Papel en Blanco: En los telediarios vemos a veces crímenes tan terribles como los reflejados en MPD Psycho. ¿Compartes la opinión de que a veces la realidad puede superar a la ficción?
Sho-u Tajima: Sí que hay a veces muchas noticias violentas, aunque me gustaría resaltar que cualquier historia así que pueda aparecer en un manga es siempre ficción. Muchas veces se busca la motivación de esta clase de sucesos en los mangas y los videojuegos, y no me gustaría que eso pasara con alguna de mis obras. (En este momento, la intérprete le relató a Tajima la historia de Fritzl, “el monstruo de Amstetten”, pues en japón no había oído hablar del suceso). Ante historias así, no puedo hacer otra cosa que condenarla profundamente, y creo que es un caso que confirma que la realidad puede llegar mucho más lejos que cualquier historia imaginaria.

PeB: También has publicado diversos libros de ilustraciones. ¿Te consideras más un ilustrador o un narrador de historias?
ST: Ante todo me considero un mangaka (dibujante de manga). Cierto es que he realizado diversos libros de ilustraciones y en su momento pensé que quizá podría decantarme por ese campo y por el del diseño. Pero me decidí por el manga porque no sólo se trata de dibujar, sino de ir creando historias y personajes. Es algo que me interesa mucho más.

PeB: ¿Qué te aportó la experiencia de colaborar en la secuencia de anime de Kill Bill? ¿Tienes algún proyecto más relacionado con el cine?
ST: La verdad es que en esa época tuve mucho trabajo, porque tuve que compaginar la labor en Kill Bill con la creación de mi manga. Fue bastante duro, pero el director de animación era un buen profesional y me ayudó mucho, así que creo que el trabajo para esa película fue muy satisfactorio. Ahora mismo estoy centrado en MPD Psycho y no tengo ningún proyecto de esta clase a la vista, aunque me encantaría volver a trabajar en una película.

PeB: ¿Qué mangas actuales nos recomiendas?
ST: Ahora mismo me gustan dos mangas. Uno es Worst, de Hiroshi Takahasi, que está ambientado en un instituto. Quizá no sea tan famoso como por ejemplo Naruto, pero lo recomiendo porque me parece muy interesante y divertido. El otro es Naniwa Tomo Are, de Minami Katsuhisa.

PeB: MPD Psycho aún sigue publicándose en Japón. ¿Hay algún final a la vista o tenemos todavía saga para rato?
ST: El final ya está totalmente decidido, aunque por ahora no puedo decir nada más.

PeB: ¿Quieres añadir algo para todos los otakus que te siguen en España?
ST: Ante todo, muchas gracias a todos por su reconocimiento. Falta poco para que termine la historia, así que espero que sigan al tanto de ella y que la disfruten.

Más información | MPD Psycho
Más información | Glénat
En Papel en Blanco | Expomanga 2008

No se corta a la hora de plasmar sobre el papel cruentos crímenes, a cual más pintoresco, surgidos de su imaginación y de la de Eiji Ôtsuka, dentro de una historia absorbente y original que tiene como protagonista a un detective con personalidad múltiple. Aprovechando su visita a Expomanga 2008, pudimos intercambiar unas palabras con él sobre su obra y sobre manga en general.

Lo que me gusta es buscar temas que puedan interesar y entretener a los lectores.

Papel en Blanco: Es tu primera visita a España. ¿Conocías algo de nuestro país, tanto de su cultura como de su sociedad?
Sho-u Tajima: En realidad, he venido sin tener mucha idea de lo que hay aquí, conozco pocas cosas de España y de su cultura. Tenía una imagen de la gente de aquí como personas con el pelo oscuro, azabache, con rasgos muy marcados… Pero al llegar aquí he visto tanta diversidad que he comprobado que mi idea era totalmente imaginaria.

PeB: ¿Crees que en Japón el manga ha alcanzado la importancia de otras disciplinas artísticas, como la literatura o la pintura?
ST: El manga es muy importante en Japón, pero no lo considero exactamente al mismo nivel que la literatura y el arte, que son algo universal. Aunque no por ello tiene que ser desechado. Lo veo como algo mucho más cercano, que la gente puede comprar y leer, algo que tiene más a mano y que puede conservar en sus casas.

PeB: ¿Llegan a Japón cómics creados en otros países?
ST: Sí que llegan algunas publicaciones occidentales, como los cómics americanos, aunque posiblemente en menor cantidad de la que pueda publicarse en España. Llegan cosas de Batman, Superman, Spawn... pero hay algunas barreras. Por un lado el sentido de la lectura, que en Japón es de derecha a izquierda. También hay una diferencia en la distribución del argumento dentro del cómic, en la forma de narrar, y quizá el modo occidental no concuerde demasiadoo con la forma de entender el cómic que tienen los lectores japoneses.

PeB: Durante tu carrera has ilustrado mangas de diversos géneros, como la fantasía heroica en Madara y la comedia romántica en Brothers. ¿Con cuál te has sentido más a gusto?
ST: No tengo preferencias sobre ningún género en particular. Lo que me gusta es buscar temas que puedan interesar y entretener a los lectores.

PeB: MPD Psycho es un terrorífico thriller psicológico. ¿Qué libros y películas te han inspirado para crear el apartado gráfico del manga?
ST: A grandes rasgos, como me gustan mucho las películas de Hollywood en general, probablemente me hayan inspirado algunas películas de esta temática a la hora de concebir las historias. A parte de eso, la verdad es que no leo mangas ni libros de suspense, así que mi influencia es más bien cinematográfica.

PeB: ¿Cuál es tu método de trabajo con Eiji Ôtsuka? ¿Te da guiones muy detallados o te deja libertad a la hora de componer las historias y las páginas?
ST: Ôtsuka me hace llegar un guión que me sirve como base de texto para trabajar y después yo voy modificando o acortando algunas partes de la historia para formar el resultado definitivo. Así que trabajamos en equipo durante todo el proceso de creación.

