Supongo que está de más decirlo, pero no me sé resistir: aconsejo encarecidamente la lectura del post anterior para contemplarlo como un todo junto a esta nueva entrega. Como ya anuncié en el artículo precedente, éste lo dedicaré al análisis interno de la canción, o poema, como se quiera. Al final del texto vuelvo a transcribir los versos para facilitaros la consulta. Comienzo pues:

En la primera parte de la canción, el poeta se presenta como un hijo del Mar, donde nació, pasó su infancia y adolescencia, donde se formó como hombre y se convirtió en portador de la esencia del Mediterráneo. Un mar, como vemos seguidamente, que funciona como elemento unificador de los pueblos a los que baña, de las diferentes culturas que han florecido a su alrededor.

Aquí nos encontramos con un verso especialmente bueno: de Algeciras a Estambul. Este octosílabo nos proyecta una imagen: ‘de Algeciras a Estambul’ = ‘de una punta a otra del Mediterráneo’. Bien, pues si nos fijamos en su acentuación, la sinalefa inicial le roba protagonismo al acento natural (que recaería en ‘ci’), por lo que en realidad es cantado así: ‘de Algeciras a Estambul‘, es decir, los acentos fuertes recaen en las primera y última sílabas; dicha acentuación refuerza la imagen, la forma ahonda en el contenido: de una punta del verso a la otra, de una punta del Mediterráneo a la otra.

Este bloque se cierra con un pareado que nos habla del alma del Mare Nostrum, el mar que más imperios ha visto crecer y desmoronarse, el mar que fue una herramienta de comercio (no sólo de bienes materiales) y también un campo de batalla. Después llegamos al primer grupo de tercetillos, que acompañan el cambio musical; el primero de ellos es, sencillamente, una genialidad:

A tus atardeceres rojos

se acostumbraron mis ojos
como el recodo al camino.

En mi humilde opinión, tres de los mejores versos que se han escrito nunca en lengua castellana, un símil cuya belleza es totalmente insuperable, un verdadero prodigio que me pone los vellos de punta cada vez que lo oigo. Es tan potente la figura que el poeta se ve obligado a no retocar el primer verso, endecasílabo, para que mida igual que los demás, sino que lo arregla comenzándolo con rapidez y prácticamente en anacrusa musical, por lo que podríamos decir que más que un verso de nueve sílabas es un 1+8.

A continuación, el siguiente tercetillo, el poeta deja de hablarnos del mar y se describe a sí mismo: cantor, embustero, con alma de marinero: un hijo del Mediterráneo. Y acaba esta primera parte con una pregunta al aire muy significativa, con la que declara que no podría ser de otra manera, no podría ser otra cosa que un mediterráneo.

En el siguiente bloque el poeta cambia de nuevo su voz, deja de dirigirse al Mediterráneo y nos habla directamente a nosotros. Nos pide que, cuando muera, lo enterremos cerca del Mar. Para ello utiliza una figura mitológica, la ‘parca’. En la mitología romana, las parcae eran las personificaciones del fatum o destino, al que estaban sujetos hasta los mismísimos dioses. La Nona (Cloto en la mitología griega) hilaba el hilo de la vida, la Décima (Láquesis) lo medía y la Morta (Átropos) lo cortaba, eligiendo el momento y la manera de morir de cada uno. A esta última recurre Serrat para hablar de su muerte.

Toda la segunda parte de la canción gira alrededor de la muerte del poeta y sus ulteriores deseos. Se personifica en una barca de la que el propio mar se encargará de romper sus velas (‘dejad que el temporal / desguace sus alas blancas’). De este modo, su muerte no será su final, sino un vehículo para volver a su origen, el Mar, con el que quiere fundirse. Y es que no sólo quiere ser enterrado en un lugar alto para tener buenas vistas, sino que pretende formar parte del ciclo de la vida convirtiéndose en alimento de los pinos y la genista.

En conclusión y volviendo a lo que reza en el título de esta serie, el poeta le canta una oda a su mar. El Mediterráneo es su musa, su amada y su amante; la materia prima de su ser, un símbolo de la infancia perdida y el camposanto donde quiere descansar eternamente. ‘Mediterráneo’ es una canción popular, sin duda alguna, pero no por ello deja de ser un poema bellísimo, con una estructura interna muy trabajada, una unión que engrandece a Joan Manuel Serrat hasta hacerse merecedor del título de Poeta del Pueblo.

‘Mediterráneo’ interpretada por Serrat en 1974

En Papel en Blanco | ‘Mediterráneo’ de Joan Manuel Serrat, una extraordinaria oda de un poeta a su mar (I) | ‘Mediterráneo’ de Joan Manuel Serrat, una extraordinaria oda de un poeta a su mar (II)
Foto | prakhar
Vídeo | Youtube

Joan Manuel Serrat escribe canciones que son poemas acompañados de música. Mayoritariamente crea sus composiciones atendiendo a unas normas en relación a la rima, la métrica y la prosodia, algo cada día menos habitual en el mundo de la música. Podría decirse que le queda pequeña la etiqueta de cantautor; sería más acertado pensar en él, con un velo contemporáneo, como rapsoda.

