Fue el poeta Gabriel Planella quien sugirió unir la poesía con las viñetas, de hecho se encargó él mismo de seleccionar los poemas, que finalmente fueron de Anna Aguilar-Amat, Dionisio Cañas, Enric Casasses, José Corredor-Matheos, Manuel Forcano y Cristina Peri Rossi. “Debían ser breves para caber en una tira y tener un contenido suficientemente explícito para poder dibujarlo”. El dibujante, Juanjo Sáez, aceptó rápidamente hacer los dibujos porque era algo que ya tenía en mente “Hemos modernizado la poesía. Yo aún tenía la idea del cole, la veía como una cosa de gente aburridísima, pero veo que todo avanza”.

Vía | El Periódico
Más información | Barcelona Poesía 2008

Caminé en el desierto de tu lengua. De cada polvareda hice un recuerdo

El poeta argentino Jorge Boccanera fue designado ganador del Premio de Poesía de Casa de América entre 272 manuscritos por su obra Palma real. El jurado, presidido por Juan Gelman, reciente Premio Cervantes de Literatura, resaltó de la obra ganadora una estética muy rica, un uso muy exacto del lenguaje y un diálogo profundo con la tradición poética hispanoamericana.

Bocannera nació en Bahía Blanca, Argentina, en 1952 y vivió exilado en México durante la dictadura. Ha escrito poesía, teatro, ensayo. De sus obras resaltan los volúmenes: ‘Los espantapájaros suicidas’ (1974) , ‘Noticias de una mujer cualquiera’ y ‘Contraseña’ (ambos en 1976), ‘Poemas del tamaño de una naranja’ y ‘Música de fagot y piernas de Victoria’, (editadas en 1979).

Ha escrito también ensayos (incluyendo uno sobre Juan Gelman) y también historias de vida. Pero muchos de sus textos poéticos han sido transformados en canciones e interpretados por cantautores de renombre como Mercedes Sosa, Alejandro del Prado, Lilia Vera, Raúl Carnota, Silvio Rodríguez y Litto Nebbia.

Ha recibido varios premios que incluyen el Casa de las Américas 1976 otorgado por Cuba, el premio de poesía joven de México en 1997 y el año pasado el Premio de Periodismo TEA. Boccanera, de hecho, vive en la actualidad en Buenos Aires y trabaja en la agencia de noticias Telam.

Vía | Nación.com
Sitio oficial | Casa de América

Sus principales referencias poéticas son Juan Ramón Jiménez y Luis Cernuda, así como la pintura derivada de su formación en Historia del Arte. Creo que soy un poeta pintor, porque, como decía Cernuda, una de las alas de la poesía es la mirada, dice. Se le ha caracterizado como “barroco” y “gongorino” pero toma ciertas distancias ante esos adjetivos. Cuando un neoclásico te llama barroco te está diciendo que es una poesía abigarrada, andaluza, llena de recovecos, de curvas y de palabras raras.

García Baena ha declarado sentirse “sorprendido” por el premio y lo ha considerado “un acicate” para seguir adelante, ya que considera que “la poesía salvará el mundo algún día”.

Sólo tu amor y el agua….Octubre junto al río
bañaba los racimos dorados de la tarde,
y aquella luna odiosa iba subiendo, clara,
ahuyentando las negras violetas de la sombra.
Yo iba perdido, náufrago por mares de deseo,
cegado por la bruma suave de tu pelo.
De tu pelo que ahogaba la voz en mi garganta
cuando perdía mi boca en sus horas de niebla.
Sólo tu amor y el agua…..El río, dulcemente,
callaba sus rumores al pasar por nosotros,
y el aire estremecido apenas se atrevía
a mover en la orilla las hojas de los álamos.
Sólo se oía, dulce como el vuelo de un ángel
al rozar con sus alas una estrella dormida,
el choque fugitivo que quiere hacerse eterno,
de mis labios bebiendo en los tuyos la vida.
Lo puro de tus senos me mordía en el pecho
con la fragancia tímida de dos lirios silvestres,
de dos lirios mecidos por la inocente brisa
cuando el verano extiende su ardor por las colinas.
La noche se llenaba de olores de membrillo,
y mientras en mis manos tu corazón dormía,
perdido, acariciante, como un beso lejano,
el río suspiraba…..
Sólo tu amor y el agua…

Vía | ADN.es, Yahoo! Noticias
Más Información | Pablo García Baena en EPdLP

Vía | ABC

Pero en esta ocasión ha sido verso tras verso, tras verso, tras verso… y así hasta 7547 líneas de una poesía supuestamente lírica que lleva el título, nada parco tampoco, de “Parcelas de esperanza en el eco de este mundo”. La hazaña la ha llevado a cabo Patrick Huet, un autor de origen francés, que ha escrito el poema más extenso del mundo.