PeB: Esta obra fue adaptada para la TV por Takashi Miike. ¿Crees que estas adaptaciones del manga al cine, o incluso a novelas, pueden conseguir una calidad similar a la del original?
ST: No puedo opinar de esta adaptación en particular porque aún no la he visto, ya que quiero esperar a terminar el manga, que aún sigue publicándose en Japón. En cuanto a las adaptaciones al cine y la televisión en general, no me importa, por ejemplo, si se cambia totalmente el original, porque contar una historia en imágenes es algo totalmente diferente a hacerlo a través de palabras o viñetas. Así que si debe cambiar de acuerdo con las exigencias del director que dirija la película, por mi parte no hay ningún problema.

Más información | MPD Psycho
En Papel en Blanco | Expomanga 2008

La peculiaridad de Expomanga es que sus asistentes no sólo buscan bucear entre los diferentes stands para localizar esos ejemplares que les faltan para completar sus colecciones. Por supuesto, todas las editoriales sacaron su artillería y el Salón estuvo repleto de novedades como Karin (Planeta DeAgostini) y Blood+ (Norma). Sin embargo, no fueron la única atracción del evento.

Por una parte estaban las exposiciones, que si bien tenían poco material, eran bastante curiosas. A un lado había una serie de ejemplares de la revista Shonen Jump colgados como si fueran chorizos, una disposición un tanto peculiar, para que cualquiera pudiera hojearlos y conocer un poco más de esta publicación que acaba de cumplir 40 años. También hubo una pequeña muestra de juguetes tradicionales japoneses y de figuras y artilugios relacionados con el mundo de los Samurais.

Por último, se exhibieron una serie de exuberantes figuras femeninas creadas por Monsieur Bome, basadas en personajes de mangas y videojuegos. Unas figuras llenas de curvas y detalles que encendieron los ojos de los más golosos.

A parte de esto, el ambiente del Expomanga fue excelente, lleno de gente que corría de un lado a otro, muchos de ellos envueltos en disfraces a cual más estrambótico. En el Expocómic también es habitual ver a gente disfrazada, pero en esta cita la cifra se multiplica. Personajes extraídos de Digimon, Death Note, Final Fantasy o incluso Warhammer, desfilaron a nuestro alrededor, echando de cuando en cuando un vistazo al bolsillo para ver si les quedaba presupuesto para una nueva compra.

Sobre el escenario también se realizaron diversas actividades, como un Concurso de Posturas Frikis (y en esta, como en cualquier otra disciplina, también hay auténticos profesionales) y un concierto del grupo Trashnight. También hubo una mesa redonda y sesiones de firmas con Sho-u Tajima, dibujante de MPD Psycho, de quien pronto podréis leer una entrevista aquí.

Los organizadores pueden estar satisfechos porque cada año crecen tanto el número de asistentes como la diversión, y el hecho de que ya hayan traído a un autor nipón abre muy buenas expectativas para el futuro. Además, están consiguiendo que cada vez más chicas se acerquen a este mundillo antaño reservado a jóvenes orondos apasionados de los Cheetos y Star Trek.

Sitio oficial | Amigos del cómic

A través de sus viñetas, entramos en su universo personal plagado de mujeres de piernas gruesas y enormes posaderas, de obsesiones e inquietudes vitales y de críticas afiladas hacia el american way of life. Si bien su obra ha soprendido a lectores de varias generaciones, su vida no es menos peculiar. Para conocer un poco mejor la trayectoria de este dibujante nacido en Filadelfia en los años 40, la editorial Global Rhythm Press ha publicado el libro R. Crumb: recuerdos y opiniones.

Peter Poplaski, también pintor y dibujante, recoge en sus más de 400 páginas las conversaciones que mantuvo con el excéntrico autor. En ellas nos cuenta su infancia, sus primeros cómics dibujados a medias con su hermano Charles, sus experiencias con la generación hippy y el LSD (cuyos viajes le proporcionaron inspiración para sus cómics, amén de otras paranoias mentales) y su repentino éxito mediático.

Lo cierto es que quienes hayan visto ya el documental sobre su vida que realizó Terry Zwiggoff en 1994 (director que más tarde adaptaría para la pantalla el Ghost World de Daniel Clowes) no encontrarán muchas novedades en este libro en lo que se refiere a la trayectoria vital de Crumb. De hecho, algunas cuestiones, como la relación con su pintoresca familia, quedan mucho mejor explicadas durante su metraje.

En cualquier caso, el libro recoge suficiente material como para hacer enriquecedora su lectura a pesar de que ya seamos todos unos eruditos en la vida del creador de Mr. Natural y El gato Fritz. Por un lado, recopila un montón de historietas y material gráfico que abarcan desde sus primeros cómics realizados en pequeñas cuartillas junto a su hermano Charles hasta el variopinto merchandising que se ha derivado de su obra, incluida una enorme reproducción de la cabeza del autor creada por Jean-Pierre Mercier para el Salón del Cómic de Angulema.

También podemos encontrar ilustraciones de su etapa en una empresa de tarjetas de felicitación, portadas de discos y cómics underground, numerosas fotografías del autor y sus allegados, y un montón de páginas de historietas seleccionadas entre sus cuarenta años dedicado al oficio profesionalmente.

Por todo ello, considero que lo más interesante de este libro es conocer la trayectoria vital de Crumb a través de su obra. Se han obviado, eso sí, los cómics que realizó junto a Harvey Pekar, publicados bajo el título de American Splendor. Lo cierto es que a Pekar sólo se le nombra de refilón cuando se habla sobre la película que repasa su vida, en la que el actor James Urbaniak interpretaba a Crumb (con un resultado que, por cierto, no le gustó nada al original).

El resto de detalles que alberga esta obra es mejor descubrirlos por uno mismo. Eso sí, como guinda, el libro incluye un CD con grabaciones de diversos grupos con los que Crumb ha tocado el banjo. Entre otros, están The Cheap Suit Serenaders y Les Primitifs du Futur (esta banda la formó a partir de su traslado a su domicilio actual, una casita del sur de Francia). Todos ellos interpretan a su manera antiguos clásicos de la música tradicional americana, otra de las pasiones obsesivas de Crumb.