Mediterráneo está compuesto por 12 estrofas de tres sílabas que podríamos llamar, siendo un poco elásticos, tercetillos, y 6 pareados, repitiendo cuatro veces la estructura 3-3-2. La versificación es isosilábica con la excepción del imparisílabo ‘A tus atardeceres rojos’, que tiene una sílaba más que el resto, octosílabos todos ellos. Para que resulte más sencillo entender mi análisis he redistribuido los versos de modo diferente (podéis ver el original en el primer post):

Cambio la versificación original por una estructura 2-4-2, 2-4-2, 3-3-2, que se repite una segunda vez. Escojo esta estructura atendiendo al ritmo que impone la música, provocando que, entre el segundo y el tercer verso, el poeta haga una pausa versal que aísla al tercer verso y lo une, en encabalgamiento abrupto, al siguiente tercetillo. Ésto se repite tres veces más a lo largo de la canción, pero mantengo dos grupos de tercetillos que Serrat canta seguidos respondiendo al cambio rítmico de la música.

Así pues hablamos de que el poema se forma por dos grupos de “pareado-redondilla-pareado”, con los pareados de rima libre, asonante o consonante según el caso, y las redondillas de rima más bien asonante, y dos tercetillos, de rima consonante, que acaban con dos versos que pueden considerarse lo más parecido que hay en la canción a un estribillo: “(...) nací en el Mediterráneo”.

Repárese en que no sólo la música apoya esta distribución, sino que existen otros marcadores, como la rima, que en los tercetillos que mantengo es consonante, frente a la asonancia de las redondillas y la libertad de los pareados. También los dos versos sueltos, “Yo” y “Ay”, que aparecen conectados con los siguientes y situados en anacrusa musical, están situados justo entre las dos parejas de estructuras 2-4-2. Y esos pareados que entendemos como pseudo-estribillos cierran cada uno de los dos grupos.

Pero lo que me ha empujado empujado definitivamente a esta reorganización ha sido la prosodia. En medio de la autopsia que le hice a la canción me encontré con algo que no se ve desde fuera, una pauta que aparece y desaparece de un modo quizá inconsciente hasta para el compositor, pero que sin duda alguna responde a la propia música interna que tiene el poema. En las estructuras que me ha dado por llamar 2-4-2 nos encontramos con muchas 5ª sílabas átonas que reciben una mayor acentuación (subrayadas en el texto), algunas veces por encima de las tónicas naturales. Esto es: pronombres átonos, preposiciones, sinalefas varias, etc… que reciben una acentuación que no merecerían en una lectura a capella, pero que sí reciben al cantar la canción.

No en vano, en el único verso que se repite, ‘nací en el Mediterráneo’, también la 5ª sílaba (‘di’) es acentuada siendo átona. Sería estéril tratar de discernir por qué razón se da esta curiosidad: como ya dije, tiene que ver con la música interna del poema pero también tiene mucho que ver el propio estilo de Joan Manuel como cantante, algo que a buen seguro tendrá muy en cuenta su Yo-Poeta durante la creación.

Tras estas primeras consideraciones formales, en el siguiente post trataré de su contenido, sumergiéndonos en el significado de sus versos para empaparnos con su inmensa belleza.

En Papel en Blanco | ‘Mediterráneo’ de Joan Manuel Serrat, una extraordinaria oda de un poeta a su mar (I)

Joan Manuel Serrat es un poeta, en el más amplio sentido de la palabra. Primero porque sus letras tienen una calidad y una profundidad digna de cualquier autor estudiado en Literatura Contemporánea. Segundo porque no sólo escribe, sino que compone música para sus letras, como los antiguos aedos grecorromanos o los trovadores medievales, con los que está emparentado directamente al compartir con ellos el primigenio sentido de la poesía, cuando la lírica no se concebía sin música, sino como la perfecta simbiosis entre ésta y la palabra.

Y por último porque los genios siempre se reconocen entre ellos y Serrat ha musicado y cantado composiciones de gente como Antonio Machado, Miguel Hernández, Rafael Alberti, León Felipe, Luis Cernuda, Joan Salvat-Papasseit, Josep Carner, Pere Quart, Mario Benedetti, Eduardo Galeano, Luis García Montero...

Muchas veces solemos caer en minusvalorar a los artistas populares, aquellos reconocidos de manera (casi) unánime por el vulgo, mientras que lo verdaderamente extraordinario se mueve por rincones oscuros, lejos de la luz de los focos. Una gran mentira creada por los elitistas y secundada por los snobs. En España, el País de la Envidia, no es nada nuevo; recordemos, por ejemplo, como Góngora siempre anheló tener el reconocimiento popular del que disfrutaba Lope de Vega mientras éste ansiaba el prestigio académico de aquél.

Sea por lo que fuere, los artistas rara vez logran reunir acólitos a los dos lados de esa absurda frontera. Joan Manuel Serrat es uno de ellos, tan admirado por sus colegas (poetas, cantantes, escritores…) como reconocido por la crítica. Y lo que es más importante: honrado por el pueblo que, al cantar sus canciones, ha introducido la obra del de Poble-sec dentro de la cultura popular común.

