En el pasado mes de Agosto, os hablé de una noticia que supuso una pequeña pero agradable sorpresa para todos los amantes de la Generación del 27: Rafael Zarza y Fernando González de Canales, con la colaboración del Instituto Cervantes y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), habían realizado un documental a partir de una serie de grabaciones inéditas filmadas por Juan Guerrero que suponían las únicas imágenes en movimiento de la Generación del 27, grabadas en el momento en que, como os decía entonces, aquellos poetas estaban cambiando el mundo.

El documental, El deseo y la realidad. Imágenes y palabras de los poetas del 27, ha podido verse en más de setenta Centros internacionales del Instituto Cervantes a partir de noviembre de 2009, y, según acabo de ver en la página de la SECC, ya está disponible en DVD. La imagen que encabeza el post se trata del manuscrito del poema que Jorge Guillén escribió en 1984. Cuando Rafael Zarza le enseñó las grabaciones que había encontrado, Guillén se sintió tan emocionado que la inspiración le llevó a escribir esta composición, titulada Misterioso y que, según se dice, surgió de la última visita de las musas al escritor vallisoletano, fallecido poco después (podéis ver una transcripción en el post anterior).

Dicho poema aparece en el documental, en el que, además de las grabaciones, también se exhiben una serie de fotografías inéditas. En el siguiente vídeo podréis ver un avance del mismo que, espero que os emocione o, al menos, os despierte cierto revuelo en el estómago. En él aparecen, según dicen, Cernuda, Lorca, Alberti, Salinas, Guillén, Guerrero y otros, aunque yo a Federico no lo reconozco (si lo localizáis, decídmelo, por favor):

Vía | Algún día en alguna parte | Revista de Arte
En Papel en Blanco | Ven la luz unas grabaciones con imágenes inéditas de la Generación del 27
Más información | Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales

En la línea de recomendaciones navideñas que os estamos trayendo al blog se me ha ocurrido invitaros a que estas Navidades penséis en el rotundo acierto que sería regalar un disco con poemas de nuestros grandes poetas. Porque este tipo de regalos es de los que cumple la máxima Docere, Movere et Delectare (Enseñar, Conmover y Deleitar).

Las literaturas panibéricas (esto es: no sólo la escrita en castellano) son riquísimas en poetas cuyos versos tienen tal musicalidad que invitan a ser cantados, devolviendo a la lírica a su estado primigenio, cuando no se concebía sin instrumentos que acompañaran a la voz. A mí me gustan las recitaciones a capella pero mi capacidad de concentración me impide atender durante mucho tiempo, algo que no me ocurre con la poesía musicada. La lista que sigue recoge algunos de esos discos que me parecen imprescindibles en la colección de toda amante de la poesía. Todos ellos están dentro de la colección de Spotify, así que os dejo el enlace para los que tengáis este programa (los que no lo conozcáis podéis encontrar más información en Hipersónica).

‘Rosalía de Castro’, de Amancio Prada

Amancio Prada nació en Devesas (El Bierzo, León), en el seno de una familia gallegohablante y siempre ha sido un adalid de la defensa del uso del gallego en los territorios colindantes con Galicia. Tras treinta años de carrera puede decirse que es el mejor embajador de la lírica gallega en el mundo.

Ha actuado en las grandes capitales del mundo, dando a conocer las cantigas de los poetas medievales. Ha cantado las composiciones neotrovadorescas de Álvaro Cunqueiro y musicado la tradición oral. Pero no sólo es un admirador de la literatura gallega, pues ya en su sexto trabajo le hizo un homenaje a San Juan de la Cruz que le hizo merecedor de la Medalla del IV Centenario del poeta místico, al que dedicó un segundo álbum en 2004. Asimismo, dos de sus discos están basados en poemas de Lorca, Sonetos de amor oscuro y Sonetos y canciones de Federico García Lorca.

Con lo cual, la mayoría de sus trabajos serían una magnífica sugerencia para realizar un regalo a, por ejemplo, cualquiera de los miles de gallegos que andan emigrados por el mundo. Pero el que os quiero recomendar especialmente es Rosalía de Castro, su segundo disco, publicado en 1975, dedicado enteramente a la poetisa gallega. Es sin duda el cantautor que mejor ha entendido la lírica rosaliana, consciente de su trascendencia:

El pueblo, la gente ha hecho suya su poesía, de igual modo que Rosalía, a su vez, había hecho suyos versos de coplas populares, tomándolos como motivo de inspiración y punto de partida.

Este disco es toda una delicia, para los oídos y para el alma. Contiene poemas de Follas Novas y En las orillas del Sar, entre ellos una versión de Adiós ríos, adiós fontes que ya forma parte de la cultura popular gallega, prueba inequívoca de que Amancio Prada ha aportado mucho en la labor de poner a Rosalía en el lugar que merece.

Sitio Oficial | Amancio Prada
En Spotify | ‘Rosalía de Castro’, de Amancio Prada

‘Dedicado a Antonio Machado, poeta’, de Joan Manuel Serrat

Cantares, la primera pista de este álbum es, muy probablemente, la canción basada en un poema más conocida en España. “Caminante no hay camino / se hace camino al andar” son dos de los versos más célebres de la poesía española y mucha gente los descubrió gracias a Joan Manuel Serrat. Aún hoy no falta quien, al escucharla por unos altavoces, se arranque con aquello de “Golpe a golpe, verso a verso”.

