea con una una dicotomía muy inteligente: si ni la posesión de la razón (Agilulfo) ni de la carne (Gurdulù) te garantizan completamente la existencia, es natural que los demás, los seres humanos “completos”, se interroguen sobre su situación en el mundo y su posible sentido. Otro joven paladín, Torrismondo, parte en busca de los caballeros del Grial, aquellos que han conseguido hacerse “uno con el universo”. Lo que descubre es que en realidad han dejado atrás su identidad para dejarse mecer por los mismos movimientos cósmicos de la naturaleza, seres violentos e inhumanos que le dan el contrapunto irracional a Agilulfo.

Leer El Caballero inexistente es una grata experiencia. Hay aventuras y peripecias que se suceden unas detrás de otra, como las frenéticas cabalgadas de sus personajes, todo bajo el signo del humor caústico de Calvino. Pero su imaginario existencial es algo en lo que merece uno detenerse, después de haber disfrutado con su creatividad, para intentar descifrar su sentido poético. Hay una moraleja en esta novela: A existir también se aprende. Quizás haya también una enseñanza.

En Papel en Blanco | ‘Nuestros antepasados’, de Italo Calvino

El escenario escogido para la novela está formado por los clubs y las avenidas del Londres contemporáneo. El protagonista, Marty Strauss, sale de prisión para convertirse en guardaespaldas de uno de los hombres más ricos de Europa. Al parecer, su caótica vida de antaño empezaba a encontrar una cierta estabilidad, pero no todo iba a ser tan fácil.

Su nuevo jefe, animado por sus ansias de poder, había conseguido todo lo que quería a cambio de su alma (sí, los trueques han variado mucho desde la Prehistoria, aunque no tanto desde la Edad Media), y el pobre Marty se ve envuelto en todos los delirios sobrenaturales que ello conlleva. En este caso, el cobrador del frac es un ente capaz, incluso, de devolver la vida a los muertos, incluido un amor de juventud de Marty.

El argumento en sí no se aleja demasiado de los cientos de libros y películas que toman como punto de partida estos pactos esotéricos. Sin embargo, el encanto de Barker reside en la atmósfera que crea con sus palabras, y en su fusión de terror, sensualidad y erotismo. Características que también podemos encontrar en sus películas, como la inquietante Hellraiser, que crea un mundo en el que a nadie nos gustaría despertar.

Más información | La Factoría de Ideas
Sitio oficial | Clive Barker

Quiere la historia que Medardo sobreviva a tan terrible herida. Y es la mitad de un hombre la que regresa a Terralba entre la expectación de su gente, incluído su sobrino, nuestro narrador. Pronto descubrirán que el horror de ese ser cuya mitad derecha flota en el vacío no es nada comparado a su maldad. El regresado condena a muerte, incendia casas, destruye cosechas, tiende trampas, y sobre todo secciona por la mitad todo lo que cae entre sus manos convencido que lo auténtico, verdadero y puro sólo se encuentra en las fracciones.

Para complicar las cosas, un segundo Medardo entra en acción, uno que carece en este caso de lado izquierdo. Toda la maldad del primero, del ‘Amargado’ como lo motejan, es en el segundo un espíritu de sacrificio, compasión y entrega fuera de todo límite. Es el ‘Bueno’, poco menos que un santo, al que su división ha conducido a sentirse uno con el sufrimiento universal. El primero busca deshacer las buenas obras del segundo, y vice versa. Entre medias la población de Torralba no se las apaña mejor con uno que con otro hasta que irrumpe Pamela, una moza montaraz de la que los dos Medardos deciden enamorarse y que precipitará la resolución inevitable.

El vizconde demediado, así como las dos novelas siguientes El caballero inexistente y El barón rampante, es fruto de las investigaciones de Calvino sobre la fábula tradicional italiana y la literatura medieval. Se pueden leer como un cuento, casi como un tablero alegórico, pero se trata de novelas modernas y no se puede soslayar su importante psicologismo. La tentación en el Vizconde demediado es la de extraer la moraleja fácil: en todo ser humano hay capacidad para el bien y el mal, y tan nociva es una llevada al extemo como la otra. La sabiduría está por lo tanto en el equilibrio. Pero quedarse con eso no es llegar hasta el final.