Para terminar, una de las llamativas afirmaciones que ha hecho este autor durante su carrera.

Cuando paso un tiempo sin dibujar empiezo a volverme loco, me deprimo y tengo impulsos suicidas; claro que a veces cuando dibujo también me entran ganas de suicidarme.

Sitio oficial | Robert Crumb
Más información | Global Rhythm Press

En este post voy a comentar tres cómics que te acompañarán, si les dejas, durante esas inquietantes noches en las que el viento sopla, colérico, frente a tu ventana.

La guarida del horror, de Richard Corben y Rich Margopoulos

Aunque ya hablamos de esta obra en otra ocasión, vale la pena recordar este volumen que adapta varios relatos y poemas del padrino del terror, Edgar Allan Poe. No se trata de una simple transformación de las palabras en viñetas, ya que las diez historias cortas que componen este volumen toman efectivamente textos de Poe como inspiración, pero dándoles un nuevo enfoque. Por ejemplo, el protagonista de Eulalia, basado en un poema del autor norteamericano, espera la llegada de un paquete con una “mujer” bastante peculiar que pueda poner fin a su dolorosa soledad. Y en La durmiente, los muertos reviven con los dientes afilados para causar estragos entre los vivos.

Entre otros, también podemos encontrar adaptados los textos de Berenice, El lago y el celebérrimo poema El cuervo, pájaro de mal agüero que ocupa la portada del cómic. Algunos de ellos son fieles al texto original, como en el caso de El corazón delator. El libro se completa con los textos íntegros y originales de Poe, lo cual hace aún más atractivo el resultado final.

Las ilustraciones de Corben son una muestra de la maestría de este hombre con el lápiz y con el pincel. Lo más destacable es su excelente uso de los grises y las muecas y expresiones con que enriquece los rostros de sus personajes. Por último, las historias las presenta un narrador de ultratumba, un personaje a medio camino entre lo grotesco y lo humorístico que es una clara herencia del tío Creepy de la revista homónima, en la que Corben también publicó.

La fábrica de pesadillas – Varios autores

Si el anterior volumen adaptaba historias del principal referente literario del género, esta obra se basa en los textos de Thomas Ligotti, autor mucho menos conocido pero capaz de proveer a sus lectores de grandes dosis de terror. El miedo que transmiten sus historias también es muy psicológico, a la manera de Poe, aunque también coquetea con inquietantes mundos oníricos y monstruos arcanos, como hacía Lovecraft.

El volumen se divide en cuatro historias, la mitad guionizadas por Stuart Moore y la otra por Joe Harris. El primero de ellos hace unas adaptaciones más literarias, con abundantes textos de apoyo que, como ocurre en el cine con las voces en off, no son recursos que deban explotarse demasiado en el cómic. De sus dos historias, me quedo con El sueño de un maniquí, ilustrado por Ben Templesmith, dibujante de 30 días de noche.

De las historias adaptadas por Harris, la más interesante es El manicomio del Dr. Locrian, que narra la demolición de una vieja institución mental y lo fina que es la línea que separa la lucidez de la locura. El dibujo de Ted McKeever recrea la historia con trazos dinámicos y un inquietante uso del color. Como dice el propio Ligotti en la introducción a este relato:

Una mente rota es con frecuencia la vía hacia un mundo insospechado por aquellos de una inocente normalidad.

El baile del vampiro, de Sergio Bleda

En 1997, la ya extinta línea Laberinto de Planeta DeAgostini (dedicada a cómics producidos por autores españoles) publicó una serie limitada de cuatro números llamada El baile del vampiro. Su autor, un Sergio Bleda que apenas superaba la veintena, ofreció una historia fiel al espíritu del género de vampiros contada con frecura y con unos dibujos de gran calidad, sobre todo por el dinamismo de los personajes y el uso de los grises.

Una década después, la editorial Aleta publicó una edición especial conmemorando ese décimo aniversario en el que se incluían los cuatro números originales, el especial Inés 1994 (en donde se cuenta el origen vampírico de la protagonista) y una historia corta, también de vampiros, que homenajea al creador de Los Pitufos. En ella Bleda demuestra que no sólo sabe manejarse con el blanco y negro. Tres páginas muy originales que cuentan con el guión de Alberto López Aroca, de quien se incluye también un relato en este volumen.

La historia de El baile del vampiro está llena de terror, violencia, persecuciones y referencias a cómics y canciones. Todo ello en el marco de las calles de Barcelona, retratadas con fidelidad en las viñetas, así como los diversos personajes y tribus urbanas que las transitan. Una obra recomendable que demuestra que en nuestro país se pueden producir muy buenos cómics, siempre que se le dé una oportunidad a sus creadores.

Más información | Thomas Ligotti
Más información | Sergio Bleda
En Papel en Blanco | Edgar Allan Poe

El manga cuenta el enfrentamiento entre un despiadado psicópata y un detective con trastorno de personalidad múltiple, aderezado con toques propios del thriller más terrorífico. Este dibujante nipón también ha publicado otras obras, aún inéditas en nuestro país, como Brothers y Madara.

El autor firmará ejemplares de sus obras durante los tres días que durará el salón, y además el sábado habrá una mesa redonda en la que sus lectores podrán compartir unos minutos con él. Sin duda, es una grandísima noticia que por fin empiecen a traer autores del país del sol naciente a estos eventos. Abre expectativas muy interesantes para el futuro.

Junto a la visita de Tajima, Expomanga contará con muchas otras actividades que interesarán a todos los amantes del manga y de la cultura japonesa en general. Entre las exposiciones, destacan las dedicadas a los juguetes tradicionales de Japón, el mundo de los Samurais y el 40º aniversario de la revista Shonen Jump, emblemática revista nipona en la que nacieron algunos mangas famosísimos como Dragon Ball, y de la que se expondrán algunos ejemplares para uso y disfrute de los visitantes (especialmente de aquellos que entiendan el japonés).

Además, se celebrará un karaoke, talleres de dibujo y juegos de mesa japoneses (Go y Mah-Jong) e incluso un concurso de monólogos frikis organizado por la asociación de Otakus Ripenses.