De entre toda su obra original mi canción preferida no es otra que Mediterráneo, escogida en 2004 como la mejor canción popular española y perteneciente al disco homónimo publicado en 1971.

El álbum ‘Mediterráneo’ es, en palabras de su autor, “un puñado de canciones que se escribieron entre agosto y noviembre de 1971 en Calella de Palafrugell (Girona), Fuenterrabía (Guipúzcoa) y Cala d’Or (Mallorca). Siempre junto al mar”. La primera pista, que da nombre al disco, tuvo un primer título que era ‘Amo al mar’ y un segundo titulo provisional que fue ‘Hijo del Mediterráneo’. A continuación transcribo la letra de dicha canción acompañada con un vídeo y os convoco para el siguiente post, donde entraré a analizar la canción como el gran poema que es.

‘Mediterráneo’, de Joan Manuel Serrat

En 1935 la Editorial Nós, dirigida desde Santiago de Compostela por Ánxel Casal, editó un librito titulado Seis poemas galegos, cuyo autor no era otro que Federico García Lorca. A día de hoy, dicho poemario aún es una joya desconocida por muchos amantes de Lorca, tanto en Galicia como en el resto del mundo. Incluso me atrevería a decir que ha sido intencionadamente ensombrecido, pues dentro del minfundismo mental que impera en España, este libro resultó incómodo para los nacionalistas trasnochados, lo mismo gallegos como castellanos.

Los seis poemas son Madrigal á cibdá de Santiago (“Madrigal a la ciudad de Santiago”), Romaxe de Nosa Señora da Barca (“Romería de Nuestra Señora De La Barca”), Cantiga do neno da tenda (“Cantiga del niño de la tienda”), Noiturnio do adoescente morto (“Nocturno del adolescente muerto”), Canzón de cuna pra Rosalía de Castro, morta (“Canción de cuna para Rosalía de Castro,muerta”) y Danza da lúa en Santiago (“Danza de la luna en Santiago”).

Lorca, hijo de Granada, poeta en lengua castellana, ya era entonces una figura reconocida no sólo en España, sino en toda Europa, tras haber publicado ‘Romancero Gitano’ y ‘Poeta en Nueva York’. El de Fuente Vaqueros visitó Galicia en varias ocasiones y sintió algo especial por sus verdes paisajes oscurecidos por un cielo encapotado de manera casi perenne, por las calles empedradas de sus ciudades a las que la lluvia dotaba de un manto gris y, como no, por su humilde pueblo y su lengua, que habían sobrevivido sin la ayuda de nadie y a pesar del odio de muchos. El gallego le pareció una herramienta perfecta para poetizar, pues encontraba que era muy sonoro (siempre se dice que los gallegos hablamos como cantando), con una música interna que quería aprender a tocar.

Para componer los seis poemas que escribió en gallego contó con la ayuda de Eduardo Blanco Amor, novelista que manejaba perfectamente tanto su idioma como el castellano, autor de ‘A esmorga’ (“La parranda”), sin duda alguna una de las mejores novela escritas en gallego (si no la mejor). El ourensán confesó que su intervención se limitó a la “puramente ortográfica, en algunos casos métrica”, aunque anteriormente había hablado de una participación un poco más amplia. De lo que no cabe duda es que Lorca poetizó en gallego, lo que supone uno de los mayores actos de amor que un extranjero le ha dedicado a Galicia.
El poema se trata de un madrigal, hecho que Lorca aclara con el título, ya que la ortodoxia dicta que dicha composición debe combinar versos heptasílabos y endecasílabos, mientras que aquí el poeta lo adapta a versos pentasílabos y ocotosílabos. Como veréis, no es un poema de compleja interpretación, pues no se trata de otra cosa que lo que anuncia el título: un canto a Santiago de Compostela, la ciudad de piedra de la que Lorca como tantos otros se quedó enfeitizado, enmeigado, engaiolado (algunas de las muchas formas de decir ‘hechizado’ en gallego), punto final del Camino que lleva su nombre, el Camino de Santiago, el Compostellae, el Campo de Estrellas.

A continuación os transcribo el poema y os adjunto una traducción. El original lo copio de una edición de Akal Editor, publicada en 1974 en las cuatro lenguas oficiales del Estado español. Para la traducción me apoyé en la que viene en dicha publicación, hecha por Ánxel Fole (que conoció a Lorca), aunque le introduje ciertas variantes por no estar de acuerdo con algunas soluciones del lucense. Tras los versos os encontraréis con un vídeo con dicho poema musicado por Luar Na Lubre, cuando aún era un grupo que valía la pena escuchar.