Para empezar el mundo imaginario de Calvino es demasiado festivo como para tomárselo muy en serio. La parte trágica está atemperada con puntos de humor brillantes. Un gran ejemplo es cuando el Amargado encarga una horca para colgar a veinte condenados de golpe. Su habilidoso carpintero Pietrochiodo le entrega una con capacidad mucho mayor, así que decide colgar dos gatos por cada condenado, y todos acaban admitiendo que el resultado estético es notable. O cuando Medardo el malo incendia la casa de los padres de Palmira como pretexto para entablar conversación y pedir la mano de su hija.

El quid no es tanto el mal o el bien que los Medardos pueden hacer, sino que son incapaces de interactuar con el mundo de otra manera, ni tan siquiera de comunicarse. El mundo que por otra parte está construido a su imagen y semejanza. Lo simbolizan las dos comunidades marginales contrapuestas, la de los leprosos en dónde tódo es lujuria y desenfreno, y la de los protestantes hugonotes regida por un estricto autocontrol. En medio están los ciudadanos de Terralba, verdaderos culpables de ser cómplices por inacción de los estragos del Amargado (Pietrochiodo se consuela en la belleza de sus máquinas para no pensar que sirven para matar) y de la inutilidad del Bueno, cuyo idealismo resulta un engorro.

Más que del conflicto entre Bien y Mal, es de la propia idea del ser diviso de la que trata la novela. Ninguno de los dos Medardos encuentra acomodo en las situaciones sociales que se le presentan. La confusión, el ser medio bueno y medio malo, acaba pareciendo un mal menor para vivir en sociedad, ya que la cualidad integradora de los ‘normales’ es su ambigüedad, el tomar bien por mal y mal por bien.

Encontramos aquí una simbólica de géneros muy arraigada en Calvino. El hombre, con la espada afilada al puño, es símbolo de fraccionamiento, categorización y división. La mujer, la lozana Palmira que habita el bosque en amistad con flora y bestias es símbolo de mescolanza, confusión y génesis. La sabiduría de la unión de extremos no le llega a Medardo hasta el feroz duelo en el que el hombre se enfrenta al hombre con una espada en cada mano, al que el deseo (¿amor?) por Palmira ha conducido a sus dos mitades.

Cabe leer El Vizconde demediado como una fábula y, aunque no sea tan citada como las dos otras obras de la trilogía, es probablemente la más divertida. Lo que hay de particular en ella es sin embargo la instancia del narrador, ese sobrino ya mencionado al que el Amargado casi convierte en demediado en una ocasión. Es su visión infantil pero juiciosa la que nos conduce por el relato, acompañada por el estrafalario doctor Trelawney. Pero su desconsolada soledad al cerrarse la novela introduce un punto de melancolía. A los normales sólo nos queda envidiar la experiencia de Medardo, la de haber conocido la pureza de un mundo sin cara ni cruz y la de haber salido uno del conflicto entre dos.

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En Papel en Blanco | Italo Calvino

Gankutsuō, tal es su nombre en japonés, si bien respeta la base de la obra original de Dumas, incorpora una serie de elementos futuristas que la diferencian del promedio de las recreaciones de este tipo.

Realizada por Mahiro Maeda, Gankutsuō se ubica temporalmente en el año 5035 y sus anécdotas, que no siguen ya el orden cronológico y que se centran en personajes distintos que el original, ocurren en la luna y se incorporan elementos sobrenaturales.

Resulta interesante el interés de los japoneses por algunas de las obras clásicas de la literatura europea del s.XIX y sobre todo su adptación, no solamente al formato anime y/o manga sino también la recreación formal y literaria que hace de ésta probablemente una versión libre más que una recreación.