Este disco, editado en 1969, supuso un éxito de ventas a pesar del veto que existía sobre su autorRosalía de Castro, que impedía incluso la promoción por radio de sus trabajos. La inmensa fama de su primer tema no debe hacernos caer en el desprecio hacia el resto del álbum, porque en verdad no tiene pérdida.

Especial mención merecen, para mí, la divertidísima Las moscas, o la sobrecogedora La Saeta, o la melancólica A un olmo seco, o la maravillosa elegía Llanto y coplas...

Sitio Oficial | Joan Manuel Serrat
En Spotify | ‘Dedicado a Antonio Machado, poeta’, de Joan Manuel Serrat

‘Miguel Hernández’ e ‘Hijo de la luz y de la sombra’, de Joan Manuel Serrat

De ambos discos ya os hablé en un anterior post, pero vuelvo a traerlos a colación para estas recomendaciones. El primero fue publicado en 1972 y el segundo se acaba de editar. Con su primer acercamiento a Miguel Hernández, Serrat hizo justicia a uno de los poetas peor tratados, tanto por sus contemporáneos como por la historia, y con este último cumple con la obra de Hernández al poner música a una parte de la obra menos conocida del poeta oliorano.

El primer álbum contiene tres de los poemas más emocionantes y conmovedores escritos en castellano: Menos tu vientre, un canto de amor a la mujer como dadora de vida, Elegía, estremecedora expresión de pena por la muerte de su amigo Ramón Sijé, y Nanas de la cebolla, emotiva lección vital a su hijo escrita desde la prisión. Sobre el segundo aún no os puedo hablar más que de los poemas que incluye porque estaba anunciado que saliera a la venta el 24 de Noviembre, pero la problemática negociación con los representantes de la familia Hernández lo ha impedido, así que quizá no nos llegue a tiempo de convertirse en un regalo de Reyes. En el post anterior podréis saber más sobre él, leer uno de los poemas de este disco y un vídeo de ‘Nanas de la cebolla’.

Sitio Oficial | Joan Manuel Serrat
En Spotify | ‘Miguel Hernández’, de Joan Manuel Serrat

‘Lorquiana’, de Ana Belén

En mi último cumpleaños mis amigos me regalaron un vale de dinero para la FNAC que me gasté en dos volúmenes de Astérix, unas películas de los Monty Python y este disco de Ana Belén, titulado Lorquiana.

Ana Belén pertenece a mi imaginario infantil gracias a las innumerables horas que pasé escuchando sus discos con Víctor Manuel viajando en el Fiat 127 de mis padres. También forma parte de mis mitos sexuales adolescentes desde que me llegó un VHS de La pasión turca. Así que descubrir este disco dedicado a Lorca me ha ofrecido una nueva perspectiva sobre la artista madrileña que quiero compartir con vosotros.

Además del precioso montaje de la portada (que, ahora que lo pienso, me ha dado una excelente idea para hacer un regalo navideño), el álbum tiene una virtud muy loable: la valentía de Ana Belén a la hora de escoger composiciones que no están entre las más reconocidas o populares. Eso demuestra amor y fidelidad hacia Lorca y las cosas hechas con amor raramente dan malos frutos.

El disco contiene poemas como Anda jaleo y Nana de Sevilla o el Romance de Don Boyso y supone una mezcla de estilos en los que el común denominador es la melodiosa voz de Ana Belén, que lleva a su terreno las palabras de Lorca y las hace suyas. Sin duda alguna, un estupendo obsequio para estas fechas, tanto para los amantes de Federico como para los de Ana Belén (ni qué decir tiene para los de ambos).

En Spotify | ‘Lorquiana’, de Ana Belén

‘Los gitanos cantan a Federico García Lorca’, de Camarón de la Isla, Lole y Manuel, Manzanita y otros

Este proyecto ha tenido varias versiones, la última de ellas publicada en el año 2000. Se trata de una recopilación de poemas del inmortal poeta granadino editada en dos discos. Lorca cantó a los gitanos, le dio voz a su sufrimiento y creó un mundo onírico alrededor de ellos en obras como Bodas de Sangre, La casa de Bernarda Alba o Romancero Gitano.

En este doble disco son ellos, los artistas gitanos, quienes cantan a Lorca, devolviéndole así el legado que el poeta hizo con su obra. Algunos de las interpretaciones son al más puro estilo flamenco, otras tienen un aire más rumbero y no faltan muestras de mestizaje cultural, verdadera virtud del artista gitano.

La leyenda del tiempo es la canción que da nombre al disco que Camarón de la Isla le dedicó a Lorca (álbum que podría aparecer en esta lista perfectamente). La letra proviene de la obra de teatro Así que pasen cinco años y en la garganta de Camarón cobra una fuerza inusitada. Pero si hay una canción que a mí me vuelve loco esa es Verde: una reinterpretación del Romance Sonámbulo a cargo de Manzanita que no contiene todo el texto ni es completamente fiel a él, pero es una auténtica genialidad. Podéis comprobarlo en el siguiente vídeo, donde la interpreta, precisamente, con Ana Belén.

