Parra es uno de los autores más importantes de la literatura chilena y es considerado el creador de la antipoesía, género que emplea elementos del lenguaje común y los modifica al extremo del absurdo, para así atraer la atención del lector.

La exposición de la BNE hace un recorrido panorámico por su obra, mostrando sus escritos más emblemáticos y rescatando piezas fundamentales que identifican las distintas etapas de su vida profesional, como una selección de los Quebrantahuesos, las Tablitas de Isla Negra, las Bandejitas de la Reina, trabajos prácticos, primeras ediciones de sus libros, varias obras inéditas, y diversos artefactos.

Si estáis en Madrid, no os la perdáis. Estará abierta del 29 de mayo al 1 de septiembre.

Vía | BNE
En Papel en Blanco | Nicanor Parra gana el Premio Cervantes 2011

Parra es uno de los autores más importantes de la literatura chilena y es considerado el creador de la antipoesía, género que emplea elementos del lenguaje común y los modifica al extremo del absurdo, para así atraer la atención del lector.

La exposición de la BNE hace un recorrido panorámico por su obra, mostrando sus escritos más emblemáticos y rescatando piezas fundamentales que identifican las distintas etapas de su vida profesional, como una selección de los Quebrantahuesos, las Tablitas de Isla Negra, las Bandejitas de la Reina, trabajos prácticos, primeras ediciones de sus libros, varias obras inéditas, y diversos artefactos.

Si estáis en Madrid, no os la perdáis. Estará abierta del 29 de mayo al 1 de septiembre.

Vía | BNE
En Papel en Blanco | Nicanor Parra gana el Premio Cervantes 2011

En 1929, Lorca tenía 31 años, nunca había salido de España y se disponía a visitar la que por entonces ya despuntaba como capital del mundo contemporáneo occidental: Nueva York. El poeta pasaría cerca de nueve meses allí, antes de embarcar hacia Cuba y luego volver a España. Lo que allí vio y experimentó le marcó de forma tan notable que fue la inspiración para una de sus obras maestras más recordadas: ‘Poeta en Nueva York‘.

El viaje que Lorca había iniciado por circunstancias personales hubo de coincidir con el crack del 29 que vivió la Gran Manzana en octubre de ese año. El poeta quedó horrorizado, no sólo por las consecuencias de una ciudad sumida en la desesperación bursátil, sino también por el brutal contraste cultural que constataba: desde una andalucía rural y caciquista en la que se había detenido al tiempo, a una sociedad mecanicista y deshumanizada.

Su inquietud y el desazón de la gran urbe neoyorkina son plasmadas por Lorca en un poemario lleno de imágenes frenéticas, inconexas y oníricas, y en asociaciones violentas que encuentran en el surrealismo el mejor vehículo para expresar ese sinsentido.

‘Poeta en Nueva York‘, seamos francos, no es un poemario fácil de leer. Al contrario. Es muy complicado seguir el hilo de esas metáforas, a veces sublimes, a veces escatológicas, siempre sorprendentes, que el poeta encadena. No, no es fácil. Por eso, es mejor dejarse llevar por ese ambiente de sueño (o pesadilla) que Lorca propone y ser arrastrado por el torrente vertiginoso de esas imágenes, sin buscarles la lógica. El surrealismo, precisamente, es la búsqueda de esas imágenes irracionales.

Para ello, el poeta usar en esta obra el verso libre, un verso más suelto, inquieto y desasosegado que funciona mejor con el estilo onírico y surreal del libro.

Eso sí, en todo el conjunto podemos ver cómo Lorca arremete contra esa civilización desalmada, que es capaz de construir grandes rascacielos pero también de dejar en la calle a hombres y niños. De una belleza arrebatadora son los versos de ‘Aurora’, o ‘Ciudad sin sueño’, poema al que pertenecen éstos:

No duerme nadie por el cielo. Nadie, nadie.
No duerme nadie.
Las criaturas de la luna huelen y rondan sus cabañas.
Vendrán las iguanas vivas a morder a los hombres que no sueñan
y el que huye con el corazón roto encontrará por las esquinas
al increíble cocodrilo quieto bajo la tierna protesta de los astros.