Vía | Literatúrame
Más información | W.A.M.P.I.
Sitio oficial | Montecristodvd.com

La isla adquiere un significado femenino a partir de una serie de símbolos que la acompañan: la fertilidad y la frondosidad (derivadas del mito de la isla afortunada), el espacio uterino-amniótico, las ideas de “virginidad”, de “cuevas” y “tesoros” a los que el héroe, atravesando el mar como espacio de iniciación tradicional masculino, accede en forma de naufragio o conquista. Y si en el caso de La Tempestad el mago Próspero es un hombre, debe valerse de su hija Miranda (que no ha conocido otra cosa que la isla) como seductora de los náufragos para que sus planes triunfen.

En las novelas de caballería la isla es un equivalente simbólico al castillo de la dama que busca encerrar consigo al protagonista, pero permite acciones propias del régimen expansivo: en la isla de Alcina (Orlando Furioso) hay ejércitos contra los que luchar y ciudades que conquistar: un microcosmos entero que dominar, en fin, pero un microcosmos sobre-natural. En la parodia quijotesca, lo único que tiene de isla la Ínsula Barataria en la que acaba Sancho es su carácter de encerrona. Sancho nunca llega a hacerse con el control pese a sus demostrar dotes de liderazgo porque alrededor suyo se ha tejido una farsa carnavalesca que le tiene a él de bufón, manifestándose en parodias de los fantástico como los apaleamientos por enemigos invisibles que sufre el desgraciado gobernador.

Robinson Crusoe hace saltar por los aires las concepciones clásicas. En esta novela encontramos un acercamiento positivista a la isla en tanto que espacio natural. El primer hombre blanco que la pisa no sólo la aborda con criterios racionalistas, sino prácticos: es el primer civilizador, el usufructuario de sus bienes naturales. Se convierte así en única medida de su mundo, adquiere por la técnica lo que el mito reserva a la magia y a la conquista heroica. Con todo, en Robinson Crusoe encontramos una de las primeras muestras del uso del fantástico moderno, enunciado por Todorov como la ambigüedad entre una explicación racional o sobrenatural, en el episodio de la huella. Robinson Crusoe se cree sólo en la isla pero encuentra una única huella de pie en la arena, lo cual le llena de terror y angustia, y produce suspense en el lector. Más tarde descubrimos que los caníbales visitan la isla: pero cómo pudieron dejar una única huella en una playa desierta, o si realmente fueron ellos los responsables, es algo que nunca se llega a explicar.

La isla queda por lo tanto como el espacio de la posibilidad en el que todo cabe y se ofrece a la experimentación ficcional, abriendo los brazos de par en par a la ciencia- ficción. En La isla del doctor Moreau encontramos una inversión del mito de Circe, inexplicable sin el precedente de Robinson Crusoe: mientras que Circe transforma a los hombres en animales para dominarlos, Moreau transforma a los animales en hombres para civilizarlos. Ambos fracasan, por distintos motivos: y es que mientras Circe pertenece a un contexto maravilloso, en dónde los acontecimientos están llamados a ocurrir, Moreau se mueve en la probabilidad. Su éxito era sólo una hipótesis que, respondiendo a la visión pesimista existencial de H.G. Wells, finalmente se ve frustrada. Del mismo modo, la Isla Misteriosa de Julio Verne en la que el capitán Nemo tiene su base acabará atrapando tanto al inventor como a su creación, el Nautilus.

La ciencia-ficción moderna ha extendido los atributos de la insularidad al ámbito de la conquista espacial, sustituyendo la isla por el planeta y el mar por un elemento igualmente indeterminado: el espacio profundo. Las novelas marcianas de Edgar Rice Burroughs adoptan los mismos esquemas de descubrimiento, heroicidad y conquista (de mundo y mujer) que el epicismo reserva a las islas y que se siguen sucediendo en los géneros de ciencia-ficción galáctica tales como Star Wars o Star Trek. Pero tanto la isla como el planeta quedan reservados para la experiencia de la extraneidad para el individuo, lo inefable e incluso la trascendencia. Así lo abordan películas como 2001: Odisea en el espacio de Stanley Kubrick o Solaris de Andrei Tarkovsky.