La poesía imagino que no tendrá demasiado valor literario, aparte de la filigrana creadora que suponen los versos acrósticos en los que podemos ir leyendo la Declaración Universal de los Derechos Humanos de la ONU. Así que lo que importa de este poema son su cerca de un kilómetro de extensión (994,10 metros en papel enrollado) y los 110 kilos de peso.

El escritor expuso las sensaciones que le provocaron los primeros 30 artículos de la Declaración. En el blog del autor, que realiza poemas por encargo, fue explicando el proceso creador, que le llevó un mes y medio de trabajo y la ayuda de un tractor para poder medir la extensión del poema. Vaya mérito…

Vía | Poemas del alma
En Papel en Blanco | El libro más extenso del mundo

Los poetas que participan en el libro son María Victoria Atencia, Antonio Colinas, Luis Alberto de Cuenca, Ilia Galán, Antonio Gamoneda, Félix Grande, Clara Janés, José Jiménez Lozano, Vanesa Pérez-Sauquillo y Diego Valverde Villena. Cada uno de ellos escogió siete poemas con unas características como que fueran cortos, que estuvieran pensados para musicarlos y que fuesen los que más gustasen para el proyecto.

Por su parte las composiciones de los músicos son todas para piano; cinco acompañadas de barítono y otras cinco de soprano. Los músicos participantes son Ramón Barce, Zulema de la Cruz, Consuelo Díez, Jacobo Durán Loriga, Carlos Galán, Tomás Marco, Claudio Prieto, Juan Manuel Ruiz y Mercedes Zavala.

Vía | La crónica social

Es una lástima que aún no haya salido la nueva edición de los poemas de Ángel González, anunciada para abril. La obra, titulada Nada grave, preparada por la Editorial Visor, recogerá poemas inéditos del autor, de los que trajimos una muestra a nuestras páginas.

Sin embargo, existen múltiples ediciones de las obras poéticas de Ángel González, como las más recientes, la Antología poética. Selección del autor, de Alianza Editorial, o la Antología de poesía para jóvenes, de Alfaguara, que escoge las más divertidas y vivaces.

Este regalo se convierte en un pequeño homenaje al autor asturiano, fallecido a principios de este año. Una voz poética rica, intensa y variada, una buena oportunidad para revivir sus versos o para empezar a conocerlos.

Más información | A media voz
Más información | Ángel González. Antología de poesía para jóvenes
En Papel en Blanco | Poemas inéditos de Ángel González: la despedida
En Papel en Blanco | ‘El Cristo de Velázquez’, de Ángel González
En Papel en Blanco | Noticias sobre Ángel González
En Papel en Blanco | Ideas para regalos

Por la tarde regresó a la capital para encontrarse con sus lectores, en este caso los más jóvenes, estudiantes de diversos centros que acudieron al Círculo de Bellas Artes hasta llenar los dos anfiteatros del auditorio. El poeta estuvo acompañado por Juan Barja, director del Círculo; y Carlos Ruta, profesor de Filosofía Medieval y rector de la Universidad de San Martín, en Buenos Aires.

Ruta abrió el coloquio con unas palabras que Julio Cortázar dedicó a Gelman, en donde comparaba su poesía con la alegría vital de las alondras.

Su palabra es celebración de la vida en medio del horror de este mundo.

Bellas palabras para definir una trayectoria poética y vital marcada por desgarros como el exilio. Esta cuestión fue recurrente en las preguntas de los estudiantes, que también se centraron en la visión que Gelman tiene sobre la poesía y diversas cuestiones técnicas de su escritura.