No duerme nadie por el mundo. Nadie, nadie.
No duerme nadie.
Hay un muerto en el cementerio más lejano
que se queja tres años
porque tiene un paisaje seco en la rodilla;
y el niño que enterraron esta mañana lloraba tanto
que hubo necesidad de llamar a los perros para que callase.

Por eso, no es extraño comprobar cómo, siguiendo el itinerario de Lorca, que viajó a Cuba tras su experiencia neoyorkina, el poemario se cierra, tras esa nube negra que representa la urbe, con una canción más positiva (‘Son de negros en Cuba’), que indica la vuelta del hombre a la naturaleza, esa naturaleza que en Nueva York ha sido negada y arrancada de cuajo.

En el estudio de la obra prima más la investigación sobre las fuentes que componen el poemario que la típica introducción contextual o interpretativa. Me atrevería a decir que la edición de Andrew Anderson, en cuanto a estudio crítico-textual, es la definitiva. Anderson hace un seguimiento e historia pormenorizada de las versiones del libro y enfrenta todas las variantes, borradores, ediciones tempranas, compara manuscritos, describe detalladamente los originales… En este sentido, la tarea filológica que ha hecho este investigador es abrumadora.

Sin duda, esta edición va a ser de referencia en las futuras investigaciones sobre libro ‘Poeta en Nueva York’ de Lorca.

‘Poeta en Nueva York’
Federico García Lorca
Edición de Andrew A. Anderson
Galaxia Gutemberg, 2013.
Cartoné con sobrecubierta. Incluye imágenes de los textos originales.
318 pgs. 17,50 €
ISBN: 978-84-15472-87-2

Más información | Ficha en Galaxia Gutenberg
En Papel en Blanco | Releyendo a los clásicos: ‘La casa de Bernarda Alba’, de Federico García Lorca

Este año, Libros del Zorro Rojo ha editado un poema de Stevenson que permanecía inédito en castellano: se trata de ‘El pirata y el boticario‘ (‘Robin and Ben or the Pirate and the Apothecary’), incluido dentro de su libro ‘Moral Emblems’ de 1921. La edición está profusamente ilustrada por el artista alemán Henning Wagenbreth.

Es bien curiosa la historia de la génesis de estos ‘Emblemas morales‘ de Stevenson. Como cuenta el propio Wagenbreth en el epílogo del libro, los poemas de este libro y otros más surgieron de la colaboración/juego del autor y Lloyd Osbourne, su hijastro. El pequeño, de doce años, tenía una pequeña imprenta que permitía una rudimentaria edición de pliegos artesanales. Cuando Lloyd oyó decir a sus padres que pasaban apuros económicos, decidió ayudar sacando partido a su imprenta y editando invitaciones, avisos, cartas y billetes de lotería.

Stevenson entonces le ofreció uno de sus manuscritos para que lo editara: así, se publicaron cincuenta ejemplares de ‘Not I, and other poems‘. Con esta primera colaboración, padre e hijo se sintieron tan bien por la acogida, que decidieron seguir trabajando juntos. ‘El pirata y el boticario’ forma parte de la última serie de poemas que se editaron de esta manera.

‘El pirata y el boticario‘ es un poema inspirado en la emblemática del siglo XVIII, que se caracterizaba por un lema, acompañado de un grabado, que luego se versaba de forma más amplia. Se trata de un poema con moraleja que habla sobre dos viejos amigos que siguen dos trayectorias vitales muy diferentes y que se encuentran ya de adultos. Es un poema sencillo, no exento de humor, y que la traducción de Elena Abós ha solucionado muy bien, conservando la rima de pareados original.

Los dibujos de Henning Wagenbreth que acompañan generosamente la edición son de un estilo naïf, que rompe con la perspectiva y cuyos colores y detallismo llaman poderosamente la atención. Hay que destacar, por ejemplo, las ilustraciones a toda página (y son páginas muy grandes, superiores en tamaño al DINA4) o a doble página, expresivas y modernas.

‘El pirata y el boticario’ me ha parecido una lectura excelente, tanto para el aficionado a Stevenson y a su poesía (aquí me englobaría yo), como para leer con los más pequeños de la casa, aunque que, si bien la lectura es algo cruel, no deja de ser éste un elemento que muchas otras narraciones tienen.