Como señala Mario Tomé, “Lo continental es la norma, mientras que la isla es la excepción”. Ésta no es sólo una máxima aplicable al estudio de los mitos: desde Darwin sabemos que se trata de una evidencia evolutiva. Las islas son microsistemas aparte, universos paralelos que se rigen con reglas propias derivadas de una temporalidad escindida y en dónde lo asombroso, lo monstruoso y lo diferente pueden ser norma. Ante enigmas científicos tan fascinantes como el del Homínido de Flores, el mito parece adquirir una dimensión palpable que desafía al escepticismo más empecinado.

En Papel en Blanco | La isla en la literatura como espacio de la fantasía (I)

¿Cuáles son los atributos insulares que predisponen a la fantasía? El primero y más evidente es el estado de aislamiento, término derivado de la propia semántica de la isla. Pero no es tanto el carácter de espacio acotado lo que introduce la predisposición a la fantasía, sino el hecho de su suspensión en el medio acuático. El mar, cómo se ha encargado de demostrar Gilbert Durand, es una gran imagen funeraria y una expresión de la temporalidad mutable y disolutoria. La isla se configura como un más allá al ponerse como frontera las aguas mortuorias, manteniéndose a flote encima de un estado de caos. La tradición indoeuropea localiza el mundo de los muertos en el infinito más allá del océano: lo veremos en la literatura caballeresca de influencia céltica en dónde las islas o los espacios cerrados por agua son reinos maravillosos, con Avalon a la cabeza.

La condición de supra-naturalidad de la isla introduce otro mito asociado, el de las islas afortunadas. Son estos espacios de abundancia, de riqueza, de juventud eterna y de goce: lugares que no han perdido la bendición de los dioses, auténticos paraísos terrenales. Son las tierras hiperbóreas, de nuevo situadas al fin del mundo, en donde convergen el jardín de las Hespérides con la Ultima Thule. El Génesis bíblico especifica que el Jardín del Edén está franqueado por cuatro ríos (frente a los cinco del Hades griego), y la tradición medieval ha enriquecido esta representación imaginaria con relatos como el de San Borondán / Brendan que describe un paraíso isleño a medio camino entre lo celta y lo cristiano. Dante, en la Divina Comedia, sitúa al Paraíso entre las esferas celestes: sin embargo, el Purgatorio que conduce a él es una montaña que surge directamente del mar y que Ulises llega a atisbar en su camino hacia el fin del mundo.

Otro carácter imaginario inscrito en la semántica de la isla es el de la evanescencia: al estar en un medio móvil, indeterminado, la isla no está obligada a tener una existencia real, a quedarse anclada o a permanecer a flote. Surge así el mito de la isla-móvil o la isla tortuga, relacionada con mitos indoeuropeos de la creación pero que tiene una presencia plástica en relatos como el de Simbad, que descubre que ha desembarcando en el lomo de un monstruo marino. El mito de la isla o el continente sumergido se relaciona con el del paraíso perdido. Así lo utiliza Platón en sus célebres discursos sobre la Atlántida, un lugar ideal destruido por la impiedad de sus habitantes.

Sin embargo, la hipótesis del continente sumergido reaparecería hasta el siglo XIX en forma pseudo-científica, como búsqueda de una explicación a las migraciones prehistóricas. Así nacerían continentes perdidos como Lemuria o Mu que se verán desarrollados por el imaginario fantástico, ocultista y de ciencia ficción del siglo XX. H.P. Lovecraft configurará una nueva representación del tema de los continentes y civilizaciones sumergidas partiendo de esta arqueología imaginaria, como marco para monstruosos seres con atributos de cefalópodos llegados de más allá de las estrellas.

Estos tres rasgos colocan a la isla como un referente imaginario del más allá del tiempo y el espacio, una cronotopía desplazada. La insularidad, por otra parte, confiere a la isla el carácter de un microcosmos: de un mundo en miniatura. Este aspecto ya se encuentra en la Atlántida de Platón en la presentación de un mundo autosuficiente y autorregulado, y reaparecerá en las tres grandes utopías del Renacimiento: la homónima de Tomás Moro, la Nueva Atlántida de Francis Bacon y la Ciudad del Sol de Tomaso Campanelo. Las dos primeras son islas, la tercera subraya su carácter ideal localizándose al otro lado del mar. La isla se concibe desde este momento como el lugar ideal para la experimentación, dado que permite la regulación entera del microcosmos.