Gelman, con las gafas situadas a medio camino de su nariz, escuchaba las preguntas atentamente, con la mirada fija en algún punto indeterminado del suelo. Sus respuestas eran extensas, lúcidas, errantes, y concluían lejos del punto de partida propuesto. Siempre con voz serena pero con continuos guiños humorísticos que aportaban calidez a sus intervenciones.

Los estudiantes tenían especial interés en que explicara algunas de las frases que ha dejado en sus obras:

La poesía es un árbol sin hojas que da sombra.

Pero, claro, estas ideas no pueden resumirse fácilmente o de una forma académica. Para Gelman, la poesía es producto de la necesidad y de las obsesiones, no es una cuestión de voluntad. Surge cuando confluyen “la interrogación de la vivencia y la imaginación”.

Lo más interesante de su intervención fue comprobar la estrecha relación que existe entre Gelman y la palabra, el poeta y su medio de expresión. Para él las palabras tienen vida propia. Por ejemplo, comentó que una vez le dijeron que panambí (mariposa, en dialecto guaraní) era una palabra “que vuela más que mariposa”. Gelman, sonriendo, no tuvo más remedio que asentir, pero pudo consolarse porque schmetterling (mariposa, en alemán) no podría ser más que un animal “incapaz de volar por tener las alas cubiertas de grasa”.

El lenguaje también le ayudó a sobrellevar la dura situación del exilio. Gelman relató su experiencia al llegar a Italia, primera escala de su trayectoria errante. Allí se topó con un fuerte contraste entre la rabia que llevaba por dentro y la dulzura del nuevo idioma que comenzaba a aprender. Consiguió reencontrar su calma a través de una serie de poemas pornográficos escritos en romanesco, el dialecto de la capital italiana.

Gelman compartió durante algo más de una hora su experiencia con la vida y con la literatura. Los cálidos aplausos del público dibujaron varias veces una sonrisa en su rostro y, puesto que aún quedan muchas preguntas en el tintero, esperemos que la cita pueda repetirse algún día.

En Papel en Blanco | Juan Gelman
En Papel en Blanco | Día del libro

Habría que estudiar primero cómo la colonización trabaja para descivilizar al colonizador, a embrutecerlo en el sentido literal de la palabra, a degradarlo, a despertar en él instintos reprimidos, a la concupiscencia, a la violencia, al odio racial, al relativismo moral, y demostrar que, cada vez que en Vietnam se corta una cabeza y se revienta un ojo y que en Francia se acepta, una niñita es violada y que en Francia se acepta, un Malgache torturado y que en Francia se acepta, hay una acquisición de la civilización que pesa su peso muerto, una regresión universal que se opera, una gangrena que se instala, un foco de infección que se extiende y que al final de todos esos tratados violados, de esas mentiras propagadas, de todas esas expediciones de castigo toleradas, de todos esos prisioneros atados e interrogados, de todos esos patriotas torturados, al final de ese odio racial alentado, de esa jactancia extendida, está el veneno inyectado en las venas de Europa, y el progreso lento, pero seguro, del ensalvajamiento del continente.

Europa es moralmente, espiritualmente idefendible.

Discurso sobre el Colonialismo, 1950

El poeta francófono Aimé Césaire (Martinica, 1913 – 2008) murió este jueves de una insuficiencia cardíaca en Fort-de-France, la ciudad isleña de la que fue alcalde hasta 2001. Césaire fue uno de los tres grandes fundadores del movimiento poético e intelectual anticolonialista conocido como la Negritud, junto al guyanés Léon Gontran Damas y al senegalés Léopold Sédar Senghor, cuya figura descollante en lo poético y sonrojante en lo político tiende a eclipsar a sus compañeros de generación. Los hombres de la Negritud, oriundos de los territorios franceses de ultramar y educados en la metrópoli, arremetieron furiosamente contra el discurso eurocéntrico que justificaba el sistema colonial y fueron piezas clave de los procesos de descolonización.

Césaire, Damas y Senghor se conocieron estudiando en el prestigioso liceo parisino de Louis le Grand. Tras su graduación fundaron la revista L’ étudiant noir (El estudiante negro) en el que Cesaire acuñó por primera vez el término Negritud: La Negritud es el simple reconocimiento del hecho de ser negro, y la aceptación de ese hecho, de nuestro destino de Negro, de nuestra historia y de nuestra cultura. A pesar de la aparente simplicidad del concepto se trató del primer desafío intelectual a la homogeneización cultural que Francia, como el resto de colonizadores, impuso en los territorios ocupados, minusvalorando y reprimiendo la cultura indígena, por no decir a los propios habitantes. Sartre definió la Negritud como “la negación de la negación del hombre negro”.