En Spotify | ‘Los gitanos cantan a Federico García Lorca’, varios artistas
En Papel en Blanco| Especial de Navidad 2009

La cuaderna vía es el nombre que recibe la estrofa usada en el mester de clerecía, el tetrástrofo monorrimo. Su nombre proviene del quadrivium (del latín ‘cuatro caminos’), referido a las cuatro ciencias que constituían la base de los estudios medievales y que provenían de los pitagóricos. Los clérigos o sabios que escribían en cuaderna vía habían cursado los altos estudios de entonces, la educación superior derivada del quadrivium.

Se trata de una estrofa de la métrica española compuesta por cuatro versos alejandrinos, es decir, de catorce sílabas (tetrástrofo), con rima consonante uniforme (monorrimo), repartidos en dos hemistiquios de siete sílabas, con pausa o cesura entre ellos. Por lo tanto, el esquema métrico de la cuaderna vía es A14 (7+7), A14 (7+7), A14 (7+7), A14 (7+7).

El ‘Libro de Alexandre’ (siglo XIII) es la primera obra conservada en castellano que emplea la cuaderna vía. Se inicia haciendo referencia al modo particular de escritura del mester de clerecía, alabando la maestría con la que los autores eran capaces de rimar y versificar con el esquema de la cuaderna vía:

Mester traygo fermoso non es de ioglaria

mester es sin pecado que es de clerezia
fablar curso rimado por la quadern[a] [u]ia
a silauas contadas que es grant maestria.

En estos primeros versos se hace referencia a la supremacía de la clerecía, ya que los clérigos (entendido como ‘sabios’, ‘letrados’, sean eclesiásticos o no) eran hombres cultos, y van a buscar la per­fección de sus versos frente a las imperfecciones métricas usadas por los juglares. Se quería ensalzar el mester de clerecía como un estilo erudito cultivado por autores con formación latino-eclesiástica. Aunque, como después se ha comprobado, la oposición entre clerecía y juglaría no es tan estricta.

La cuaderna vía hace su aparición en Castilla en el siglo XIII. Los orígenes de esta estrofa parecen situarse en el alejandrino francés, del cual sería una adaptación, según afirmó el hispanista Alan Deyermond. Otros críticos han señalado la influencia de la poesía latina francesa del siglo XII.

Gonzalo de Berceo usó la cuaderna vía con maestría en sus obras, especialmente en los Milagros de Nuestra Señora:

Señores e amigos, por Dios e caridat

oíd otro miraclo, fermoso por verdat:
Sant Ugo lo escripso, de Gruñiego abat,
que cuntió a un monge de su socïedat.
Un fraire de su casa, Guiralt era clamado,
ante que fuesse monge era non bien senado;
facié a las debeces follía e pecado
como omne soltero que non es apremiado.

(“El romero de Santiago”)

En sus inicios la cuaderna vía era muy regular. Sin embargo, hemos de tener en cuenta que, en la lectura de hoy día, no siempre es fácil encontrar la paridad silábica, pues entran en juego los errores de los copistas y las diferencias de pronunciación, además de los distintos criterios seguidos respecto a la sinalefa, el hiato, la sinéresis y la diéresis.

Aparte de las obras de Berceo, otros ejemplos de cuaderna vía en el siglo XIII son el ‘Libro de Apolonio’, el ‘Poema de Fernán González’ (refundición en cuaderna vía de un cantar de gesta) y los ‘Castigos y ejemplos de Catón’.

Ya en el siglo XIV el mester de clerecía evoluciona y encontramos muestras de cuaderna vía más escasas e imprefectas. Las irregularidades afectan tanto a la rima como al cómputo silábico. Un ejemplo en el Libro de Buen amor, del Arcipreste de Hita, compuesto en su mayor parte en cuaderna vía. Aunque se sustituye a menudo la consonancia por la asonancia y los versos alejandrinos por los de dieciséis sílabas:

De pequeña cosa nace rumor en la vecindad;

ya nacido, tarde muere, aunque no sea verdad,
y crece de día en día con envidia y falsedad;
poco le importa al mezquino lo que sea mezquindad”

Otras muestras de cuaderna vía en el siglo XIV las encontramos en los ‘Proverbios morales del rabino Sem Tob’ (o Santob), el ‘Rimado de Palacio’ de Pedro López de Ayala, el ‘Libro de miseria de omne’ o el ‘Poema de Yuçuf’.

Con el paso del tiempo la cuaderna vía, una estrofa demasiado estricta y monótona, se fue volviendo cada vez más irregular y dejó de emplearse para dar paso a otras muchas combinaciones métricas que se adaptaban mejor a los nuevos contenidos y nuevos tiempos.

En Papel en Blanco | Diccionario Literario

Joan Manuel Serrat regresa a Miguel Hernández para traernos Hijo de la luz y de la sombra, un álbum con trece poemas del inmortal poeta oriolano con el que saldrá de gira, comenzando en Elche y acabando, si todo sale bien, en Orihuela el 30 de Octubre de 2010, día en que se cumplirá el centenario del nacimiento de Hernández.

Han pasado casi cuarenta años desde que Serrat publicó en 1972 ‘Miguel Hernández’, un histórico disco con algunos de los poemas más conocidos del malogrado poeta y dramaturgo levantino. En aquella ocasión visitó a la viuda, Josefina Manresa, para enseñarle una grabación y ver si le daba la venia, y se encontró con que la señora no tenía tocadiscos; Joan Manuel le compró uno para remediar el problema y Doña Josefina no sólo le dio permiso, sino que le otorgó su bendición.