Pasamos de un paraíso mítico a uno racionalizado. Pero la isla sigue siendo ese lugar en el que todo está permitido, que puede estar ahí o no: tras la borrachera racionalista del Renacimiento, encontramos las islas alegóricas del Barroco o la sátira despiadada de Los viajes de Gulliver. Posteriormente, a partir de Robinson Crusoe, la isla desierta pondrá a prueba las convenciones sobre el estado natural del hombre, como observamos en El Señor de las Moscas de William Holding.

Con los niños funciona de otra manera, me parece a mi. Quizás porque en su orden de prioridades lo “racional” o “lógico” no siempre figura en primer lugar. Así, la mejor forma de introducir a un niño en lo fantástico es a través de lo conocido, pues sucede que a menudo las experiencias reales son un acicate suficiente para la imaginación. Un verano en una antigua casa llena de ruidos, una escapada solitaria por un bosque frondoso, explorar un desván mohoso que cruje al pisar son a los ojos del niño aventuras mágicas por derecho propio. De ahí que la literatura pueda añadir su pizca de fantasía, y que esta se reciba con un aire de familiaridad.

Este es sin duda uno de los aciertos de la serie infantil Spiderwick, al menos de su primer libro que es el que he tenido ocasión de leer. Fantasía con los pies en la tierra, magia que conecta de forma sencilla y convincente con los grandes problemas antropológicos de cualquier niño occidental: unos padres que se han separado, una hermana mayor mandona, brutota y chicazo, y un hermano – para colmo gemelo – que saca buenas notas y no se lleva las regañinas. Todo dentro de un caserón campestre lleno de presencias, misterios y pasadizos. No es algo nuevo en absoluto, pero tiene el mérito que no todos pueden revindicar de estar bien hecho.

Spiderwick tiene otros méritos, como un vocabulario y sintaxis de muy buen nivel para niños de ocho a diez años, y numerosas ilustraciones de gran calidad que ayudan por una parte a la comprensión del texto y contribuyen por la otra a crear esa atmósfera tan acertada, como he señalado, para el suspense. Se trata además de obritas muy breves, de unas cien páginas incluyendo dibujos, que las hacen de manejo y consumo fácil. Son en definitiva una alternativa recomendable para el público demasiado prematuro para los excesos épicos de la saga Harry Potter.

Lo que ha dado a Tropas del Espacio mayor relevancia es su implícita controversia. Entre los lectores de la novela, hay quienes la tachan de pseudofascista y de clara apología del militarismo, como Heinlein se regodeara de las virtudes y ventajas de dar al ejército la hegemonía inherente de una sociedad. Sin embargo, también puede verse como justamente lo contrario: una parodia del belicismo, una caricatura de la idiosincrasia militar. Y como buena caricatura, todo es hiperbólico y evidentemente estereotipado. Personalmente, tiendo más a lo segundo, aunque el autor parece estar muy satisfecho poniendo en la piel de sus personajes situaciones claramente en favor de lo militar, como única salvación de la supremacía de una sociedad. De cualquier manera, esta controversia es cuanto menos exagerada. La inolvidable novela posterior El Juego de Ender, también clásico de la ciencia-ficción, trata temas muy similares. La película de Stanley Kubrick La Chaqueta Metálica, en sus primeros 45 minutos, recuerda muchísimo también a Tropas del Espacio.

La lógica con la que está escrita el relato y la claridad de ideas mostradas a través de la perspectiva de Rico, tiene momentos vibrantes y muy entretenidos, especialmente en el arranque. Peca, no obstante, de crear mucha expectación a la hora de anticipar grandes batallas entre los humanos y las Chinches, y finalmente todo queda en unos pasajes breves y mediocres. Mucho mejor, por supuesto, el periodo de instrucción de Rico, con toda su dureza y minuciosidad. Hay verdades como puños y párrafos muy conseguidos en su unidad. Se echa de menos además un personaje memorable que complemente a Rico, al que le pesa demasiado ser el eje central de la novela, y esto hace tediosa en ocasiones la lectura, sobretodo en el nudo.