Cesaire escribió su primera obra poética notoria en 1935, Cuaderno de un regreso al país natal, en el que reconstruye imaginariamente la Martinica desde su estancia en Europa. La II Segunda Guerra Mundial le encontró de vuelta en su isla en dónde sufrió tanto la represión del régimen de Vichy como el embargo al que Estados Unidos la sometió. En esa época, sin embargo, recibió la visita de André Breton, un encuentro trascendental que orientaría definitivamente la poesía de Cesaire hacia el surrealismo.

Fue a partir de la posguerra cuando Cesaire intensificó su actividad política. Militó en el Partido Comunista Francés hasta que lo abandonó hastiado al comprobar que no ofrecía soluciones a las necesidades de emancipación de las naciones colonizadas. El ensayo fundamental Discurso sobre el Colonialismo que cito al inicio se denbe entender dentro del contexto de las guerras de independencia de Argelia e Indochina, en las que Francia cometió reconocidas atrocidades.

El aparente odio a Europa que destila Cesaire es en realidad la demostración vergonzante de su hipocresía. No podemos erigirnos en bastiones de la razón y la democracia, nos dice, si paralelamente alentamos la barbarie por intereses coloniales y hacemos la vista gorda. Quienes se degradan no son los ‘salvajes’ que humillamos sino nosotros mismos, demostrando que los valores de los que nos envanecemos no son más que palabrería. Cesaire destapa así la corriente de salvajismo latente en la sociedad europea cuya prueba más patente encuentra en el nazismo y la reciente contienda mundial.

Cesaire participó en el proceso político de la independencia de la Martinica y ocupó varios puestos de administración hasta prácticamente su muerte. En los últimos años Francia le había reconocido como uno de sus contribuyentes culturales más importantes. En 1998 el Discurso sobre el Colonialismo apareció por primera vez como texto para alumnos de Bachillerato. Tras su muerte se ha elevado una propuesta para que sea inhumado en el Panteón de los hombres ilustres de París. Curioso honor para el gran rebelde, terminar más que integrado, engullido por la francesidad…

Los tiempos de la colonización y los gobiernos autocráticos han pasado. Pero la reflexión que nos legó está lejos de haber quedado desautorizada.

Vía | El Mundo
Más Información | Aimé Césaire en Wikipedia

Estas experiencias fueron recopiladas en libros como Los cínicos no sirven para este oficio y Un día más con vida. Este último narra la guerra civil producida en Angola durante la descolonización portuguesa en los años 70. Un relato intenso y lleno de fuerza, con un ritmo veloz marcado por la propia sucesión de los acontecimientos.

Junto a esta faceta pública como periodista, Kapuscinski siempre albergó en su interior la mirada del poeta. Su trabajo le permitió acercarse profundamente al ser humano, a sus entrañas y motivaciones. Pudo verlo en situaciones límite, en donde desaparecen las máscaras y sólo queda la esencia.

Esta experiencia vital se convierte en uno de los mayores atractivos de esa Poesía Completa que acaban de editar Bartleby Editores. Una edición bilingüe que, además de recopilar toda su trayectoria lírica recogida previamente en otros libros, también cuenta con un puñado de poemas inéditos. Con Kapuscinski, la poesía abandona los formalismos y deja de mirarse el ombligo. La devuelve a las personas, a los lectores que puedan reconocer su propia piel en estos versos.

Para ir abriendo boca, aquí tenéis uno de sus poemas:

Un hombre mayor
levanta
un dedo que ha mojado con la lengua

mira
de dónde sopla el viento

después
se sitúa según la dirección del aire
y sale volando

no muy alto
no muy lejos

Más información | Los viajes íntimos de Kapuscinski
En Papel en Blanco | Kapuscinski

En 1919, ya en Lima, publica su primer poemario Los heraldos negros de claro tinte modernista, con influencias de Baudelaire y de Herrera y Reissig pero marcado por la exhibición de los sentimientos y el dolor. Su verso inicial (Hay golpes tan fuertes en la vida, yo no sé ...) es una marca inconfundible en la tradición poética del continente y del mundo hispano.