Ese primer disco contenía versiones musicadas de poemas como Menos tu vientre, Nanas de la cebolla o Elegía, indiscutibles obras cumbre de la lírica española, y en el nuevo álbum podremos disfrutar de Ay del ay por el ay, El silbo del dale o Tus cartas son un vino, composiciones que no le van a la zaga a las primeras.

Con ambas grabaciones, Serrat, al que debemos considerar poeta con mayúsculas, honra no sólo la obra, sino también la memoria de un hombre que murió de un modo cruento y que, de no ser por su fiel amigo Vicente Aleixandre, se hubiera perdido en gran parte por el abismo del olvido. Además el proyecto se completará con una serie de videoclips que rodarán algunos famosos realizadores como Isabel Coixet, Manuel Gutiérrez Aragón, José Luis Cuerda, Montxo Armendáriz...

El próximo año se enaltecerá la figura del poeta oriolano, con una multitud de actividades, reediciones, simposios y demás orquestados desde los organismos oficiales. En Papel en Blanco no seremos menos y le dedicaremos una serie de artículos para acercaros a todos la obra del gran poeta que fue, que es, Don Miguel Hernández.

Para ir abriendo boca y aprovechar la gran noticia que supone este nuevo disco del cantautor barcelonés, os invito a que veáis un vídeo del propio Serrat cantando ‘Nanas de la cebolla’, del primer disco, y a que leáis un poema del segundo, ‘Tus cartas son un vino’.

Nanas de la cebolla

Tus cartas son un vino

A mi gran Josefina adorada

Desde que estoy ausente

no sé sino soñar,
igual que el mar tu cuerpo,
amargo igual que el mar.

Tus cartas apaciento
metido en un rincón
y por redil y hierba
les doy mi corazón.

Aunque bajo la tierra
mi amante cuerpo esté,
escríbeme, paloma,
que yo te escribiré.
Cuando me falte sangre
con zumo de clavel,
y encima de mis huesos
de amor cuando papel.

Vía | El País
En Papel en Blanco | Miguel Hernández

El 30 de octubre de 2010 se cumplirán 100 años del nacimiento de Miguel Hernández, el “poeta de la tierra”, el primero por el que yo me acerqué a la poesía. Cuando están a punto de comenzar los homenajes a su figura, se abre la caja de Pandora y salen los demonios del legado. A la disputa en torno a Rafael Alberti, Vicente Aleixandre o la tan debatida en las últimas semanas de Franz Kafka, se le une ahora la del autor de las Nanas de la cebolla, fallecido mientras cumplía una condena de treinta años (pena de muerte, en un primer momento) en marzo de 1942.

Precisamente hoy tendrá lugar la Comisión Nacional del Centenario, presidida por los Reyes e integrada por el Gobierno central, el autonómico de Valencia, los ayuntamientos de Elche y Orihuela –ciudad natal del poeta–, el Instituto Cervantes y varias universidades. La situación actual es que ni siquiera la recién creada sociedad Orihuela 2010 puede enmarcar los actos que están preparando dentro del “centenario Miguel Hernández”, pues la familia les ha prohibido utilizar el término (en su defecto, tienen que referirse al “año hernandiano”).

En 1982, la viuda del poeta, Josefina Manresa, cedió la obra y los bienes de Miguel Hernández al Ayuntamiento de Elche, a cambio de un acuerdo por el que éste se comprometía a pagarle 50.000 pesetas mensuales y a cubrir la educación de sus nietos hasta el final de sus estudios universitarios. Según la familia, esto nunca se cumplió. A la muerte de Josefina en 2002, su nuera, Lucía Izquierdo, se hizo cargo de todo, prorrogando dicho acuerdo por siete años más a cambio de 108.427,94 euros anuales.

La cercanía del centenario puso en marcha la renegociación y, por ende, la subasta. Como es habitual en estos casos, la Biblioteca Nacional ha hecho una valoración de los bienes del poeta de 2,1 millones de euros, que no ha satisfecho a los familiares (aparentemente piden tres veces más); mientras, la alcaldía de Elche ofrece 3 millones, y hay versiones contradictorias sobre si el Ayuntamiento de Orihuela también tiene interés en atesorarlos. Por otro lado, el Centenario Miguel Hernández S. L., sociedad que representa los intereses de la familia, asegura que existen más partes implicadas.

No parece claro que la familia esté dispuesta a vender; mientras los ayuntamientos desean adquirir el “lote” completo de una sola vez, los herederos prefieren seguir con el método del depósito:

Estamos dispuestos a negociar con las instituciones que acepten el legado en depósito con garantías de mejor conservación y respeto al poeta.

A la disputa en torno a estos 1.200 folios manuscritos y a los objetos personales del poeta se le añade la problemática de la reproducción de las obras ya publicadas, debido a los excesivos royalties que reclama la familia (caso similar al de Alberti). El asunto parece haberse radicalizado desde el momento en que la gestora Centenario Miguel Hernández S. L. se hizo cargo de todo. A partir de su llegada, nos apartamos. Deseo que el centenario llegue a buen fin. Lo único que me preocupa es engrandecer la figura del poeta, comenta el político Alfonso Guerra.