A pesar de todo, Tropas del Espacio no es más que una profunda reflexión acerca de la importancia de lo militar frente al declive social. Se menciona que los militares de alto cargo deben ser sobrios emocionalmente, y saber mandar con dureza sin tener en cuenta problemas o rencillas personales, y se incluyen frases como: “Vamos, enanos, ¿acaso quereis vivir para siempre?”, o “el hecho más noble que un hombre puede llevar a cabo es poner su propio cuerpo mortal entre su amado hogar y la desolación de la guerra”, que desde luego alimentan la polémica antes explicada. Hay que hacer mención, por último, a la lamentable traducción al español. Para quien domine la lengua inglesa, desde luego disfrutará el triple apreciando las virtudes de esta novela en su idioma original.

La novela ganó el Premio Hugo a la mejor novela en 1960 y ayudó a crear un nuevo subgénero de literatura de ciencia ficción militarista, convirtiéndose en un clásico por excelencia y una historia muy a tener en cuenta, a pesar de sus considerables altibajos. Por supuesto, no hablaremos aquí de la abominable adaptación al cine en 1997, realizada por el en su mayoría infumable Paul Verhoeven, director que convirtió esta interesante novela en un delirante pastiche de acción hollywoodiense.

Por cortesía de Blog Hogwarts os presentamos la portada en castellano de la última y definitiva (oh wait!) aventura de Harry Potter, sobre la que podréis poner vuestros dedillos de aprendices de brujo a partir de mañana. Muy en el estilo gráfico de las anteriores, la cubierta muestra a nuestro protagonista contemplando absorto una llamarada mientras una ominosa figura encapuchada se cierne sobre él.

La presentación la realizó la Editorial Océano Chile. A continuación podéis ver una foto de la alegre concurrencia, incluído uno de los cosplays más convincentes de Harry que haya visto nunca. Imagino su tortura al estar rodeados de ejemplares aún no puestos en circulación. ¡Lo siento jovencitos, se toca pero no se lee!

Vía | Blog Hogwarts
En Papel en Blanco | Harry Potter y las Reliquias de la Muerte

Los mundos creados por la literatura de Dick son complejos, multifacetados y desasosegantes, esto es más que un lugar común. No parecen los lugares más apropiados para una aventura para todos los públicos. Sin embargo, lo que destacan quienes han leído Nick and the Glimmung es que Dick consiguió adaptar al tono y a las peripecias del género infantil tanto sus mundos posibles como sus obsesiones recurrentes.

Nick and the Glimmung está encuadrada en la continuidad de una de las novelas ‘adultas’ de Dick, Gestarescala (Galactic Pot Healer). En un hipotético 1992, Nick es obligado a huir de la Tierra junto con su familia debido a su gato Horace, ya que el sistema opresivo y policial que rige nuestro planeta prohibe tener mascotas. Empezarán una nueva vida en el planeta Sirius 5 y conocerán a diferentes tipos de alienígenas, entre ellos al poderoso y sabio Glimmung, además de enfrentarse a réplicas de sí mismos y a un libro que predice el futuro.

Sí, ahí estaba. Ahí mismo en el libro. Un informe corto pero preciso de la muerte de Mr. Frankis. ¿Estaba este pasaje aquí ayer? se preguntó Nick. (...) ¿Supongamos que Mr. Frankis hubiera buscado su propio nombre en el índice? ¿Habría encontrado esto – y sabido lo que le iba a ocurrir?

¿Qué hay en el libro sobre mí? se preguntó Nick. ¿El texto que leímos antes de camino aquí, después de que Glimmung me diera accidentalmente el libro? ¿O habrá cambiado ahora?

Es fácil reconocer los temas de Dick en el simple argumento de la novela. Por mucho que el lenguaje se adecúe al público infantil, no estoy seguro de que el resultado final no se dirigiera realmente a adultos. Puede que las paradojas sobre el continuum y las reflexiones sobre el determinismo de nuestra muerte puedan ser materia para niños, pero no estoy seguro de que Dick entendiera (como le pasa a muchos autores) que para escribir novelas de niños no basta con contar lo mismo de forma simple y añadiendo una mascota.