En 1920 muere su madre y él es injustamente encarcelado acusado de haber participado en el incendio y saqueo de una casa. En la cárcel escribe los poemas que serán publicados bajo el nombre de Trilce y que, según la crítica, vaticina el vanguardismo de años posteriores. Igualmente por esos años incursiona en el cuento y gana un concurso con el relato Más allá de la vida y de la muerte.

A partir de Trilce, el poeta se muestra mucho más irreverente con el uso del lenguaje y se permite hacer juego de mucha ruptura formal con la tradición que ya venía fragmentándose con el modernismo pero que con la Vanguardia llega al extremo. Este cambio se verá profundizado a partir de su amistad con los poetas surrealistas a quienes conoce en París en 1923, así como con Vicente Huidobro, por ejemplo.

Es también en esos tiempos en que Vallejo se acerca al marxismo. Junto con el escritor español Juan Larrea con quien forma una revista. Sigue colaborando con varias publicaciones como Variedades, Amauta, Mundial y el diario El Comercio. Viaja varias veces a Moscú y de vuelta a París y en 1934 se hace miembro del Partido Comunista peruano, fundado por Mariátegui.

En París ejerció labores docentes pero en 1938 fue ingresado en un hospital con una crisis de agotamiento de la cual no se recuperará. Fallecerá la lluviosa tarde del 15 de abril, hace exactamente 70 años. Sus restos reposan en el Cementerio de Montparnasse, aunque haya la sospecha de que fueron robados. Su esposa publicó después de su muerte el libro Poemas Humanos y también España, aparta de mí este cáliz, que es una demostración muy clara de lo cerca y afectado que se encontraba el poeta de y por la Guerra Civil Española.

Hoy está siendo homenajeado en varias partes del mundo con lecturas, exposiciones y seminarios. Yo me tomo la libertad de compartir con ustedes los primeros versos del poema Espergesia que sin ser de los más sonados ,en uno de los que más me gustan ya que transmite mucho de lo que podía ser su concepción de la vida y el espíritu que guió su obra poética:

Yo nací un día
que Dios estuvo enfermo.

Todos saben que vivo,
que soy malo; y no saben
del diciembre de ese enero.
Pues yo nací un día
que Dios estuvo enfermo.

Hay un vacío
en mi aire metafísico
que nadie ha de palpar:
el claustro de un silencio
que habló a flor de fuego.

Más información | Poemas de Vallejo
Más información | España, aparta de mi este cáliz (audio)

Según palabras de la directora del Fondo de Cultura Económica (FCE), Consuelo Sáizar se trata de un texto muy interesante que permitirá entender la génesis de muchos de los proyectos en los cuales se implicó Paz y las razones que lo llevaron a involucrarse.

Pero esta no será la única celebración en homenaje a Paz, habrá también eventos públicos y culturales como aquel que se llevará a cabo en el Palacio de Bellas Artes en la capital mejicana, donde se reunirán los siguientes autores: Juan Goytisolo (Barcelona, 1931), Ramón Xirau (Barcelona, 1924), Tomás Segovia (Valencia, 1927), Hugh Thomas (Reino Unido, 1931), Enrique Krauze (México, 1947), Michel Deguy (Francia, 1930), Orlando González Esteva (Cuba, 1952) y el Premio Nobel de Literatura 1992 Derek Walcott (Santa Lucía, 1930).

El día Mundial del Libro, el 23 de abril, habra una serie de conferencias sobre la figura y la obra de Octavio Paz, en las que participarán Elena Poniatowska, José de la Colina, Eduardo Lizalde y Hugo Gutiérrez Vega. Por otro lado, entre julio y agosto estará abierta, en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, la muestra Arte de México en la Obra de Octavio Paz.

Es un momento interesante para revisitar la obra de Octavio Paz (Premio Cervantes, 1981 y Premio Nobel, 1990), una de las más prolíficas de la literatura latinoamericana y que abarca prácticamentye todos los géneros literarios. En su gran mayoría ha sido recopilada por el Fondo de Cultura Económica.