‘Chove en Santiago’, de Luar Na Lubre

Vídeo | Youtube

En Papel en Blanco vamos a dedicarle un Especial a Miguel Hernández ahora que se cumplen cien años de su nacimiento. Para ir abriendo boca, os traigo este vídeo con el primer single de Hijo de la luz y la sombra, el nuevo disco de Joan Manuel Serrat y segundo que le dedica al poeta ilicitano oriolano. Ya os hablé del álbum y sus problemas de publicación en su momento; finalmente, verá la luz el próximo día 23, mientras que la gira comenzará cuatro días después, el 27, en Elche, ciudad muy querida por el poeta, a la que se trasladó su familia y donde descansan los restos de su hijo Manuel Miguel, al que dedicó esa maravilla llamada ‘Nanas de la cebolla’.

El disco está compuesto por trece canciones con otros tantos poemas de Miguel Hernández; entre los escogidos están algunos de mis preferidos, como Del ay al ay por el ay o Tus cartas son un vino. La composición que da título al disco es la encargada de cerrarlo y, paradójicamente, la elegida por Serrat para dar a conocer el álbum.

El poema está formado por 30 serventesios de versos alejandrinos, divididos en tres grupos temáticos: ‘Hijo de la sombra’, ‘Hijo de la luz’ e ‘Hijo de la luz y la sombra’. Serrat, ya adelantó que se ha acercado a Hernández “sin objetividad y con gran admiración”, a lo que yo añado otra virtud: con valentía. Para musicarlo utilizó la primera parte del poema, eligiendo varias estrofas y un estribillo maravilloso. Tras el vídeo os dejo una transcripción de dicha parte y un enlace para disfrutar del poema en su totalidad.

No me enrollo más porque para saber algo más sobre el disco podéis acudir a mi anterior post y todo lo que diría a mayores prefiero reservarlo para el Especial. Sin más dilación, os dejo con el vídeo:

Hijo de la luz y la sombra

Eres la noche, esposa: la noche en el instante

mayor de su potencia lunar y femenina.
Eres la medianoche: la sombra culminante
donde culmina el sueño, donde el amor culmina.

Forjado por el día, mi corazón que quema
lleva su gran pisada del sol adonde quieres,
con un sólido impulso, con una luz suprema,
cumbre de las montañas y los atardeceres.

Daré sobre tu cuerpo cuando la noche arroje
su avaricioso anhelo de imán y poderío.
Un astral sentimiento febril me sobrecoge,
incendia mi osamenta con un escalofrío.

El aire de la noche desordena tus pechos,
y desordena y vuelca los cuerpos con su choque.
Como una tempestad de enloquecidos lechos,
eclipsa las parejas, las hace un solo bloque.

La noche se ha encendido como una sorda hoguera
de llamas minerales y oscuras embestidas.
Y alrededor la sombra late como si fuera
las almas de los pozos y el vino difundidas.

Ya la sombra es el nido cerrado, incandescente,
la visible ceguera puesta sobre quien ama;
ya provoca el abrazo cerrado, ciegamente,
ya recoge en sus cuevas cuanto la luz derrama.

La sombra pide, exige seres que se entrelacen,
besos que la constelen de relámpagos largos,
bocas embravecidas, batidas, que atenacen,
arrullos que hagan música de sus mudos letargos.

Pide que nos echemos tú y yo sobre la manta,
tú y yo sobre la luna, tú y yo sobre la vida.
Pide que tú y yo ardamos fundiendo en la garganta,
con todo el firmamento, la tierra estremecida.

El hijo está en la sombra que acumula luceros,
amor, tuétano, luna, claras oscuridades.
Brota de sus perezas y de sus agujeros,
y de sus solitarias y apagadas ciudades.

El hijo está en la sombra: de la sombra ha surtido,
y a su origen infunden los astros una siembra,
un zumo lácteo, un flujo de cálido latido,
que ha de obligar sus huesos al sueño y a la hembra.

Moviendo está la sombra sus fuerzas siderales,
tendiendo está la sombra su constelada umbría,
volcando las parejas y haciéndolas nupciales.
Tú eres la noche, esposa. Yo soy el mediodía.

Vía | El Periódico
En Papel en Blanco | Joan Manuel Serrat vuelve a cantar a Miguel Hernández | Regalos para Navidad: discos de nuestros poetas
Más Información | ‘Hijo de la luz y la sombra’, versión completa del poema de Miguel Hernández

Vídeo | Youtube

La forma original del poema que analizábamos es:

Coesper erat: tune lubriciles ultravia circum Urgebant gyros gimbiculosque tophi; Moestenui visae borogovides iré meatu; Et profugi gemitus excrabuere rathae.

También nos damos cuenta de un vistazo que está escrito en latín. Y lo mismo sucede en francés. En resumen: el lenguaje funciona de una forma mucho más económica de lo que tendemos a pensar.

Las palabras forman parte de extensos clanes y grupos, y todavía podemos reconocer el parentesco existente entre ellas. Pero lo más asombroso es que, a pesar de su economía, el lenguaje nos proporciona un excedente de información; nos informa dos o tres veces de lo mismo, como ocurre en la expresión “agiliscosos giroscaban los ligazones”. Lo explica Dietrich Schwanitz:

En el caso de “limazones”, se nos dice tres veces que se trata de un plural: así nos lo indica la terminación “-s” de “limazones”, la terminación “-n” de “giroscaban” y la terminación “-s” de “agiliscosos”. Pero ¿para qué tanto derroche? Respuesta: las redundancias evitan posibles pérdidas de información.