Lo único que parece seguro es lo aprobado hace tres años por la Sociedad Española de Conmemoraciones Culturales: un congreso, una exposición en la Biblioteca Nacional y una reedición de las Obras Completas en Espasa. En el camino ha quedado un documental impulsado por el propio Guerra, que ha visto como la Sociedad para el Centenario Miguel Hernández, SL. ha preferido concentrarse en un proyecto cinematográfico “made in Hollywood” con el rostro de Johnny Depp que, hasta el momento, no ha logrado ningún apoyo.

Rogelio Blanco, Director General del Libro, ha declarado:

Se hará una gran exposición en la Biblioteca Nacional, con un gran catálogo, y esperamos que la familia tenga un sentido ponderado y favorezca la edición y la divulgación de su obra. Hay grandes editoriales dispuestas a hacer un trabajo excepcional. (...) Va a ser un ‘tsunami’ cultural, quien se empeñe en poner palos en la rueda, fracasará.

En fin, revuelve un poco el estómago que nuevamente el dinero se interponga en el recuerdo, la divulgación y el conocimiento de un poeta de la talla de Miguel Hernández. Poeta que, por cierto, escribió las ‘Nanas de la cebolla’ para un hijo recién nacido al que su esposa sólo podía alimentar con jugo de cebolla, tal era su pobreza.

Vía | El País
En Papel en Blanco | La disputa por las herencias, ¿A quién pertenece el archivo secreto de Franz Kafka?, La disputa por la herencia de Stieg Larsson

La copla de pie quebrado es el nombre que se le da a cualquier tipo de estrofa compuesta por versos octosílabos combinados con versos tetrasílabos. El pie o metro “quebrado” es el que se queda a la mitad, partido. La estrofa podía tener muchas variantes en la distribución de las rimas y en la situación del pie quebrado, ha sido utilizada en diversas épocas de la literatura española, y se encuentra ya en el ‘Libro de buen amor’ del Arcipreste de Hita.

Sin embargo, el momento de mayor apogeo de esta estrofa fue durante el siglo XV, y la forma más conocida, empleada con maestría en versos inolvidables por Jorge Manrique, está en sus Coplas a la muerte de su padre. Por ello a la copla de pie quebrado se la conoce también con el nombre de “estrofa manriqueña” o “sextilla manriqueña”.

La copla manriqueña es una doble sextilla de tercetos simétricos en los que a dos octosílabos sigue un verso corto (el pie quebrado) que puede ser tetrasílabo, o pentasílabo si es posible hacer sinalefa con el verso anterior o éste finaliza en sílaba aguda. En estos casos, se produce una compensación silábica.

La doble sextilla manriqueña presenta la siguiente disposición de las rimas: 8a8b4c8a8b4c – 8d8e4f8d8e4f. Esta combinación métrica pudo ser usada por primera vez por Juan de Mena y otros poetas castellanos, pero fue Manrique quien la elevó a la máxima categoría.

Después, la estrofa manriqueña fue admirada y llevada al papel por los románticos, como Zorrilla y Espronceda, y por los modernistas, como Rubén Darío o la Generación del 27 con Alberti... Hasta llegar a nuestros días, cuando muchos poetas se aprovechan del ritmo especial que impone el pie quebrado.

Rubén Darío ensaya una divertida ‘Canción de Carnaval’ para celebrar el apogeo del gozo y del placer con dos variantes del pie quebrado (8a8b8a4b y 8a8b8b4a):

Musa, la máscara apresta,
ensaya un aire jovial
y goza y ríe en la fiesta
del Carnaval.
Ríe en la danza que gira,
muestra la pierna rosada,
y suene, como una lira,
tu carcajada.

Que él te cuente cómo rima
sus amores con la Luna
y te haga un poema en una
pantomima.

Una de las muestras más recientes de empleo de la copla de pie quebrado manriqueña es la que emplea el cantautor Joaquín Sabina en su crítico poema “Sudacas de pie quebrado”.

Pero qué mejor manera de acabar este repaso si os dejo con los inmortales versos del comienzo de las ‘Coplas’ de Jorge Manrique, tal vez la mejor muestra de copla de pie quebrado:

Recuerde el alma dormida,
avive el seso y despierte,
contemplando
cómo se passa la vida,
cómo se viene la muerte
tan callando;
cuán presto se va el plazer,
cómo después, de acordado,
da dolor;
cómo, a nuestro parescer,
cualquiera tiempo passado
fue mejor.

En Papel en Blanco | La obra poética de Jorge Manrique

El jerezano José Manuel Caballero Bonald ha sido el ganador de la sexta edición del Premio de Poesía Federico García Lorca. Luis Muñoz, representante de la Residencia de Estudiantes y uno de los miembros del jurado, lo ha descrito como “uno de los grandes artistas de la lengua española”, que resalta “por su exploración del idioma y por el uso de los vocablos más desusados”.

Es un poeta que ha reflexionado con mucho rigor sobre las posibilidades contemporáneas del Barroco, entendido no como una retórica, sino como un laberinto, como un proceso más largo para llegar a zonas de la conciencia.

El poeta andaluz se considera un lector permanente del creador del ‘Romancero gitano’, por lo que se siente especialmente orgulloso de recibir un premio con su nombre: Lorca fue uno de mis maestros y su escritura poética me sirvió de mucho en mis años de aprendizaje.