El laberinto de la Soledad y Aguila o Sol, El arco y la lira y El laberinto de la soledad son sólo algunos de los principales textos del Premio Nobel mexicano. De éste último, un extracto, abreboca de un universo poético que se nutre de las fuentes culturales de la americanidad más profunda así como de otras como el budismo zen y la tradición poética francesa, entre muchos otros:

busco sin encontrar, escribo a solas,
no hay nadie, cae el día, cae el año,
caigo con el instante, caigo a fondo,
invisible camino sobre espejos
que repiten mi imagen destrozada,
piso días, instantes caminados,
piso los pensamientos de mi sombra,
piso mi sombra en busca de un instante,

Vía | La Vanguardia
En papel en blanco | Ensayo sobre el amor y el erotismo: ‘La llama doble’ de Octavio Paz

“He visto los mejores cerebros de mi generación destruidos por la
locura, famélicos, histéricos, desnudos,
arrastrándose de madrugada por las calles de los negros
en busca de un colérico picotazo”

Así empieza Aullido, el poema que describe y condensa las inquietudes de la generación beat, un movimiento literario que agrupó a diversos jóvenes norteamericanos nacidos durante el primer cuarto del siglo XX. Su autor, Allen Ginsberg, se despojó de cualquier formalismo y métrica tradicional para plasmar la realidad de la juventud de su época. Una generación que llevó el desencanto como seña de identidad y que inspiró a artistas de todas las disciplinas, como por ejemplo Bob Dylan.

Cada verso del poema es un bocado arrancado de la realidad nutrido por emociones muy intensas. Sus palabras nos conducen por garitos y calles oscuras, nubes de marihuana y jóvenes que no saben hacia dónde conducir sus pasos. La pintura, la música y la literatura acompañan también a esas mentes en la búsqueda de un lugar donde caerse muertas.

Aullido no es el único testimonio de esos desconcertantes años. Entre otros, Jack Kerouac y William Burroughs también emborronaron cientos de hojas con vivencias y pensamientos suscitados por el nihilismo, la vida errante y el consumo de drogas. El primero nos legó dos obras fundamentales para comprender el espíritu que los movía: En el camino, de 1957, y Los Subterráneos, publicada un año después. Ambas recogen las experiencias de años deambulando por diversos lugares de EE.UU.

Burroughs, por su parte, es algo más difícil de clasificar. Quizá las obras más próximas a sus contemporáneos sean Yonki o Marica, en las que describe dos ways of life que nada tenían que ver con la imagen del sueño americano que el país quería vender al exterior. Sin embargo, con El almuerzo desnudo dio el salto hacia un mundo propio imposible de etiquetar. Su estilo contiene elementos beat, pero también es muy próximo a la escritura automática de los surrealistas o incluso a la anarquía formal del dadaísmo.

Junto a estos autores, también hay otras figuras destacadas de esta generación, como Neal Cassady o Timothy Leary que, entre otras cosas, profundizó en el uso terapéutico y espiritual de las drogas alucinógenas.

Más información | Generación Beat
Más información | Aullido
En Papel en Blanco | Generación Beat

Precisamente son dos antologías las que delimitan el período estudiado. La primera es la Antología de poetas hispanoamericanos de Marcelino Menéndez Pelayo, publicada entre 1893 y 1895. La segunda es Laurel. Antología de la poesía moderna en lengua española, eleborada por Xavier Villaurrutia, Octavio Paz, Emilio Prados y Juan Gil-Albert para la editorial Séneca de México en 1941.

En total más de 130 antologías han sido utilizadas para la eleboración del libro, de las que se ha realizado un estudio individual y en conjunto, analizando las interrelaciones entre ellas y con la ideología de la época. El resultado es una configuración de las tradiciones nacionales de Argentina, Cuba, Chile, España y Perú, además de una configuración de todas ellas en conjunto.

La profesora Carmen de Mora indicó que el libro se articula en torno a dos elementos principales: el canon literario en cuanto a qué es lo que se tiene que leer, y la identidad nacional referida sobre todo a los países hispanoamericanos en su búsqueda de la identidad histórica y cultural.