Y ahora os copio el resto de este poema construido con palabras sin sentido. Su título es Gahmatazo. La traducción al español es de Jaime de Ojeda. Su origen, sin embargo, es incierto. Había un poema parecido en inglés, Lewis Carroll lo completó e hizo que la pequeña Alicia encontrase su imagen invertida en el país situado al otro lado del espejo.

¡Cuídate del Galimatazo, hijo mío! ¡Guárdate de los dientes que trituran y de las zarpas que desgarran! ¡Cuídate del pájaro Jubo-Jubo y que no te agarre el frumioso Zamarrajo! Valiente empuñó el gladio vorpal; a la hueste manzona acometió sin descanso; luego, reposóse bajo el árbol del Tántamo y quedóse sesudo contemplando. Y así, mientras cavilaba firsuto, ¡¡hete el Galimatazo, fuego en los ojos, que surge hedoroso del bosque turgal y se acerca raudo y borguejeandoü ¡Zis, zas y zas! ¡Una y otra vez zarandeó tijereteando el gladio vorpal! Bien muerto dejó al monstruo, y con su testa ¡volvióse triunfante galompando! ¿Y haslo muerto? ¿Al Galimatazo? ¡Ven a mis brazos, mancebo sonrisor! ¡Qué fragarante día! ¡Jujurujúu! Jay, jay! Carcajeó, anegado de alegría. Brillaba, brumeando negro, el sol; agiliscosos giroscaban los limazones banerrando por las váparas lejanas; mimosos se fruncían los borogobios mientras el momio rantas murgiflaba.

Existen palabras que, de mucho repetirlas, acaban por desprenderse de su significado. Por ejemplo, “cuchara”. Probadlo. Al final la palabra ya no estará tan fuertemente asociada al objeto que todos entendemos como cuchara, sino que será algo así como una sucesión de fonemas sin sentido.

También existen palabras que, desde un primer momento, ya no tienen significado, pero que son ampliamente usadas; e incluso fácilmente entendibles por todos. Un ejemplo de ello son las jitanjáforas: palabras que se suelen emplear en el ámbito poético pero que de buen seguro no figuran en ningún diccionario. Su creación se basa exclusivamente en que suenan bien.

La mayoría de nuestras necesidades diarias para entendernos con los demás queda cubierta con un vocabulario relativamente reducido, del que, sin embargo, obtenemos un gran rendimiento.

Por ejemplo, el término “poner” puede proporcionarnos un gran abanico de palabras cuando lo combinamos con distintos prefijos: anteponer, componer, contraponer, deponer, disponer, exponer, imponer, reponer, etc. O con toda una serie de términos emparentados con ellos, como disponible, composición, etc.

A la vez, gran parte de la significación de un término ha sido establecida por la combinación de diferentes tipos de palabras, cuya variación está sometida a unas reglas más o menos fijas: Yo (pronombre personal) debo (verbo auxiliar) lavar (verbo principal) el (artículo) coche (sustantivo).

Puedo reconocer estos tipos de palabras aunque no conozca el significado de los sustantivos, verbos y adjetivos.

Lo podéis comprobar con la traducción española de un conocido poema inglés carente de sentido (primera estrofa):

Brillaba, brumeando negro, el sol; agiliscosos giroscaban los limazones banerrando por las váparas lejanas; mimosos se fruncían los borogobios mientras el momio rantas murgiflaba.

Cualquiera de nosotros puede reconocer que está leyendo en español. También reconocerá oraciones castellanas completas cuya estructura gramatical las hace irreductibles a un simple amontonamiento de palabras, como nos indica la forma en que las palabras están conectadas entre sí.

Por ejemplo, la palabra terminada en “ando” (brumeando), exige un tipo determinado de palabra: o un sustantivo o un adjetivo. El adjetivo “agilicosos” determina la secuencia siguiente, compuesta por un verbo en pretérito en tercera personal del plural (giroscaban) y un sustantivo (los ligazones).

Así pues, tenemos suficientes pistas para completar todos los tipos de palabras.

En inglés, sin embargo, esta estrofa ofrece un aspecto muy diferente:

Twas brillig and the slithy toves did gyre and gimble in the wabe all mimsy were the borogoves and the mome raths outgrabe.

Como dice Dietrich Schwanitz:

Admitido: se trata de un inglés poético un tanto anticuado; así nos lo indica la contracción ‘Twas (it ivas), la partícula enfática did ante gyre and gimble —pese a que la oración no es ni negativa ni interrogativa (nos acordamos de la regla que se nos enseñó cuando aprendíamos inglés: en las oraciones negativas e interrogativas, el verbo ha de estar precedido por to do: Doyou understand?)— y la antigua forma de imperfecto outgrabe. Naturalmente, seguimos sin saber exactamente qué significa el texto.

En la siguiente entrega de este artículo continuaremos analizando este extraño poema con palabras inventadas que, sin embargo, podemos entender relativamente.