La historia comienza como en Resident Evil o 28 días después, con una enfermedad que se extiende por todo el mundo creando hordas de zombis hambrientos de materia gris. El protagonista se llama Takashi Konura y es el típico estudiante medio de un instituto japonés, en este caso el Shinjuku. Junto a sus compañeros, tratará de acabar con los zombis usando cualquier artilugio contundente que caiga en sus manos mientras averigua el origen de la epidemia.

La serie lleva publicándose en Japón desde septiembre de 2006 y aquí se editará en tomos de 168 páginas cada uno. Por lo visto, aún no tiene adaptación al anime, pero seguro que no tardará en llegar.

Así pues, esta obra nos asegura grandes dosis de plasma, salvajismo estudiantil y también, por lo que he podido ver por la red, inmensas tallas de sujetadores. Lo que espero es que, con la cantidad de cómics y películas que se han hecho ya con los zombis como protagonistas, este manga aporte suficientes novedades para refrescar un género que empieza a estar tan manido como el de los vampiros.

En cuanto me sea posible, publicaré un nuevo post con una reseña más detallada del primer tomo de esta serie. Mientras tanto, abrid boca con unas palabras de su creador, Daisuke Sato, que en cierto modo pueden considerarse el leitmotiv de esta obra:

Aunque el mundo acabe algún día lleno de zombis, nunca en la vida pienso olvidarme de las tetas, los culos y los muslos… Esta obra ha sido creada para todos aquellos que pensáis igual que yo.

Más información | Glénat

El último Salón del Cómic de Barcelona tuvo por invitado a uno de los artistas del cómic europeos más relevantes del siglo XX, el italiano Milo Manara, y se conmemoró una de sus obras que no está entre las más populares pero por la que indudablemente merece mayor reconocimiento artístico. Se trata del Viaje a Tulum, basada en un relato original del director de cine Federico Fellini, una declaración poética hecha a cuatro manos por dos grandes creadores cuyo sentido es tan misterioso como fascinantes sus imágenes.

Lo que rodea a la gestación del Viaje a Tulum es igualmente nebuloso. Hay historias sobre una película que Fellini nunca pudo hacer, sobre un viaje que realizó pero nunca llegó a filmar, sobre un relato que publicó y sobre el que Manara, absolutamente hechizado, le rogó que hicieran un cómic. De esa conjunción entramos en un mundo en el que no se distingue donde acaba Fellini y empieza Manara, si no es acaso Manara habitando las fantasmagorías y el imaginario de Fellini, ese que le ha valido su puesto en el Olimpo del cine.

No hay un argumento propiamente dicho. Hay un reflexión parte Fellini, parte Manara sobre el mundo, la creación, el sueño, el eros, la fantasía y la realidad. En un momento dado Fellini parece tomar el control y empezar a rodar una película, la del Viaje a Tulum, que trata precisamente de cineastas y autores de cómic tratando de rodar el viaje a Tulum. Sin embargo la historia escapa de las manos del director y sus personajes transformándose en fantasía desbordada, puro impulso poético que describe el germen de la ficción, simbolizado por un avión alzando el vuelo desde las profundidades de un estanque.

Parte de la belleza del Viaje a Tulum radica en la declaración de amor que le hace Manara al cine, especialmente como hemos dicho al de Fellini. Todo en ella es cinematográfico, como una realización de la película que nunca se llegará a hacer. En sus viñetas se asoman obras maestras como La dolce vita o Amarcord en unos platós abandonados de los estudios Cinecittá animados por imágenes vivientes. Rizando el rizo, el Fellini de Manara se encarna una vez más en su alter ego cinematográfico favorito, el actor Marcello Mastroianni, enviado por ambos creadores a encarnar su ficción – pero quién desarrolla una propia y sólida entidad, más allá de los hilos de los que tiran sus titiriteros.

Tratándose de dos de los mayores erotómanos de nuestra época, la sexualidad y sus mitos tienen una importancia capital en este Viaje a Tulum. Sin embargo Manara y Fellini se muestran sorprendentemente recatados a este respecto, hasta el punto de que el sexo en sí está tratado de manera superficial y llegando a ser (¡Es el el colmo!) interruptus. Subyace aquí la fascinación por el eros femenino que detentan ambos. El viaje mágico y etéreo a Tulum es una aventura masculina. El cometido de la mujer, mujer-mundo que abarca el cosmos entre sus caderas, es el de retener la imaginación a ras de suelo. Como expresan varias viñetas de gran belleza, para Fellini y Manara no hay historia hasta que surge la mujer.

El Viaje a Tulum no tiene un sentido cerrado. Es, como hemos dicho, la historia de un viaje asimismo interruptus, lo que equivale a decir un viaje eterno, cíclicamente repetido en un movimiento perpetuo de creación y disolución. Es también una obra maestra de la poesía en imágenes. Cada viñeta está llena de secretos y sugestiones. Una obra que entusiasma a los mitómanos de estos autores italianos, pero a la que todos están invitados a acercarse con la mente libre de prejuicios.

Aunque hace tan sólo tres o cuatro años el Expomanga era una cita más bien minoritaria, como cuando se celebró en un pequeño local en la estación de Chamartín, ahora no hay fan de la cultura japonesa que quiera perdérselo.

Este año, los organizadores han confirmado que el Expomanga se celebrará entre los días 9 y 11 de mayo. El lugar escogido sigue siendo el mismo, pero esta vez han ampliado el espacio a 8000m2. Así pues, tendremos más stands entre los que rebuscar, más proyecciones y actividades que se han hecho tan populares como el karaoke.

Aunque aún no se ha confirmado el precio, lo más probable es que se mantengan los 3 euros de las pasadas ediciones. Además, con la entrada seguiremos llevándonos un manga de regalo. El horario tampoco varía, así que las puertas estarán abiertas desde las 10 de la mañana hasta las 9 de la noche.