Vía | Yahoo! Noticias

Se trata de un hermoso soneto que muestra el lado más sombrío y pesimista del autor, que pregunta desesperado por la vida y no recibe respuesta. El paso del tiempo en un suspiro, la inexistencia del ahora, el cansancio vital, la locura, la vejez…

Todo provoca en el yo poético una reflexión tétrica que le hace aunar el nacimiento y la muerte (pañales y mortaja) en una vida que se escapa al presente discurriendo indefectiblemente hacia el fin. El único “ahora” de la persona, entre esos 2 momentos, no son más que sucesiones de difunto.

La brevedad de la vida parece menos grave si escuchamos una musicalización de estos versos, acompañados del sonido de la guitarra. Aquí os dejo la letra del poema donde

Represéntase la brevedad de lo que se vive
y cuán nada parece lo que se vivió

“¡Ah de la vida!” ... ¿Nadie me responde?
¡Aquí de los antaños que he vivido!
La Fortuna mis tiempos ha mordido;
las Horas mi locura las esconde.
¡Que sin poder saber cómo ni adónde,
la salud y la edad se hayan huído!
Falta la vida, asiste lo vivido,
y no hay calamidad que no me ronde.
Ayer se fue; mañana no ha llegado;
hoy se está yendo sin parar un punto;
soy un fue, y un será y un es cansado.
En el hoy y mañana y ayer, junto
pañales y mortaja, y he quedado
presentes sucesiones de difunto.

Vía | Reverdecer
En Papel en Blanco | ¿Escuchamos un poema? Rubén Darío
En Papel en Blanco | La celda donde murió Quevedo, y un soneto

A la vez que la antología se presentó las dos obras ganadoras de la última edición del premio. El ganador, Vicente Valero con su obra titulada Días del bosque, señaló que hacía años que pretendía hacer del bosque protagonista de su obra. Añadió que, en este caso, se trata de la fusión de dos bosques “el de la experiencia propia y el del arte y la literatura”.

El ganador del Premio a la Creación Joven, Carlos Fonseca con la obra titulada Una oscuridad brillando en la claridad que la claridad no llega a comprender, dijo de su obra que al escribirla pensaba en un autor atemporal. Para Jaime Siles, miembro del jurado, Fonseca está en la línea de Neruda.

Vía | abc.es

Participarán autores de la talla de Pablo García Casado, Javier Fernández o el gran Luis Alberto de Cuenca, además de Karmelo Iribarren y el poeta relacionado con la publicidad Fernando Beltrán, así como autores locales y poetas comprometidos con la literatura. Además, habra un encuentro entre tres grupos literarios jóvenes: El Colmo Colectivo de Valladolid, Hesperya de Oviedo y Eclipse de Zaragoza.

Pretende fomentar la diversidad poética, rompiendo las barreras culturales y generacionales, con lecturas colectivas y mesas redondas. Habrán también actividades paralelas por parte de artistas plásticos, que crearán cuadros, camisetas o bolsos según lo que les evoquen las diferentes lecturas.

Aplaudimos la convocatoria de esta iniciativa literaria, tan sugerente como divulgativa, que dice mucho del interés artístico de la ciudad de Valladolid. Es de subrayar que se tratarán temas como el futuro de la lírica a nivel nacional y la importancia de colectivos literarios.

Huelga decir que la entrada es gratuita y abierta para todos aquellos interesados. Estaremos atentos al evento. Gracias a José Luis Merino, miembro de El Colmo Colectivo, por ponernos al tanto.

La historia de los Panero no ha interesado sólamente por ser la de una familia disfuncional, prototipo de una época en sus últimos estertores: un padre autoritario y prohombre del franquismo, una mujer sometida cuyas aspiraciones literarias fueron ensombrecidas, y tres hijos que vacilaron entre el enfrentamiento y el afán de superación a la figura paterna. El mayor, Juan Luis, viajó a Latinoamérica y se codeó con Octavio Paz, Borges y Rulfo antes de regresar y cosechar un cierto éxito como poeta. El menor, Michi, fue un personaje de la bohemia y la movida madrileña antes de morir de cáncer en 2004.