Yo he trabajado toda mi vida buscando un camino que no estuviera trillado, indagando en la lengua y persiguiendo un mundo propio, y si he conseguido eso, he logrado todo lo que me proponía en literatura.

José Manuel Caballero Bonald nació en Jerez de la Frontera (Cádiz), y es Hijo Predilecto de Andalucía. Cursó estudios de Filosofía y Letras en la Universidad de Sevilla; su primer libro de poesía, Las adivinaciones, apareció en 1952. Junto a éste, destacan los poemarios ‘Las horas muertas’, ‘Descrédito del héroe’ o ‘Laberinto de Fortuna’. Fuera del género poético ha publicado dos libros de memorias (‘Tiempo de guerras perdidas’ y ‘La costumbre de vivir’), un volumen de artículos y ensayos (‘Copias del natural’) y varias novelas (‘Toda la noche oyeron pasar pájaros’, ‘Campo de Agramante’, ‘En la casa del padre’). Su obra más reciente es La noche no tiene paredes, editada este mismo año.

A lo largo de su carrera literaria ha sido distinguido con diversos premios, como el Premio de Poesía Platero, el Premio de la Crítica, el Reina Sofía de Poesía Iberoamericana, el Nacional de las Letras Españolas y el Nacional de Poesía.

Dotado con 50.000 euros, el Premio Internacional de Poesía Ciudad de Granada/Federico García Lorca es el de mayor dotación económica dentro de su género en los países de lengua hispana. El galardón se convocó por primera vez en 2004 con el objetivo de reconocer la trayectoria literaria de un autor. A la actual edición se presentaron 35 candidatos de quince nacionalidades distintas. En 2008 recayó en el poeta Tomás Segovia.

La entrega tendrá lugar durante la próxima primavera, en el marco del Festival Internacional de Poesía de Granada.

Vía | Yahoo! Noticias
Más información | Premio Internacional de Poesía Federico García Lorca

Jorge Manrique ha pasado a la historia de nuestras letras gracias a sus inmortales ‘Coplas por la muerte de su padre’, pero la obra poética del autor está constituida por un total de 49 poemas. Son unos 2.300 versos que se pueden agrupar por su temática en tres apartados: poesía amorosa, burlesca y moral.

Poesía amorosa de Jorge Manrique

Son 44 composiciones (un 75% del total de versos). No es una lírica original, ya que se inserta en la corriente del amor cortés, siguiendo los tópicos concebidos por los provenzales. Este sentimiento amoroso, con sus sutiles variantes, impregna toda la vida literaria castellana de estos últimos años del siglo XV.

Pero en este siglo la temática amorosa cortesana ya estaba muy repetida y gastada, y ahora ya, Manrique, como otros muchos poetas del XV, simplemente vuelve a emplear los tópicos de ese amor cortés (se reiteran temas, vocabulario, recursos poéticos…). En estos versos Manrique habla de damas y galanes, de los fuegos de los amadores, de siervos, de heridas de amor, de mal de ausencias, dolientes dulzuras, llagas mortales…

Para el poeta cortesano, el amor es el eje de la existencia, alabar a la dama y servirla es su única labor, hasta el punto de que puede convertirse en hereje cegado por ese amor. Manrique acepta la existencia del “muy alto Dios de amor / por quien mi vida se guía”, y en ocasiones desea la muerte como único camino de liberar su dolor y acabar con él.

En esta lírica, por tanto, Manrique no es original, predomina lo ritual y cuesta encontrar su voz propia. Generalmente no se abre a lo personal, por lo que esta poesía cuenta sobre todo con cierto valor histórico y literario en tanto que repiten motivos y actitudes comunes del estilo trovadoresco.

Lírica burlesca

Son tres composiciones. Estamos en el contexto del siglo XV, época de tensiones políticas e inestabilidad que ofrecen un buen terreno para el surgimiento de la burla y de la sátira, aunque en Jorge Manrique nunca llega a ser una sátira feroz sino más bien suave y humorística. Aquí encontramos un estudio de esta lírica bastante olvidada, realizado por Miguel de Santiago.

Se trata del poema burlesco titulado ‘A una prima suya que le estorbaba unos amores’ (nueve versos que juegan con el doble sentido y el equívoco), el más conocido y jocoso ‘Coplas a una beoda que tenía empeñado un brial en la taberna’ y finalmente ‘Un convite que hizo a su madrastra’, el más extenso y que iba dirigido a la que fue su cuñada y madrastra.

Lírica moral

Aquí se incluyen las cuarenta coplas dobles dedicadas a la muerte de su padre (480 versos) y 24 versos que, según la leyenda, se encontraron bajo la armadura de Manrique en el momento de su muerte. Son las Coplas las que confieren al poeta un puesto privilegiado en las letras castellanas y han oscurecido el resto de su obra.

Más información | Jorge Manrique, Coplas por la muerte de su padre, Poemas de Jorge Manrique

Romancero Gitano de Federico García Lorca apareció en julio de 1928 y alcanzó hasta siete ediciones en vida del autor. Su publicación puso fin a un proceso de escritura llevado a cabo, sustancialmente, entre 1924 y 1927. El título correcto del libro, que se mantuvo en portada y en las primeras páginas de las ediciones primitivas, fue ‘Primer Romancero Gitano’. La presencia del ordinal no debe entenderse como una implícita promesa de un segundo libro o, mucho menos, de una serie dedicada al tema. Obviamente debemos conceder a ese ‘primer’ un valor ponderativo de la originalidad del tema, con voluntad de llamar la atención sobre el mérito de poetizar el tema gitano por ‘primera vez’.