A medida que se vayan confirmando, iremos dando cuenta en el blog de las actividades, las proyecciones y demás datos de interés referidos a la cita de este año. Mientras tanto id ahorrando, que las citas como esta acostumbran a vaciarnos el bolsillo.

Vía | La cárcel de papel

Su creador, Ajinbayo Akinsiku (que firma con el seudónimo de Siku), es un dibujante que pasó su infancia a medio camino entre Londres y Nigeria. Aunque muchos puedan pensar lo contrario, sus rasgos no delatan ninguna ascendencia nipona. Ello no le impide ser amante y conocedor de las artes marciales y de esa peculiar forma de hacer cómics que tienen en el país del Sol Naciente. Además de esta faceta, que lo ha llevado a trabajar para publicaciones como Judge Dredd Magazine o Sinister Dexter, ha cursado estudios en la Escuela de Teología de Londres.

Siku presenta al hijo de Dios como “un samurai desconocido que ha llegado a la ciudad”. Podremos encontrar nuevas versiones de episodios tan conocidos como el del arca de Noé, la crucifixión y el retiro en el desierto. Precisamente allí, nos muestra a un Jesús oscuro, imponente, una visión alejada de los tópicos de libro escolar de Religión a los que estamos acostumbrados.

El autor no busca en ningún momento ser irrespetuoso, sino una rápida comprensión de la Biblia destinada a los lectores más jóvenes, que sin duda se verán atraídos por las novedades en el formato y la estética. Y algo debe de tener, porque ya lleva más de 30.000 ejemplares vendidos en el Reino Unido.

¿Y qué opinan las autoridades eclesiásticas de todo esto? Con obras como El código Da Vinci no tardaron en rasgarse las vestiduras, pero en esta ocasión la cosa pinta diferente. Valga como ejemplo lo que el arzobispo de Canterbury dijo sobre esta obra:

Es un proyecto emocionante que cuenta con un discurso moderno y un estilo innovador. Transmite el impacto y la frescura de la Biblia de una forma excepcional.

Sitio oficial | The Manga Bible

Las propias editoriales también se toman muy en serio esta cita, así que publican ediciones especialmente pensadas para ser regaladas entre los lectores. Y no se trata de residuos de sus stocks, sino tebeos recientes y de calidad (por ejemplo, este año regalarán el primer número de All Star Superman). Entre otros, este año habrá cómics de Archie, Hellboy, Tales from the Crypt, los Simpson o X-Men. El número de ejemplares que regalan en cada tienda varía según la política de cada una y el número de asistentes . Pero quienes se echen la mochila al hombro y se recorran su Estado volverán a casa seguro con una bonita colección.

La finalidad de la promoción no es sólo que unos cuantos frikis puedan llenar sus estanterías sin vaciarse los bolsillos. Se busca fomentar la lectura entre aquellas personas ajenas al cómic y celebrar un encuentro al que pueda acudir toda la familia para pasar un día divertido, con disfraces, mesas redondas y otras actividades por el estilo.

Sería estupendo que este día empezara a celebrarse también en España. Aunque según la base de datos de la web oficial, hay dos librerías que sí participan en el evento: Gigamesh, en Barcelona, y la valenciana Gotham Cómics. Si alguien es de por allí, puede acercarse para confirmarlo.

Cierto es que esta industria aún no tiene mucha fuerza en nuestro país como para hacer virguerías, pero creo que esta iniciativa ayudaría a promocionarla. Lo importante es conseguir una selección de cómics que abarque diferentes géneros que puedan interesar a cualquier clase de lector: jóvenes, adultos y también chicas, que por ahora se han apuntado a la fiebre del manga pero pocas veces salen de ella. Mientras tanto, ¿quién se apunta a un viajecito de fin de semana a través del charco?

Sitio oficial: Free Comic Book Day

La oferta del Salón nos pone los dientes largos a todos los que no vivimos en BCN. Entre otros autores, los asistentes al evento podrán encontrarse con Milo Manara (maestro del cómic erótico y un genio de la figura femenina), Melinda Gebbie (esposa de Alan Moore, con quien ha realizado Las chicas perdidas) y Moebius (toda una institución, con obras tan importantes como Blueberry o El garaje hermético). Y esto sólo desde Europa.

Del otro lado del charco llegan Adam Hughes (espléndido dibujante dentro del género de superhéroes), Peter Bagge (que devolvió con Odio la chispa y la mordacidad al cómic underground), Terry Moore (creador de la peculiar obra indie Strangers in Paradise), Tim Sale (dibujante que ha renovado junto a Jeph Loeb personajes tan conocidos como Batman o Spiderman) y Quino (creador de la celebérrima Mafalda).

La programación se completa con una serie de exposiciones dedicadas a Miguelanxo Prado, la relación artística entre Manara y el cineasta Fellini, Max y su obra Bardín el Superrealista y el 50º aniversario de Mortadelo y Filemón. Por supuesto, también habrá un buen puñado de stands cargados de tebeos entre los que podréis escarbar durante horas, así como encontrar las jugosas novedades que las editoriales reservan para esta clase de encuentros.

El resto de los mortales tendremos que esperar a que arranquen los Salones en nuestras respectivas ciudades. Por ahora, están en el punto de mira las Jornadas de Avilés y el Salón del Manga de Madrid. Eso sí, Barcelona ha dejado como siempre el listón muy alto.

Sitio oficial | Ficomic

En algún momento de nuestra infancia, todos hemos viajado por el país de Nunca Jamás, el de las Maravillas y el de Oz, de la mano de Wendy, Alicia y Dorothy respectivamente. Gracias a Las chicas perdidas, el nuevo cómic de Moore, estas jovencitas nos conducirán a un viaje aún más excitante: el de la sexualidad. En palabras de Chris Staros, editor de Top Shelf (bajo cuyo sello se publica esta obra), la intención de Moore es “reinventar la pornografía como algo literario, inteligente, exquisito y humano”.

La obra contará con las ilustraciones de Melinda Gebbie, la mujer de Alan. Como siempre, el autor ha buscado un estilo gráfico diferente al que predomina en el panorama internacional. Sin embargo, por lo que he visto hasta ahora, es un estilo que queda muy bien en ilustraciones independientes pero que pierde fuelle a la hora de componer una página de cómic. Tampoco faltarán las referencias literarias y pictóricas que ya hemos podido encontrar en otras obras suyas.