‘El pirata y el boticario’
Robert Louis Stevenson
Ilustraciones de Henning Wagenbreth.
Traducción de Elena Abós.
Libros del Zorro Rojo, 2013.
Edición en cartoné, 24×36 cm, 48 pgs.
ISBN: 978-84-941041-4-5

Más información | Ficha en Libros del Zorro Rojo

La obra de Kavafis (por lo demás, no demasiado extensa), orbita sobre dos temas recurrentes: la historia y el recuerdo, que en el fondo son el mismo, la rememoración del pasado. Por un lado, el poeta recupera para la poesía la riquísima historia de la Antigüedad de su país, escenas que evocan un pasado suntuoso como ‘El cortejo de Dionisos’ o ‘Los caballos de Aquiles’. En ‘Ítaca’, uno de sus más conocidos poemas (por sus versiones musicadas por Lluís Llach o Joan Manel Serrat), habla del viaje de Ulises como metáfora del periplo vital:

Cuando emprendas el regreso a Itaca,

ruega que el camino sea largo,

lleno de aventuras, de conocimiento.

A los Lestrigones y los Cíclopes,

al irritado Poseidón, no les temas;

no hallarás tales cosas en tu camino

si tu pensamiento es elevado, si una sublime

emoción embarga tu espíritu y tu cuerpo.

A los Lestrigones y los Cíclopes,

al feroz Poseidón, no los encontrarás

si no los llevas en tu alma,

si tu alma no los pone ante ti.

Por otra parte, en un tono melancólico y elegíaco, el poeta intenta recuperar los momentos de su juventud, sus primeras experiencias sexuales, el calor de lo erótico de los cuerpos jóvenes… sabiendo que es una Arcadia a la que ya no puede volver.

Quisiera revivir este recuerdo…

Pero de tal modo se ha borrado… como que nada queda

lejos, en los primeros años de mi adolescencia yace.

Una piel como hecha de jazmín…

Aquel atardecer de agosto – ¿era agosto…?-

Apenas recuerdo aquellos ojos; eran, creo, azules…

Ah sí, azules: como un azul de zafiro.

Kavafis, que empezó su obra al amparo de movimientos finiseculares como el simbolismo o el parnasianismo, logró encontrar una voz propia que ha tenido una gran influencia en la poesía posterior. En España, su influjo empieza a rastrearse con Luis Cernuda, pero habría que añadir también a los poetas de la experiencia, que toman prestado el yo poético cercano al biográfico para evocar el paso del tiempo o la juventud que no volverá; o a autores posteriores como el “novísimo” José María Álvarez, que ha sido uno de los traductores principales del griego al español y cuya poesía no puede negar una inevitable influencia de Kavafis, o el más joven poeta Alfredo Rodríguez.

Desde que lo descubrí finalizando la carrera, de tanto en tanto vuelvo a la lectura de Kavafis, como antes hiciera con la “biblia” de José María Álvarez (no confu, su gigantesco ‘Museo de Cera‘, pero ya sabiendo que bebo de una de sus fuentes. En los poemas del griego encuentro consuelo y la perfección de una poesía que quisiera que hubiera sido la mía. Supongo que también influye el hecho de que la traducción que uso sea del mismo Álvarez, pues en él se ve claramente qué fue lo que le marcó de Kavafis: el resplandor en sus poemas sobre la historia del mundo antiguo, el recuerdo, el amor (el recuerdo del amor), el deseo, y sobre todo, el placer de la carne, la rememoración de los cuerpos jóvenes y su deleitación.

Espero que, si no conocíais la obra de Kavafis, este post os haya creado cierto interés por leerlo, y si ya lo habíais leído, os invito hoy a tomar sus versos y a celebrarlo. Os dejo con unos versos que podrían ser un lema vital para el propio poeta:

Si imposible es hacer tu vida como quieres,

por lo menos esfuérzate

cuanto puedas en esto: no la envilezcas nunca

en contacto excesivi con el mundo,

con una excesiva frivolidad.