Vía | Cultura de Dietrich Schwanitz

En el pasado mes de Agosto, os hablé de una noticia que supuso una pequeña pero agradable sorpresa para todos los amantes de la Generación del 27: Rafael Zarza y Fernando González de Canales, con la colaboración del Instituto Cervantes y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), habían realizado un documental a partir de una serie de grabaciones inéditas filmadas por Juan Guerrero que suponían las únicas imágenes en movimiento de la Generación del 27, grabadas en el momento en que, como os decía entonces, aquellos poetas estaban cambiando el mundo.

El documental, El deseo y la realidad. Imágenes y palabras de los poetas del 27, ha podido verse en más de setenta Centros internacionales del Instituto Cervantes a partir de noviembre de 2009, y, según acabo de ver en la página de la SECC, ya está disponible en DVD. La imagen que encabeza el post se trata del manuscrito del poema que Jorge Guillén escribió en 1984. Cuando Rafael Zarza le enseñó las grabaciones que había encontrado, Guillén se sintió tan emocionado que la inspiración le llevó a escribir esta composición, titulada Misterioso y que, según se dice, surgió de la última visita de las musas al escritor vallisoletano, fallecido poco después (podéis ver una transcripción en el post anterior).

Dicho poema aparece en el documental, en el que, además de las grabaciones, también se exhiben una serie de fotografías inéditas. En el siguiente vídeo podréis ver un avance del mismo que, espero que os emocione o, al menos, os despierte cierto revuelo en el estómago. En él aparecen, según dicen, Cernuda, Lorca, Alberti, Salinas, Guillén, Guerrero y otros, aunque yo a Federico no lo reconozco (si lo localizáis, decídmelo, por favor):

Vía | Algún día en alguna parte | Revista de Arte
En Papel en Blanco | Ven la luz unas grabaciones con imágenes inéditas de la Generación del 27
Más información | Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales

En la línea de recomendaciones navideñas que os estamos trayendo al blog se me ha ocurrido invitaros a que estas Navidades penséis en el rotundo acierto que sería regalar un disco con poemas de nuestros grandes poetas. Porque este tipo de regalos es de los que cumple la máxima Docere, Movere et Delectare (Enseñar, Conmover y Deleitar).

Las literaturas panibéricas (esto es: no sólo la escrita en castellano) son riquísimas en poetas cuyos versos tienen tal musicalidad que invitan a ser cantados, devolviendo a la lírica a su estado primigenio, cuando no se concebía sin instrumentos que acompañaran a la voz. A mí me gustan las recitaciones a capella pero mi capacidad de concentración me impide atender durante mucho tiempo, algo que no me ocurre con la poesía musicada. La lista que sigue recoge algunos de esos discos que me parecen imprescindibles en la colección de toda amante de la poesía. Todos ellos están dentro de la colección de Spotify, así que os dejo el enlace para los que tengáis este programa (los que no lo conozcáis podéis encontrar más información en Hipersónica).

‘Rosalía de Castro’, de Amancio Prada

Amancio Prada nació en Devesas (El Bierzo, León), en el seno de una familia gallegohablante y siempre ha sido un adalid de la defensa del uso del gallego en los territorios colindantes con Galicia. Tras treinta años de carrera puede decirse que es el mejor embajador de la lírica gallega en el mundo.

Ha actuado en las grandes capitales del mundo, dando a conocer las cantigas de los poetas medievales. Ha cantado las composiciones neotrovadorescas de Álvaro Cunqueiro y musicado la tradición oral. Pero no sólo es un admirador de la literatura gallega, pues ya en su sexto trabajo le hizo un homenaje a San Juan de la Cruz que le hizo merecedor de la Medalla del IV Centenario del poeta místico, al que dedicó un segundo álbum en 2004. Asimismo, dos de sus discos están basados en poemas de Lorca, Sonetos de amor oscuro y Sonetos y canciones de Federico García Lorca.

Con lo cual, la mayoría de sus trabajos serían una magnífica sugerencia para realizar un regalo a, por ejemplo, cualquiera de los miles de gallegos que andan emigrados por el mundo. Pero el que os quiero recomendar especialmente es Rosalía de Castro, su segundo disco, publicado en 1975, dedicado enteramente a la poetisa gallega. Es sin duda el cantautor que mejor ha entendido la lírica rosaliana, consciente de su trascendencia:

El pueblo, la gente ha hecho suya su poesía, de igual modo que Rosalía, a su vez, había hecho suyos versos de coplas populares, tomándolos como motivo de inspiración y punto de partida.

Este disco es toda una delicia, para los oídos y para el alma. Contiene poemas de Follas Novas y En las orillas del Sar, entre ellos una versión de Adiós ríos, adiós fontes que ya forma parte de la cultura popular gallega, prueba inequívoca de que Amancio Prada ha aportado mucho en la labor de poner a Rosalía en el lugar que merece.