‘Romancero Gitano’ es el tercer libro de poemas publicado por Federico García Lorca (antes había aparecido el Libro de poemas, 1921, y Canciones, 1927), aunque otros dos libros suyos, Poema del cante jondo y Primeras canciones, estaban escritos antes de la publicación del Romancero (1921 y 1922 respectivamente). Después del Romancero aparecerá el Llanto por Ignacio Sánchez Mejías (1936), compuesto dos años antes de su publicación, Poeta en Nueva York (1940), elaborado diez años antes de ser publicado, y Diván del Tamarit (1940) cuya composición debió terminarse en 1936. A luz de esas fechas, ‘Romancero Gitano’ se nos presenta como libro central en la creación poética de Lorca.

Nos encontramos, en principio, ante una obra estructurada en dos bloques desiguales, con personalidad propia cada uno de ellos, dentro de una gran homogeneidad del libro como conjunto. El bloque primero, el más extenso y, sin duda, el principal, va desde el romance primero al decimoquinto. Contiene la personal visión de Lorca del mundo gitano o, con más propiedad, su personal invención de un mundo gitano que es autónomo, inconfundible, no identificable ni homologable con ninguna realidad existente. Un mundo que el poeta comienza a crear en el romance primero, cuando ve la luna acercarse a la fragua para llevarse consigo una incipiente vida gitana y que destruye en el decimoquinto, cuando los gitanos, embebidos en el trabajo que se les adjudicó en el romance primero (los gitanos en sus fraguas / forjaban soles y flechas), son brutalmente sorprendidos, saqueados, quemados y asesinados bajo idéntica presidencia luminosa de la luna. Una luna que en el romance primero era una luna llena (polisón de nardos), y que finalmente es una luna menguante y como ajena o despreocupada de la peripecia humana: la media luna soñaba / un éxtasis de cigüeña. Un mundo que se abrió entre nardos embriagadores y se cierra con siemprevivas, lorquiana flor de la muerte.

El bloque segundo, breve y sugerente, está compuesto por tres poemas históricos: romances decimosexto, decimoséptimo y decimoctavo, que sirven al poeta para dar, en pinceladas sueltas, su versión agitanada de unos cuadros histórico-legendarios.

Hasta por su misma extensión resultan destacados los cierres de ambos bloques del libro. Porque, teniendo los distintos romances una media de unos sesenta versos, los romances decimoquinto y decimoctavo destacan por su longitud. El decimoquinto se alarga hasta los ciento veinticuatro versos para narrarnos la destrucción del mundo gitano; el decimoctavo, con sus redondos cien versos, cierra el libro. En esta misma línea de observaciones cuantitativas y, por lo tanto, externas, hay que destacar que el romance primero, con sus treinta y seis versos, es el más breve del libro, subrayándose así su carácter de rápida y sugerente introducción.

Ambos romances extremos, el del bloque parcial y el del cierre definitivo, además de estas particularidades cuantitativas, presentan unas claves significativas de primera magnitud, que ayudan a entender por qué están necesariamente en el lugar concreto que ocupan en el libro. El decimoquinto, por la contestación que sus últimos versos ofrecen a la pregunta-estribillo que con anterioridad se siembra reiteradamente (¡Oh ciudad de los gitanos / ¿Quién te vio y no te recuerda?):

Que te busquen en mi frente.

Juego de luna y arena.

Destaco esos dos últimos versos porque es el propio poeta quien nos declara sin ambages que todo lo escrito anteriormente nace y se desarrolla exclusivamente en su imaginación. Por su lado, el romance decimoctavo ocupa justificadamente el cierre definitivo del libro por el tajo terminante y categórico que en él se da al género poético que hasta ese momento ha cultivado Federico, y que desde aquí claramente desecha, con David que con unas tijeras / cortó las cuerdas del arpa, últimos versos del romance final, que no es otro sino Federico culminando un ciclo poético.

En la mitad del libro se encuentran los tres romances dedicados a ciudades andaluzas. El romance octavo a Granada, simbolizada en San Miguel, el noveno a Córdoba, representada por San Rafael, y el décimo a Sevilla, encarnada por San Gabriel. Los tres poemas dividen el primer bloque en dos. Los poemas anteriores, del primero al séptimo, tienen como figura central a la mujer gitana, mientras que los posteriores, del undécimo al decimoquinto, es el hombre quien lleva el peso de los romances. Curiosamente, los tres romances dedicados a las ciudades, de nombre y alma femenina, son evocados bajo las figuras de tres santos varones. En el sector dedicado a la mujer gitana el lugar central lo ocupa el Romance sonámbulo, uno de los poemas más grandes que se han escrito en lengua castellana y que trataré en un futuro post.