Norma será la encargada de editar el cómic en España. En Inglaterra, país de origen de este guionista, la obra ya va por su tercera edición. Allí se ha editado en tres volúmenes con una presentación mimada hasta el último detalle que, eso sí, hace un poco de daño al bolsillo. Veremos qué tal acogida tiene en nuestro país aunque, por esta vez, los lectores que no tengan la mayoría de edad tendrán que quedarse al margen.

Vía | El País
Sitio oficial | Alan Moore Fan Site
En Papel en Blanco | Alan Moore

Cada página de Blankets es un esmerado mosaico en blanco y negro que parece cobrar vida durante la lectura. Con un dibujo claro y efectivo, sin necesidad de grandes artificios, Thompson nos invita a conocer los lugares de su infancia y juventud y a hablar con las personas a las que conoció. La soltura de su pincel nos muestra tanto el mundo imaginario que comparte con su hermano, como esa especie de Nirvana que alcanza junto a Raina. Todo ello aderezado con un uso magistral de los silencios, las repeticiones, las splash-pages, los planos y la estructuración de las viñetas en cada página.

Leer Blankets supone adentrarse en una epopeya, dividida en nueve partes, sobre el proceso de hacerse mayor. Te engancha porque mantiene un ritmo ágil y nos presenta a unos personajes muy definidos, creíbles y cautivadores. Muchos de ellos podemos reconocerlos en nuestra vida cotidiana. Al resto, una vez leída la obra, los evocamos como viejos conocidos.

Por otro lado, esta novela gráfica también puede consierarse como una especie de retrato generacional. Algo que ya han probado otros autores como Peter Bagge, que ofrece en su Odio una visión tremendamente ácida y esperpéntica de la vida de un joven en los años 90. Y en la literatura es una práctica aún más habitual. Pensemos por ejemplo en J.D. Salinger y su El guardián entre el centeno, o en la cruda Menos que cero, de Bret Easton Ellis. En Blankets se tratan cuestiones como la fe religiosa, que determina actos y pensamientos; las relaciones familiares, el colegio o el resentimiento contra el resto del mundo. Emociones de todo tipo, enormemente vívidas, que impregnan cada página del cómic.

Esta obra es uno de esos ejemplos que desmienten rotundamente que el cómic sea un entretenimiento para niños. Entre otros que destacan por su calidad gráfica y narrativa vale la pena citar el universo onírico creado por Neil Gaiman en Sandman; From Hell, de Alan Moore, que bien podría ser una novela decimonónica basada en las fechorías de Jack el Destripador; y cualquiera de las novelas gráficas de Will Eisner, entre las que destaca Contrato con Dios. Una pequeña muestra de las grandes obras que nos ofrece el noveno arte.

Sitio oficial | Craig Thompson

Hace unos 50 años empezaron a ponerse de moda las ediciones de libros clásicos en un formato que combinada el texto original con viñetas ilustradas. De su mano muchos niños y jóvenes empezaron a fascinarse por las historias y la lectura.

Editorial Bruguera fue una de las editoriales más importantes con proyectos de este tipo, y publicó una colección que se llamaba Historias Selección. Hoy Zeta Bolsillo y Ediciones B han decidido reeditarla en volúmenes que tienen un precio de 10 euros, es decir que están al alcance de muchas personas.

Ya se consiguen en los quioscos los primeros seis títulos de la colección: Moby Dick (Herman Mellville), Un viaje a la Luna (Julio Verne) , La isla del Tesoro (Robert Louis Stevenson), Ben Hur (Fenimor Moore), Sandokan (Emilio Salgari) y Las Mil y Una noches (Anónimo).

Entre los planes de reedición se encuentra también la de rescatar algunos de los títulos de Joyas Literarias, otra colección en la que verán la luz los tomos de las recopilaciones de Edmundo Salgari y de Julio Verne.

Marta Rossich, editora de Zeta Bolsillo, se encuentra muy entusiasmada con esta oportunidad, sin embargo, se muestra cautelosa y espera la reacción del público para pensar firmemente en una continuidad.

Ojalá no se quede en una iniciativa para nostálgicos.

Vía | Yahoo! Noticias
Más información | La cárcel de papel

Crearon a uno de los iconos más representativos del siglo XX, la figura que más seres humanos reconocen en el mundo – como reveló un estudio estadístico -sólo por detrás de Jesucristo, y en algún caso confundido con él. Dieron lugar a una de las marcas más extendidas y rentables, capaz de codearse con la Coca-Cola y McDonalds. Pero se les negó la paternidad de su obra y murieron prácticamente en la miseria. Un tribunal ha zanjado finalmente una de las mayores vergüenzas del mundo del cómic reconociendo los derechos de Jerry Siegel y Joe Shuster sobre Superman. Lástima que ya no estén aquí para verlo.

Siegel y Shuster crearon a Superman en 1938, en aquél Manhattan bullicioso previo a la Segunda Guerra Mundial que albergó la Edad Dorada de la historieta. Las revistillas de cómics eran por entonces un fenómeno de masas y docenas de jóvenes autores, la mayoría sin preparación artística, muchos de ellos de origen judío y refugiados de la turbulenta Europa, competían entre duras condiciones y sueldos de miseria por crear los personajes más fantásticos y las aventuras que les llevarían al éxito. Una magnífica reconstrucción de ese mundo la encontramos en Las asombrosas aventuras de Kavalier & Clay de Michael Chabon, inspirada en gran medida en la triste historia de Siegel y Shuster.

Al tratarse de debutantes, Siegel y Shuster vendieron la primera historieta de Superman a la revista Action Comics según el trato habitual, cediendo todos los derechos a la editorial. El nuevo héroe, con su flamante uniforme y capa al viento y sus formidables poderes (aunque por aquél entonces no volaba, daba unos súper-saltos un tanto ridículos), triunfó inmediatamente y se convirtió en el buque insignia de Action Comics, posteriormente Detective Comics y finalmente la poderosa DC, alma máter de otros como Batman, Flash, Wonder Woman… Pero Siegel y Shuster no entraron en sus planes.