No la envilezcas

en el tráfago inútil

o en el necio vacío

de la estupidez cotidiana,

y al cabo te resulte un huésped inoportuno.

En Papel en Blanco | Invitación a leer a Rubén Darío en el aniversario de su nacimiento

Junto a la lira y la silva, la estancia es un tipo de estrofa que surgió con fuerza en el Renacimiento y que toma a los versos estrella de esta época como protagonistas del poema: heptasílabos y endecasílabos.

La estancia combina estos versos, de rima generalmente consonante, a gusto del poeta. Se requiere que en las composiciones formadas por estancias (odas, églogas, canciones…) el autor repita el mismo esquema que ha empleado en la primera estrofa a lo largo del poema (a diferencia de la silva, que es una combinación libre de versos de siete y once sílabas).

Es este requisito de repetición estrófica la que explica el nombre “estancia”, proveniente del italiano “stanza”, simplemente, ‘estrofa’. Suelen ser estrofas a partir de seis u ocho versos.

Esta estrofa es de ori­gen italiano y fue aclimatada en España por Garcilaso, poeta que nos dejó algunas de las mejores muestras de estancias en sus ‘Églogas’. Aunque al principio, debido a la herencia italiana que dejaron Petrarca y sus canciones amorosas, las estancias se dedicaban al tema del amor, posteriormente los temas se ampliaron.

La ‘Égloga I’ de Garcilaso (para Rafael Lapesa, la más alta cima de la poesía del autor) está formada por trinta estancias que responden al esquema estrófico de 14 versos ABCBACcddEEFeF. Os dejamos esta muestra de los cantos de amor pastoriles, en concreto, del lamento de Salicio por su amada Galatea:

¡Oh más dura que mármol a mis quejas,
y al encendido fuego en que me quemo
más helada que nieve, Galatea!,
estoy muriendo, y aún la vida temo;
témola con razón, pues tú me dejas,
que no hay, sin ti, el vivir para qué sea.
Vergüenza he que me vea
ninguno en tal estado,
de ti desamparado,
y de mí mismo yo me corro agora.
¿De un alma te desdeñas ser señora,
donde siempre moraste, no pudiendo
de ella salir un hora?
Salid sin duelo, lágrimas, corriendo.

El sol tiende los rayos de su lumbre
por montes y por valles, despertando
las aves y animales y la gente:
cuál por el aire claro va volando,
cuál por el verde valle o alta cumbre
paciendo va segura y libremente,
cuál con el sol presente
va de nuevo al oficio,
y al usado ejercicio
do su natura o menester le inclina,
siempre está en llanto esta ánima mezquina,
cuando la sombra el mondo va cubriendo,
o la luz se avecina.
Salid sin duelo, lágrimas, corriendo.

La estancia tuvo fortuna durante el Renacimiento, pero pasó al olvido siglos más tarde. Tomás Navarro Tomás en su ‘Métrica española’ nos explica que

Trajo el endecasílabo en su brillante cortejo el soneto, la octava real, el terceto, la estancia, la sexta rima y la alambicada sextina. Sólo las tres primeras de estas formas resistieron con relativa firmeza la crisis neoclásica. La contribución española en relación con las estrofas endecasílabas se había limitado al desarrollo de la lira de los sextetos alirados, de los cuartetos y de la silva, sobre iniciativas recogidas de particulares ejemplos italianos que habían pasado casi desapercibidos en su propio país (…)

El paso del tiempo dio lugar a otras modas, pero la estancia ya nos había dejado muestras poéticas inolvidables en el Renacimiento de la mano de Garcilaso de la Vega.

En Papel en Blanco | Diccionario Literario: chick lit, Beatus ille, Égloga, Hard-boiled

“He visto a las mejores mentes de mi generación destruidas por la locura.”

Sexto Piso ha realizado una edición de este famoso poema ilustrado con las imágenes que Eric Drooker realizó y que hoy os traemos para que os animéis a leerlo.