En ‘Romancero Gitano’ Lorca mezcla sabiamente rasgos de raíz clásica con elementos vanguardistas. Por un lado, recoge la tradición de los romanceros españoles, comenzando sus poemas ‘in media res’ y dejando un final abierto o inacabado en muchas ocasiones, haciendo uso del narrador para sus descripciones y dando voz a los personajes, con diálogos de estilo directo que no están introducidos por verba dicendi. En esta misma dirección hacia lo clásico debemos destacar las múltiples anáforas, repeticiones y formas paralelísticas que inundan todo el poemario, así como el tema y las maneras, muy populares o tradicionales, al igual que la simbología: el caballo como paradigma de la pasión, la luna (que aparece 218 veces) como alegoría de la muerte o el uso de la flora, como las rosas o las siemprevivas como símbolos de la sangre y la muerte, respectivamente.

En cuanto a lo vanguardista, destaca sobre todo su sin par uso de la metáfora como base de la imagen, elemento principal de todos los poemas. Todo ello da como resultado un romancero del siglo XX, uniendo los romances tradicionales y del Siglo de Oro (sobre todo de su admirado Góngora) con las rompedoras vanguardias de comienzos de siglo.

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Rosalía de Castro fue muy poco valorada en sus tiempos fuera de Galicia. En el resto del Estado el Romanticismo y el Realismo dominaron el siglo XIX. Primero Bécquer, Larra o Espronceda y después Galdós, Clarín o Valera fueron los autores más leídos y Rosalía, que no fue ni romántica (aunque escribió algunas obras de corte romántico) ni realista, se vio injustamente ensombrecida.

En 1876 Rosalía recibió un duro golpe en su ya de por sí débil ánimo: su séptimo hijo, Alejandro, de tan sólo dos años, muere por una caída en un accidente doméstico. Sólo un año después da a luz a Valentina, que nace sin vida. Estos dos terribles acontecimientos sumieron a Rosalía en una profunda crisis vital que ya nunca le abandonó.

En 1880 publica en La Habana un nuevo poemario en gallego, Follas Novas, que en un principio fue concebido como una continuación de ‘Cantares Gallegos’. De hecho, el 40% de los nuevos poemas tienen afinidad con el texto publicado en 1863, mientras que el resto presentan un diferente espíritu poético, motivado por el alejamiento de su tierra, las desgracias familiares y sus dolencias físicas y mentales.

Estamos, por lo tanto, ante una poética que ahonda en sus más profundos sentimientos, en su inabarcable dolor, en sus miedos, en la morriña, y que tiene por horizonte la frontera del propio ser. El poema que mejor expresa el alma rosaliana y, con ella, la de toda Galicia, tan injustamente maltratada durante siglos es Negra Sombra (aquí, la traducción al castellano):

Cando penso que te fuches,

Negra sombra que m’asombras,
Ô pe d’os meus cabezales
Tornas facéndome mofa.

Cando maxino qu‘ês ida
N’o mesmo sol te m’amostras,
Y eres a estrela que brila,
Y eres o vento que zoa

Si cantan, ês tí que cantas,
Si choran, ês tí que choras,
Y-ês o marmurio d’o rio
Y-ês a noite y ês a aurora

En todo estás e ti ês todo
Nin m’abandonarás nunca,
Pra min y en min mesma moras,
Sombra que sempre m’asombras.

‘Follas Novas’ supone la ontología de Rosalía, que se desnuda emocionalmente, desahogando su corazón sin intenciones filosóficas o didácticas y haciéndolo desde un plano metafísico. A pesar de que escribió sus obras más importantes en gallego (‘Cantares Gallegos’ y ‘Follas Novas’), sólo publicó una obra más en dicha lengua: un libro de cuentos titulado Contos da miña terra (1864).

En castellano compuso nueve obras en prosa y tres en verso, entre las que siempre ha destacado En las orillas del Sar (1884), la última de sus obras publicadas antes de morir. Sus versos intimistas y su pureza de formas la sitúan al lado de Bécquer como los poetas que introdujeron la modernidad (tanto en las ideas, la forma o la experimentación rítmica) en la literatura española decimonónica.

Vivió sus últimos años, enferma y amargada, en Padrón, en una casa alquilada por la familia conocida como la ‘Casa da Matanza’, que ahora es su casa-museo. Muere de cáncer en 1885 y es enterrada en el camposanto de Andina, pero desde 1891 descansa en el Panteón de Galegos Ilustres, en la iglesia de San Domingos de Bonaval (Santiago de Compostela).

Sus últimos instantes de vida los conocemos gracias a una narración de González Besada:

Recibió con fervor los Santos Sacramentos (…) Encargó a sus hijos que quemasen los trabajos literarios que, reunidos y ordenados por ella misma, dejara sin publicar, dispuso ser enterrada en el cementerio de Adina, y pidiendo un ramo de pensamientos, su flor predilecta, nada más se las acercaron a los labios, sufrió un ahogo que fue el comienzo de su agonía. Delirante, y nublada la vista, le dijo a su hija Alejandra: ‘Abre esa ventana, que quiero ver el mar’, y cerrando los ojos para siempre, expiró.

Un final que es poesía pura: desde Padrón no se ve el mar. Para terminar, os invito a que veáis este vídeo en el que Luz Casal interpreta ‘Negra Sombra’, acompañada por un pianista, que pone los pelos de punta hasta al más insensible.

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En Papel en blanco | Rosalía de Castro, escritora a pesar de todo, Rosalía de Castro, la voz de un pueblo (I)