Al contrario, el reconocimiento de que Superman fue creado por Siegel y Shuster es bastante reciente. Aunque los autores demandaron repetidamente a la editorial, DC salió siempre vencedora esgrimiendo el contrato leonino que se firmó en un primer momento. Una lección interesante, todo sea dicho, para los que aseguran que ahora los derechos de autor están peor que nunca. El caso es que los dos autores no obtuvieron más que migajas testimoniales hasta que Time Warner, propietaria a la sazón de DC, cedió al clamor indignado del mundo del cómic y les concedió una pensión vitalicia de 20.000 dólares anuales. Hay que pensar que por entonces ya se había estrenado la primera película de Superman y la franquicia facturaba millones…

Ahora la tortilla acaba de darse la vuelta de golpe. Un tribunal ha decretado que los herederos de Siegel (Shuster murió sin descendencia) poseen el 50% del personaje y tienen derecho al mismo porcentaje de los beneficios que produzca la franquicia. Más interesante (para los demás, no para ellos evidentemente) es que Warner Bros – DC deberá consultar con ellos los productos que quiera realizar con Superman. Además, en 2013 los herederos de Shuster podrán dar por terminada la licencia de Superman en DC, transformando para siempre los cómics tal y cómo lo conocemos.

Es un buen momento para invitaros a buscar ese primer número de Action Comics, ese legendario debut del héroe más grande de los tebeos (no me pongáis remilgos que está ahí, dónde todos sabéis). Es interesante ver qué clase de Superman era el que habían concebido Siegel y Shuster. Seguro, parece bastante tonto dando brincos por ahí, y la ciencia-ficción de la época suena hoy un tanto casposa. Pero no encontraremos supervillanos ni batallas espaciales. Lo que hace Superman es proteger a una mujer que está siendo maltratada por su marido, probar que un condenado a muerte ha sido encarcelado erróneamente y desemascarar a un senador corrupto. Sí: antes de que le hicieran abofetearse con genios del mal y alienígenas interdimensionales, Superman fue un héroe social. Uno que hubiera sonreído con un poso de amargura por esta victoria a destiempo.

Vía | El País

Gankutsuō, tal es su nombre en japonés, si bien respeta la base de la obra original de Dumas, incorpora una serie de elementos futuristas que la diferencian del promedio de las recreaciones de este tipo.

Realizada por Mahiro Maeda, Gankutsuō se ubica temporalmente en el año 5035 y sus anécdotas, que no siguen ya el orden cronológico y que se centran en personajes distintos que el original, ocurren en la luna y se incorporan elementos sobrenaturales.

Resulta interesante el interés de los japoneses por algunas de las obras clásicas de la literatura europea del s.XIX y sobre todo su adptación, no solamente al formato anime y/o manga sino también la recreación formal y literaria que hace de ésta probablemente una versión libre más que una recreación.

Vía | Literatúrame
Más información | W.A.M.P.I.
Sitio oficial | Montecristodvd.com

Y es que la comparación con los cómics de superhéroes no es gratuita. Se ha hecho tanto sobre el mismo tema que lo difícil es encontrar algo que añadir. Y que alguien sea capaz de construir algo genuinamente innovador, personal y con gancho sin despreciar uno sólo de esos clichés es un trabajo de genio. La serie 100 Balas del guionista Brian Azzarello y el dibujante Eduardo Riso es, en ese sentido, una auténtica genialidad. Podría llamarlo un soplo de aire fresco en un ambiente cargado, pero no le haría justicia. Es más bien una bofetada que te espabila y te inyecta adrenalina en el cuerpo.

Conozcamos al agente Graves. Seco, veterano, curtido, siempre vestido con un traje inmaculado. Y siempre con un maletín de la mano. En ese maletín hay una pistola, cien balas irrastreables y pruebas irrefutables contra una persona que ha arruinado tu vida. Graves viaja a lo largo y ancho de los Estados Unidos ofreciendo a los marginados y los perdedores una oportunidad de venganza sin condiciones ni consecuencias. Aparentemente. Porque poco a poco empiezan a aflorar las relaciones cruzadas entre los elegidos por Graves, a descubrirse los giros tortuosos que toman sus manipulaciones y a desvelarse detras de él la sombra de una intrincada conspiración del tamaño de un país.

Hay mucho que decir de la capacidad de Azzarello para mantener un argumento que fácilmente podría haberse agotado en pocos números. Quién es Graves y qué significa cuánto le rodea es algo que quizás desvele el autor en el número 100, al que según él llegará algún día. Mientras tanto, lo que empiezan siendo historias independientes con el único punto en común de la intervención demiúrgica de Graves van encajando poco a poco como un rompecabezas que toma forma. De este modo Azzarello mantiene equilibrada la tensión entre la frustración del lector al quedarse con preguntas sin contestar y su deseo de seguir leyendo.

En cuánto a la narración, es de lo mejor que se le puede pedir a una narración de intriga. Todas las situaciones son originales, soprendentes, y guardan un giro en la manga. Todas las conversaciones tienen un doble sentido, todos los personajes escupen sentencias lapidarias como martillazos. Las mujeres son atrevidas, peligrosas y descaradamente sexys; los hombres son duros, cínicos, y tienen el corazón roto. Todas las pistolas acaban disparándose y las navajas empapándose de sangre. Y nada de esto es sólo fachada, todo bulle de autenticidad. Cuando hablan los pandilleros la jerga callejera no suena prefabricada; cuando la acción transcurre en París, hasta el francés que se habla es perfecto.

El dibujo de Eduardo Risso, de trazo bastante simple, le da un punto caricatura a los personajes que no está ni mucho menos fuera de lugar. El mundo de 100 Balas es uno de extremos absolutos, en el que pasamos del lujo más decadente a la sordidez barriobajera. Entre medias hay unos escasos espacios para la moderación, para la vida cotidiana. Suele ser entonces cuando aparece Graves para darle la vuelta por completo a todo y sacar los esqueletos del armario.