Ginsberg recoge el legado del poema extenso de Walt Whitman, pero en vez de ser un canto a la alegría de vivir o del amor a la naturaleza y a una patria como Estados Unidos, es todo lo contrario. Es un poema más bien urbano, de tono desesperado; una epopeya contra la sociedad deshumanizante en la que el hombre es sólo un engranaje más. Se trata de una poesía cruda, que cae en cascada, que crea rápidas y violentas asociaciones de imágenes en la línea de la poesía más vanguardista. En él, Ginsberg se libera de todos los corsés formales de la poesía y da salida a unos versos dominados por lo irracional, tal como Kenneth Rexroth le animóa hacer: a intentar escribir directamente desde su corazón, sin filtros métricos ni estróficos.

El famoso texto de Ginsberg se consideró escandaloso por la crudeza de su lenguaje, que a menudo usa imágenes muy explícitas. La obra fue prohibida poco tiempo después de su publicación en 1956 por una pequeña editora de San Francisco, pero su extendió rápidamente hasta convertirse en uno de los textos más leídos de todos los tiempos, traducido a más de veinte lenguas, y se erigió en modelo para las nuevas generaciones de poetas.

El poema está dividido en cuatro partes. En la primera es la más conocida, y es en la que de forma más gráfica, el poeta retrata la confusión y desorientación de su generación, centrándose sobre todo en la forma en que la sociedad ve a esos seres marginados que constituyen el grupo de poetas, artistas, enfermos mentales, drogadictos u homosexuales. La segunda parte del poema es una lenta y rítmica salmodia dirigida a Moloch, que representa al “becerro de oro” de la sociedad moderna: el capitalismo, la industrialización, la militarización, la producción de seres no pensantes en masa. Esta parte está inspirada y escrita principalmente durante una visión causada por el peyote. La tercera parte y la nota final son un cambio de rumbo más positivo en el poema: la tercera parte (la de la anáfora “Estoy contigo en Rockland…”) tiene un trasfondo real, está dedicada a Carl Solomon, a quien Ginsberg conoció en una estancia en un hospital psiquiátrico a finales de los años 40. La nota final vuelve sobre un tono optimista y habla de la sacralidad de toda vida.

La edición de Sexto Piso lo que hace es recoger en forma de libro el cortometraje animado que realizó Eric Drooker sobre el texto en 2006, es decir, es una selección visual o “anime book” como se les llamó al mismo tipo de publicaciones que se hicieron con material de animación japonesa. El universo visual que aporta Eric Drooker (que ya había colaborado con Ginsberg en 1996, poco antes de su muerte, en ‘Illuminated Poems’) encaja perfectamente con la atmósfera del poema, ora desesperanzada, ora mística. Una muy buena colaboración que arroja una nueva luz sobre un texto que ya es un clásico contemporáneo.

‘Aullido’
Allen Ginsberg.
Ilustrado por Eric Drooker.
Sexto Piso Editorial.
Edición en cartoné, a todo color, 226 páginas.

Más información | Ficha en Sexto Piso
En Papel en Blanco | El aullido de una generación

Si puedes mantener intacta tu firmeza
cuando todos vacilan a tu alrededor
Si cuando todos dudan, fías en tu valor
y al mismo tiempo sabes exaltar su flaqueza,
si puedes esperar sin cansarte,
si no mientes cuando te vienen con mentiras
ni odias a los que te odian
y, aún así, no te las das de santo ni de sabio…

Seguro que en alguna ocasión habréis leído el poema ‘Si’ (‘If’) de Rudyard Kipling, (el que termina diciendo “serás un hombre”), porque es el típico poema que aparece en cualquier antología, libro de autoayuda o motivación, o que de tanto en tanto la gente cuelga en el muro de Facebook. Este poema, que en honor a la verdad es uno de los mejores poemas de su autor, es sólo la punta del iceberg de una producción de cerca de 1.300 poemas que ahora, de forma completa, por fin ven la luz.

Rudyard Kipling es uno de los autores británicos más importantes de finales del XIX y principios del XX, reconocido desde su propia época como un maestro del relato corto, aunque su postura imperalista le supuso un un duro juicio extraliterario después de su muerte. Kipling cultivó desde la juventud la poesía, y a resultas de eso hay una ingente cantidad de material poético que ha pasado muchas veces inadvertido a la hora de analizar la obra de este autor.