Vía | The New York Times

Donnie Darko se convirtió inmediatamente en película de culto, y se ha convertido en uno de los films más enigmáticos y fascinantes de la historia del cine. Con un tono de ciencia-ficción que mezcla filosofía, una reflexión sobre el sentido de la vida y un aire a cómic urbano, cuenta la historia del héroe del título, que es salvado de una muerte segura por un extraño joven disfrazado de conejo.

El propio Kelly es el autor de este libro, que viene con el aliciente de que detalla todos los misterios que tenía encerrados el guión de la película. Trae además un prólogo por Jake Gyllenhaal, el actor que encarna al protagonista de la película, y un extracto de La Filosofía del Viaje en el Tiempo, un libro que es citado en el film.

En Estados Unidos, en donde el libro lleva publicado prácticamente desde el estreno de la película, se dicen maravillas. Se habla de que el libro de Kelly representa un complemento perfecto, y es tan asombroso como la obra cinematográfica.

En Papel en Blanco estamos particularmente ilusionados con el lanzamiento de esta novela, maravillándonos del gran favor que editoriales como Gigamesh, Minotauro o la propia AJEC están haciendo al género de ciencia-ficción en nuestro país.

Vía | FantasyMundo

Está escrita por Ken Grimwood (1944-2003), periodista radiofónico de profesión, que había publicado anteriormente dos novelas de escasa relevancia. En España fue publicada en 1994 por Martínez Roca, en una edición efímera y llena de errores ortotipográficos, y ahora la Factoría de Ideas, que está realizando una labor impagable por recuperar la mejor ciencia-ficción del siglo XX, la reedita en tapa dura, con una edición de 320 páginas.

Volver a Empezar (con un título en inglés más acertado, Replay) cuenta la historia de Jeff Winston, un cuarentón resignado con una vida monótona, que al morir se da cuenta de que ha retrocedido en el tiempo, concretamente 25 años. Ahora es un joven de 18 años que tiene una segunda oportunidad para mejorar su existencia. Porque lo mejor para Jeff es que recuerda todo lo que le ha sucedido, con lo que sabe los errores que cometió y que ahora puede evitar. La novela representa sin duda una vuelta de tuerca en el análisis de la vida después de la muerte, ya que anuncia una existencia en la Tierra, siendo la misma persona, lo que podríamos llamar autoreencarnación. La película Atrapado en el Tiempo, de Harold Ramis, en el que un periodista vive una y otra vez un día en concreto de su vida, muestra claras influencias de este libro. La prematura muerte de Grimwood le impidió sacar a la luz la secuela de Volver a Empezar, que llevaba preparando desde hacía tiempo.

Personalmente celebramos la reedición de este libro, prácticamente desconocido en España, que ve una oportunidad para reivindicarse como ese clásico que siempre fue.

Leer primer capítulo de ‘Volver a Empezar’ (gracias a aullidos.com)

A grandes rasgos se puede definir Dune como una saga dinástica de ciencia ficción producto de un autor excéntrico y brillante, un personaje cuyos intereses abarcaban desde el misticismo oriental a la ecología renovable pasando por la psicología conductista, todo ello agitado en el efervescente cóctel del utopismo psicotrópico de los sesenta. Es algo a tener en cuenta antes de penetrar en el universo de Dune, que roza con el mismo desparpajo lo sublime que lo ridículo. Tan malo es tomárselo demasiado en serio como despreciarlo de plano.

Y es que mal empezamos cuando la trama trata del control por casas nobiliarias interespaciales de un planeta, Arrakis/Dune, en dónde se produce la sustancia más importante para el universo: la especia, una droga que alarga la vida y otorga la precognición. Entre medias hay conspiraciones alambicadas, complicadas religiones y artes marciales, gadgets imposibles y hasta alusiones a corridas de toros. Toda una prueba de fuego cuya recompensa acaba llegando: los muros de la incredulidad se derrumban, lo absurdo toma formas rotundas y el lector se integra en el fantástico sistema de Herbert.