Se le puede critircar a 100 Balas el ser una serie extremadamente digresiva. Las viñetas se llenan constantemente de historias paralelas que no tienen relación con el argumento principal. Sin embargo esta es, para mi, una de las virtudes de la serie. No se esfuerce por ver la imagen de conjunto – dice en un momento Graves – la respuesta está aquí mismo en los detalles. 100 Balas es un gran historia de muchas pequeñas vidas, que se cifran y se definen en un sólo y brutal instante. Un cómic-mosaico que es, al mismo tiempo, una intriga rematadamente buena.

Más Información | 100 Balas en la Guía del cómic

Superlópez conserva tantas analogías con el superhéroe de la capa roja que es imposible mencionarle sin hacer referencia a su homólogo estadounidense. A pesar de que esto podría parecer un handicap, Superlópez es uno de las más brillantes y divertidas series de cómics que se han publicado jamás en nuestro país, y rendirle homenaje es lo menos que se me ocurre hacer. Sus aventuras formaron parte de mi infancia de una manera muy representativa. Sus tramas, tan “serias” como delirantes, y la propia evolución del personaje constituían una alternativa inteligente a Mortadelo y Filemón.

Superlópez es, como he dicho, un Superman venido a menos. Venido del planeta Tchitón e instalado en España, concretamente en Cataluña, pronto se percata de sus extraordinarias habilidades (visión láser, supervelocidad, capacidad de volar, gran fuerza…), y decide salvar al mundo dentro de sus posiblidades, mientras hace vida diaria con el nombre de Juan López, trabajando como contable.

Vaya por delante que, desde su nacimiento en 1980, han existido irregularidades en cuanto a la evolución del protagonista y de la calidad de sus aventuras, pero sólo por las historias publicadas en la década de los 80, Superlópez merece mucho la pena.

Los primeros 12 volúmenes son sencillamente redondos. Entre ellos se encuentran los referentes al Supergrupo, una pandilla de singulares héroes que se alían para salvar al mundo al estilo Marvel; Los Cabecicubos, una alegoría de la Transición Española que parece ideada por David Lynch; Los Alienígenas, desternillante thriller sobre una chapucera invasión extraterrestre; La Semana Más Larga, brillante en cuanto a estructura y manejo de situaciones; o El Señor de los Chupetes, parodia de la saga El Señor de los Anillos, provista de una hilarante osadía.

A partir de El Asombro del Robot (1990) el bajón es evidente, pero igualmente existen volúmenes muy estimables. Sin embargo, creo personalmente que el genio de Jan (pseudónimo-apodo del autor) se terminó en El Infierno (1996), una revisitación dantesca del averno. Desde entonces, sólo me ha resultado curioso que en los últimos, Superlópez luzca canas en las patillas, como representación de su madurez.

Hay muchos detalles que pueden hacer las delicias del lector inteligente. Vemos cómo Juan López esconde su identidad secreta a toda costa, aunque para algunos seres sea muy fácil desvelarla, como se puede ver en Los Alienígenas o La Caja de Pandora. Imposible no acordarse de Clark Kent. Luisa Lanas es el contrapunto a Juan López/Superlópez (nótese que es la traducción literal de Lois Lane). Es una compañera de trabajo con la que mantiene una peculiar tensión sexual, que está enamorada del aburrido Juan López, y sin embargo rechaza a Superlópez por considerarle una medianía (cuanto menos curioso que sea lo inverso). También tenemos al jefe (de nombre indefinido), que como Perry White, establece disciplina y minimiza los logros de Superlópez. Por último, Jaime González, el fotógrafo, el Jimmy Olsen español, claro antagonista en los primeros cómics, y luego amigo personal de Juan López.

Superlópez tiene mucho de caricaturesco, se atreve a reírse de los entresijos del cine, a mostrar el lado divertido de la mitología clásica, la obra de J. R. R. Tolkien, Cecil B. de Mille, Julio Verne, critica la televisión, Internet, las sectas, la estructura de Mónaco, el rock comercial, las drogas… nada parece gratuito en sus historias y las viñetas se suceden con un humor único y característico. Muchos volúmenes, sobretodo los últimos, son prescindibles, pero los 12 primeros hay que leerlos. Y tienen que leerlos YA.

Página de Superlópez | Cachis la Mar

A pesar de su interesante planteamiento, El Salón ha gozado de una publicidad no deseada. Y es que se trata de un cómic explícito en cuanto a la sexualidad desenfrenada y a la vida disipada de estos círculos. “No escandalizará a nadie en España” afirma el editor de Astiberri Laureano Domínguez, ya que la cosa no pasa de unos desnudos y de unas escenas con láudano y absenta.

Evidentemente no es un cómic infantil, pero tampoco pornografía, incitación al vicio, o cualquier otra cosa que sea legítimo perseguir en nombre de la moral (podríamos preguntarnos si hay algo que lo sea, pero eso es materia para otro post). Desgraciadamente en algunos lugares no tienen muy claras estas fronteras, y un librero de Georgia fue llevado a juicio acusado de “distribución de material indecente” porque un niño de nueve años había comprado el cómic en su tienda.

Es una lástima, porque la – ridícula – polémica enmascara el verdadero proyecto de Bertozzi, el de homenajear al cubismo partiendo de una idea: Picasso dijo que una de las cosas que echaba de menos era no haber hecho cómic, según Domínguez. Así, la obra busca una relación formal con el arte de vanguardia mediante una estructura férrea, con cuatro viñetas por página y dos colores en cada dibujo sobre negro. Mientras, en el texto, las elucubraciones de los protagonistas van sentando los cimientos conceptuales de la pintura cubista.

No es una obra infantil. Pero, sinceramente, quizás fuera le hubiera aprovechado mucho al pequeño comprador si hubiera sido capaz de entenderla. A sus horrorizados padres también, pero es una lástima que todavía haya personas en el mundo incapaces de ver más allá de un pene.

Vía | Yahoo! Noticias