Thomas Pinney, catedrático en el Pomona College de California, quiso ahondar en esa faceta y acabó rescatando varios títulos desconocidos de Kipling en los lugares más insospechados: no sólo entre los papeles familiares que nadie había investigado antes, sino también en el archivo del antiguo director de una naviera (Cunard Line) o en un edificio de Manhattan que estaba siendo reformado.

“Kipling fue un hombre de su tiempo que escribió desde un punto de vista imperial, y por eso ya no es hoy un autor tan popular, pero sus poemas siempre han conseguido cautivar y atrapar al lector corriente”, afirma la doctora L. Bree, responsable de la edición de Cambridge University Press que se compone de tres volúmenes con la totalidad de esos 1.300 poemas, con más de 500 de ellos nunca catalogados, y, aun más, con alrededor de 50 cuya existencia no se conocía.

El compendio que publica Cambrige University Press inserta información adicional sobre el contexto en el que fue concebida cada poesía. En España deberemos esperar a ver publicada esta obra. Una de las últimas selecciones de poesía de Kipling en español fue ‘El himno de McAndrew y otros poemas‘ (Renacimiento), con traducción de José Manuel Benítez Ariza.

Via | El País
En Papel en Blanco | 75 aniversario de la muerte de Rudyard Kipling

El cisne es el emblema por excelencia del Modernismo: representa la belleza y la naturaleza antipragmática del Arte. Además, es el símbolo de la interrogación del poeta ante el destino.

Uno de los poemas más geniales de Rubén Darío es ‘Venus‘, que da inicio al libro ‘Cantos de vida y esperanza‘, una de las joyas del modernismo hispánico en literatura. Os cito el inicio:

Yo soy aquel que ayer no más decía

el verso azul y la canción profana,

en cuya noche un ruiseñor había

que era alondra de luz por la mañana.

Me gusta entender el modernismo como una resurrección del Romanticismo en muchos de sus intereses y gustos. Rubén, que había sido un gran lector, conocía y apreciaba a Bécquer, y es inevitable ver la huella del andaluz en el largo poema autobiográfico de Darío. Rubén se suma a la moda modernista del autorretrato poético, y lo hace nada menos que al principio de su libro. Hay que ser muy consciente (y ser algo divo también) para empezar un libro con la palabra yo. Por eso se autocalifica como el que decía el verso azul (referencia al libro ‘Azul…‘ de 1888, con el que oficialmente da inicio el modernismo) y la canción profana (ídem a ‘Canciones profanas‘).

En los siguientes versos, Rubén, con el preciosismo que le caracteriza, se define y de paso nos da los rasgos más característicos del modernismo: el poder de la evasión, la fantasía, lo onírico, lo bello y lo superfluo se deja ver en las siguientes estrofas (el dueño fui de mi jardín de sueño / lleno de rosas y de cisnes vagos) y también de las referencias estéticas que el modernismo adoptará (y muy siglo diez y ocho y muy antiguo / y muy moderno; audaz, cosmopolita; / con Hugo fuerte y con Verlaine ambiguo, / y una sed de ilusiones infinita).

Esta estrofa me interesa especialmente porque pone en nuestro campo de mira algunas señas de identidad: la preferencia por otros tiempos y lugares (el exagerado lujo del Versalles prerrevolucionario, el exotismo de las civilizaciones perdidas o de la Grecia clásica), pero también el gusto por lo urbano y la cultura que ahí se está gestando (pienso en Baudelaire y la figura del flaneur), el reconocimiento de algunas influencias, como la del romántico francés Víctor Hugo o del decadentista Paul Verlaine, el príncipe de la poesía que diría aquello de “la musicalidad ante todo”. Pero finalmente, hay un verso que le conecta con Bécquer, y es esa sed de ilusiones infinita, donde el poeta abraza el Ideal, ese Ideal que también buscaba el sevillano.

Aunque en ocasiones la poesía modernista pueda resultar un poco cargante para el lector moderno, por lo recargada que a veces resulta, resulta un placer volver a los versos de Rubén, a degustar esa musicalidad de las palabras, al ritmo que destilan, y a esos mundos que evocan. Aprovechad esta conmemoración de hoy y releed a Rubén Darío. ¡Porque, por si no se os había ocurrido antes, leer a los clásicos es mejor para vuestro cerebro que leer a los contemporáneos!