Es un error dejarse distraer por las subtramas aventurescas esperando encontrar en ellas el sentido del libro. Hay un único verdadero protagonista: el planeta Dune. Su sistema ecológico, su vida, sus habitantes, sus ciclos. Herbert fue un visionario con respecto a las teorías ecológicas más modernas de hoy en día. El mundo que crea es uno de los más ricos y complejos que han surgido en la literatura, poderoso en su consistencia. Política, costumbres y fe se entrelazan con redes tróficas, estaciones y ecosistemas. El universo hombre frente al universo mundo, acompasando sus movimientos hasta producir la revelación del sentido de su existencia. No son palabras vacías e infladas: es lo que ocurre en Dune.

Ciertamente es la incapacidad para reproducir este primer planteamiento y desplazar el argumento hacia tramas aventureras lo que conduce al menor interés de los siguientes tomos (excluiría Dios Emperador de Dune, un ensayo brillante y a la vez delirante sobre el poder que comentaremos si queréis). Y para qué hablar de los horrores perpetrados por su hijo Brian Herbert, que continúa ordeñando la saga sin aparentemente haberla entendido muy bien. Pero estas consideraciones no afectan en nada al valor real de la obra Dune de 1966.

El aspecto en el que más flaquea Dune es en cuánto a estilo. Se ha criticado con fruición los altibajos narrativos de Herbert, capaz de los mayores simplismos (los aristócratas, para demostrar altivez, constantemente se envaran), las elipsis más frustrantes (es casi imposible adivinar sobre qué se está conspirando exactamente en cada momento) y otros pasajes de morosidad un tanto barroca. Si, pueden hacer la obra difícil. Pero el Everest tampoco tiene escaleras mecánicas. Y aquí también hay truco.

Atreides, Atridas. Herbert no sólo quiso trascender el espacio sino el tiempo, quiso la universalidad absoluta de su obra. Sus personajes están emparentados (literalmente) con los héroes homéricos. Y es a la épica clásica a lo que su prosa quiere trasladarnos. SI hoy en día abrimos la Ilíada o la Eneida pensaremos con razón que es un coñazo que nos recuerden constantemente quién es hijo de quién y porqué está ahí. Para sus primeros oyentes, sin embargo, estas repeticiones eran el estribillo de una canción en la que no había ninguna prisa por llegar al final. A los lectores del siglo XXI no tiene porqué funcionarnos; pero tampoco es tan difícil intentarlo.

Dune se toma entero o no se toma. Con sus aciertos y sus fallos. El libro tiene algo de viaje espiritual, y estos no vienen sin obstáculos. Si no se está dispuesto a aceptar sus reglas de juego, entonces de verdad que no vale la pena.

¿Has leído este libro? Nos gustaría conocer tu opinión en los comentarios.

Recordando con nostalgia las precarias condiciones en las que empezó a escribir la saga, Rowling dejó claro que desde que ha terminado de escribir el séptimo libro, ha habido momentos puntuales en los que se ha mostrado segura de la posibilidad de continuar, aunque no con el propio Harry Potter de protagonista, sino reanudar el universo mágico de Hogwarts. Ha declarado que ya ha contado todo lo que tenía que contar sobre la historia del joven mago.
De todas maneras, se ha mostrado firme en anunciar que esta decisión no sería materializada hasta dentro de diez años. Mientras tanto, la autora, de 42 años, trabaja en una novela para adultos y en un relato de hadas con tono satírico y de carga política.

Lo cierto es que coincido con la propia novelista en el que el ciclo de Harry Potter ha acabado con el libro que está a punto de llegar (si es que no ha acabado antes), y a menos que la próxima secuela sea de una calidad destacable, un octavo libro no haría sino poner en entredicho su reputación literaria, en lugar de probar éxito con otros géneros y personajes. Un caso parecido fue el de Orson Scott Card, que con el tremendo entusiasmo de crítica y público con su estupenda novela El Juego de Ender, se dedicó a generar una interminable lista de secuelas a cual peor, llevándole al ostracismo, y a un pensamiento de que su éxito fue casual y momentáneo.

Vía | Yahoo

Más Información | DailyMail, Time
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