Sitio Oficial | Amancio Prada
En Spotify | ‘Rosalía de Castro’, de Amancio Prada

‘Dedicado a Antonio Machado, poeta’, de Joan Manuel Serrat

Cantares, la primera pista de este álbum es, muy probablemente, la canción basada en un poema más conocida en España. “Caminante no hay camino / se hace camino al andar” son dos de los versos más célebres de la poesía española y mucha gente los descubrió gracias a Joan Manuel Serrat. Aún hoy no falta quien, al escucharla por unos altavoces, se arranque con aquello de “Golpe a golpe, verso a verso”.

Este disco, editado en 1969, supuso un éxito de ventas a pesar del veto que existía sobre su autorRosalía de Castro, que impedía incluso la promoción por radio de sus trabajos. La inmensa fama de su primer tema no debe hacernos caer en el desprecio hacia el resto del álbum, porque en verdad no tiene pérdida.

Especial mención merecen, para mí, la divertidísima Las moscas, o la sobrecogedora La Saeta, o la melancólica A un olmo seco, o la maravillosa elegía Llanto y coplas...

Sitio Oficial | Joan Manuel Serrat
En Spotify | ‘Dedicado a Antonio Machado, poeta’, de Joan Manuel Serrat

‘Miguel Hernández’ e ‘Hijo de la luz y de la sombra’, de Joan Manuel Serrat

De ambos discos ya os hablé en un anterior post, pero vuelvo a traerlos a colación para estas recomendaciones. El primero fue publicado en 1972 y el segundo se acaba de editar. Con su primer acercamiento a Miguel Hernández, Serrat hizo justicia a uno de los poetas peor tratados, tanto por sus contemporáneos como por la historia, y con este último cumple con la obra de Hernández al poner música a una parte de la obra menos conocida del poeta oliorano.

El primer álbum contiene tres de los poemas más emocionantes y conmovedores escritos en castellano: Menos tu vientre, un canto de amor a la mujer como dadora de vida, Elegía, estremecedora expresión de pena por la muerte de su amigo Ramón Sijé, y Nanas de la cebolla, emotiva lección vital a su hijo escrita desde la prisión. Sobre el segundo aún no os puedo hablar más que de los poemas que incluye porque estaba anunciado que saliera a la venta el 24 de Noviembre, pero la problemática negociación con los representantes de la familia Hernández lo ha impedido, así que quizá no nos llegue a tiempo de convertirse en un regalo de Reyes. En el post anterior podréis saber más sobre él, leer uno de los poemas de este disco y un vídeo de ‘Nanas de la cebolla’.

Sitio Oficial | Joan Manuel Serrat
En Spotify | ‘Miguel Hernández’, de Joan Manuel Serrat

‘Lorquiana’, de Ana Belén

En mi último cumpleaños mis amigos me regalaron un vale de dinero para la FNAC que me gasté en dos volúmenes de Astérix, unas películas de los Monty Python y este disco de Ana Belén, titulado Lorquiana.

Ana Belén pertenece a mi imaginario infantil gracias a las innumerables horas que pasé escuchando sus discos con Víctor Manuel viajando en el Fiat 127 de mis padres. También forma parte de mis mitos sexuales adolescentes desde que me llegó un VHS de La pasión turca. Así que descubrir este disco dedicado a Lorca me ha ofrecido una nueva perspectiva sobre la artista madrileña que quiero compartir con vosotros.

Además del precioso montaje de la portada (que, ahora que lo pienso, me ha dado una excelente idea para hacer un regalo navideño), el álbum tiene una virtud muy loable: la valentía de Ana Belén a la hora de escoger composiciones que no están entre las más reconocidas o populares. Eso demuestra amor y fidelidad hacia Lorca y las cosas hechas con amor raramente dan malos frutos.

El disco contiene poemas como Anda jaleo y Nana de Sevilla o el Romance de Don Boyso y supone una mezcla de estilos en los que el común denominador es la melodiosa voz de Ana Belén, que lleva a su terreno las palabras de Lorca y las hace suyas. Sin duda alguna, un estupendo obsequio para estas fechas, tanto para los amantes de Federico como para los de Ana Belén (ni qué decir tiene para los de ambos).

En Spotify | ‘Lorquiana’, de Ana Belén

‘Los gitanos cantan a Federico García Lorca’, de Camarón de la Isla, Lole y Manuel, Manzanita y otros

Este proyecto ha tenido varias versiones, la última de ellas publicada en el año 2000. Se trata de una recopilación de poemas del inmortal poeta granadino editada en dos discos. Lorca cantó a los gitanos, le dio voz a su sufrimiento y creó un mundo onírico alrededor de ellos en obras como Bodas de Sangre, La casa de Bernarda Alba o Romancero Gitano.

En este doble disco son ellos, los artistas gitanos, quienes cantan a Lorca, devolviéndole así el legado que el poeta hizo con su obra. Algunos de las interpretaciones son al más puro estilo flamenco, otras tienen un aire más rumbero y no faltan muestras de mestizaje cultural, verdadera virtud del artista gitano.