En Papel en Blanco | Un recuerdo para Bécquer en el aniversario de su muerte

Como buen artista decimonónico, su salud fue más bien precaria y en los últimos meses de 1870 su mal estado se agravo a causa del frío invernal. En sus últimos momentos, pidió a su amigo el poeta Augusto Ferrán que quemasen sus cartas («serían mi deshonra») y que publicasen su obra (de forma clarividente, Bécquer confesaba: «Si es posible, publicad mis versos. Tengo el presentimiento de que muerto seré más y mejor conocido que vivo»).

Sus ‘Rimas’ pertenecen al manuscrito original ‘Libro de los gorriones’, que después de su muerte fueron publicadas siguiendo un orden que Bécquer no había dispuesto, y en el que hay cuatro bloques temáticos: la creación poética, el amor esperanzado, el desengaño y la soledad y la muerte.

Uno de los poemas, de tantos que me gustan, que me sigue pareciendo de los mejores escritos en español es la Rima I. Empieza así:

Yo sé un himno gigante y extraño / que anuncia en la noche del alma una aurora / y estas páginas son de ese himno / cadencias que el aire dilata en las sombras.

Tras muchos años de leerlo por primera vez, me sigue pareciendo fascinante cómo las Rimas se abren con este poema. Aunque no fuera la primera que Bécquer escribió, sin duda tiene una fuerza impresionante. Como gran poemario romántico se abre con ese yo que es el resumen de toda la subjetividad, intimismo y la puerta a todo un mundo aparte que aportaría el movimiento a la literatura. El poeta se sabe un ser especial, alguien tocado por las musas, un intermediario entre el mundo de las ideas y de los dioses y el ser humano. El yo romántico está por encima de este mundo. Se eleva por encima de sus miserias cotidianas y vuela alto en su ensoñación de ideales. Su gran don es la palabra, el poder otorgar nombres a la realidad, la poesía. Por eso Bécquer es consciente de ese gran poder, ese himno gigante y extraño, que intuye, puesto que el romántico es más irracional que lógico. Sabe que tiene ese don, pero una cosa es intuirlo y otra es ponerlo en palabras (yo quisiera escribirlo, del hombre / domando el mezquino idioma), pero una idea, la Idea, la Poesía se resiste a ello (pero en vano es luchar; que no hay cifra / capaz de encerrarlo). Este poema, para mí, es la quintaesencia del romanticismo y uno de las mejores metapoesías que jamás se han escrito.

Con todo, Bécquer es mucho más; seguro que todos conocéis su recopilación de leyendas tradicionales publicadas bajo el parco título de ‘Leyendas’. De adolescente siempre fui un gran lector de Bécquer; bueno, de hecho, creo que cualquier joven con un mínimo de sensibilidad puede verse tocado o reflejado en los poemas del autor, en tanto que sus cuentos, con todo el ampuloso lenguaje romántico que utilizan, son una muestra del relato fantástico español de primer nivel.

Aunque también os he de decir, como profesor, que las nuevas generaciones se sienten cada vez más extrañas ante su obra (bueno, ante la de Bécquer y ante toda la literatura clásica en general). A pesar de que personalmente creo que el lenguaje de Gustavo Adolfo no es especialmente complicado de entender, los alumnos de Secundaria (los de 4º, los mayores, ojo) se quejan de que a menudo no entienden lo que leen, posiblemente porque el sistema educativo vigente y su experiencia personal no les han provisto de vocabulario y herramientas suficientes como para disfrutar de estos textos en condiciones. Pero esto es otro tema que espero abordar pronto con vosotros.

Concluyendo, nunca está mal volver sobre los textos de uno de los más grandes autores que nos ha dado la literatura española como Bécquer, y hoy es una muy buena oportunidad de hacerlo.

Imagen | Vicente Palmaroli: Gustavo Adolfo Bécquer en su lecho de muerte. (1870-1871). Museo Romántico, Madrid.
En Papel en Blanco | ¿Escuchamos un poema? Gustavo A. Bécquer