La leyenda del tiempo es la canción que da nombre al disco que Camarón de la Isla le dedicó a Lorca (álbum que podría aparecer en esta lista perfectamente). La letra proviene de la obra de teatro Así que pasen cinco años y en la garganta de Camarón cobra una fuerza inusitada. Pero si hay una canción que a mí me vuelve loco esa es Verde: una reinterpretación del Romance Sonámbulo a cargo de Manzanita que no contiene todo el texto ni es completamente fiel a él, pero es una auténtica genialidad. Podéis comprobarlo en el siguiente vídeo, donde la interpreta, precisamente, con Ana Belén.

En Spotify | ‘Los gitanos cantan a Federico García Lorca’, varios artistas
En Papel en Blanco| Especial de Navidad 2009

La cuaderna vía es el nombre que recibe la estrofa usada en el mester de clerecía, el tetrástrofo monorrimo. Su nombre proviene del quadrivium (del latín ‘cuatro caminos’), referido a las cuatro ciencias que constituían la base de los estudios medievales y que provenían de los pitagóricos. Los clérigos o sabios que escribían en cuaderna vía habían cursado los altos estudios de entonces, la educación superior derivada del quadrivium.

Se trata de una estrofa de la métrica española compuesta por cuatro versos alejandrinos, es decir, de catorce sílabas (tetrástrofo), con rima consonante uniforme (monorrimo), repartidos en dos hemistiquios de siete sílabas, con pausa o cesura entre ellos. Por lo tanto, el esquema métrico de la cuaderna vía es A14 (7+7), A14 (7+7), A14 (7+7), A14 (7+7).

El ‘Libro de Alexandre’ (siglo XIII) es la primera obra conservada en castellano que emplea la cuaderna vía. Se inicia haciendo referencia al modo particular de escritura del mester de clerecía, alabando la maestría con la que los autores eran capaces de rimar y versificar con el esquema de la cuaderna vía:

Mester traygo fermoso non es de ioglaria

mester es sin pecado que es de clerezia
fablar curso rimado por la quadern[a] [u]ia
a silauas contadas que es grant maestria.

En estos primeros versos se hace referencia a la supremacía de la clerecía, ya que los clérigos (entendido como ‘sabios’, ‘letrados’, sean eclesiásticos o no) eran hombres cultos, y van a buscar la per­fección de sus versos frente a las imperfecciones métricas usadas por los juglares. Se quería ensalzar el mester de clerecía como un estilo erudito cultivado por autores con formación latino-eclesiástica. Aunque, como después se ha comprobado, la oposición entre clerecía y juglaría no es tan estricta.

La cuaderna vía hace su aparición en Castilla en el siglo XIII. Los orígenes de esta estrofa parecen situarse en el alejandrino francés, del cual sería una adaptación, según afirmó el hispanista Alan Deyermond. Otros críticos han señalado la influencia de la poesía latina francesa del siglo XII.

Gonzalo de Berceo usó la cuaderna vía con maestría en sus obras, especialmente en los Milagros de Nuestra Señora:

Señores e amigos, por Dios e caridat

oíd otro miraclo, fermoso por verdat:
Sant Ugo lo escripso, de Gruñiego abat,
que cuntió a un monge de su socïedat.
Un fraire de su casa, Guiralt era clamado,
ante que fuesse monge era non bien senado;
facié a las debeces follía e pecado
como omne soltero que non es apremiado.

(“El romero de Santiago”)

En sus inicios la cuaderna vía era muy regular. Sin embargo, hemos de tener en cuenta que, en la lectura de hoy día, no siempre es fácil encontrar la paridad silábica, pues entran en juego los errores de los copistas y las diferencias de pronunciación, además de los distintos criterios seguidos respecto a la sinalefa, el hiato, la sinéresis y la diéresis.

Aparte de las obras de Berceo, otros ejemplos de cuaderna vía en el siglo XIII son el ‘Libro de Apolonio’, el ‘Poema de Fernán González’ (refundición en cuaderna vía de un cantar de gesta) y los ‘Castigos y ejemplos de Catón’.

Ya en el siglo XIV el mester de clerecía evoluciona y encontramos muestras de cuaderna vía más escasas e imprefectas. Las irregularidades afectan tanto a la rima como al cómputo silábico. Un ejemplo en el Libro de Buen amor, del Arcipreste de Hita, compuesto en su mayor parte en cuaderna vía. Aunque se sustituye a menudo la consonancia por la asonancia y los versos alejandrinos por los de dieciséis sílabas:

De pequeña cosa nace rumor en la vecindad;

ya nacido, tarde muere, aunque no sea verdad,
y crece de día en día con envidia y falsedad;
poco le importa al mezquino lo que sea mezquindad”

Otras muestras de cuaderna vía en el siglo XIV las encontramos en los ‘Proverbios morales del rabino Sem Tob’ (o Santob), el ‘Rimado de Palacio’ de Pedro López de Ayala, el ‘Libro de miseria de omne’ o el ‘Poema de Yuçuf’.

Con el paso del tiempo la cuaderna vía, una estrofa demasiado estricta y monótona, se fue volviendo cada vez más irregular y dejó de emplearse para dar paso a otras muchas combinaciones métricas que se adaptaban mejor a los nuevos contenidos y nuevos tiempos.

En Papel en Blanco | Diccionario Literario