Pero la figura central de esta red es Leopoldo María, el poeta loco. Una figura revolucionaria en su juventud, militante antifranquista, de sexualidad ambigua y adicciones extremas (llegó hasta la heroína) al que la vida cortó las alas muy pronto con varios casos de depresiones clínicas y finalmente un cuadro de esquizofrenia. Leopoldo María Panero ha vivido desde los 22 años entre ingresos constantes en psiquiátricos y hoy reside, por decisión propia, en la Unidad Psiquiátrica de Las Palmas de Gran Canaria. Pero ni por un momento ha dejado de hacer poesía, narración y ensayo. Su voz torturada y rota abarca desde la elevación formal de la escuela poética de los novísimos hasta el testimonio desde la profundidad del abismo.

Soy Leopoldo María Panero. Llevo seis años en el infernal manicomio de Mondragón. Llevo seis años sin compañía porque con los locos no se puede hablar de nada más que de potorros y de cipotes. Son todos una pandilla de follaburras asquerosos, porque yo creía que eran una pandilla de angelitos porque había sufrido mucho, sobre todo los crónicos. Pero precisamente porque han sufrido mucho son los hijos de la gran perra que me he encontrado en la vida.

Quién quiera acercarse a la vida y poesía de los Panero tiene una nueva oportunidad con el libro Después de tantos desencantos. Vida y obra poéticas de los Panero del poeta Federico Utrera. Este libro recoge inéditos como el último poemario de Leopoldo María, Conjuros contra la vida, y la última entrevista a Michi Panero antes de su fallecimiento.

El propio poeta loco apareció por sorpresa en la presentación del libro (según confesó, “por salir un rato del manicomio”). Entre comentarios incoherentes sobre la actualidad política y exabruptos como el de reclamar agua a grandes gritos desde el estrado (le deben haber prohibido la Coca-cola, su última gran adicción), Panero logró hilar lo que son las líneas maestras de su poética existencial, la poesía desde la locura.

El loco yerra, pero no miente. Además, tiene la perniciosa manía de decir la verdad, y le darán la razón pero no todos. La locura, en realidad, no existe.

Via | Yahoo! Noticias
Más Información | Antología de Leopoldo María Panero en A media voz

La poesía y la música guardan una relación única, casi indivisible. Juntas nacieron y juntas permanecen y seguirán acompañándose.

No es exactamente la lira la que la acompaña en los actuales tiempos, pero quizás sí el charango, la guitarra y algún tipo de flauta pero, sobre todo la voz de sus cantores que le dan aún más ritmo a los poemas. Es un arte declamar y aún más lo es poner música a los versos.

Entendiendo eso, surge en Chile el proyecto Pentagrama poético, que se plantea:

fomentar de una manera alternativa la lectura, mediante un formato que presenta el poema (música y texto) junto con la reseña de quien lo escribe e interpreta, dando la posibilidad de que cada lector escoja qué mirar.
Pentagrama poético quiere ser una ventana de difusión para escritores y músicos, y de información para quienes visitan nuestro sitio.

La iniciativa ha sido apoyada por el Fondo Nacional de Fomento del Libro y la Lectura, del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes de Chile y en él podemos encontrar información acerca de poetas, músicos, textos y musicalizaciones y los archivos de las grabaciones a descargar.

Podemos deleitarnos con obras musicalizadas de Pablo Neruda, Violeta Parra, Gonzalo Rojas, Nicanor Parra y Vicente Huidobro para mencionar a algunos. Los intérpretes, por supuesto van desde Víctor Jara, pasando por Violeta Parra, Joan Manuel Serrat hasta llegar a Julieta Venegas, Andrés Calamaro, Aterciopelados, Joaquín Sabina y Miguel Bosé, entre muchos otros.

Voces y versos unidos en un sólo espacio del cual es difícil salir.

Vía | Moebius
Más información | El País.com
Sitio oficial | Pentagrama poético

El espacio ha contado con Luís García Montero como invitado, que nos desvela algunos datos sobre su última obra, Vista cansada. Y que también ha leído uno de los poemas inéditos de Ángel González, titulado Siempre la esperanza.

Una parada por la Editorial Visor, que cumple 40 años y lleva 700 obras poéticas publicadas, lo que nos confirma que la poesía sí interesa. Como interesa a un kiosquero después de haberse introducido en el mundo de los versos gracias a su club de lectura.

Como interesa a los más pequeños en el colegio. Una mirada al futuro de la poesía, con niños que han leído las estrofas de “El lagarto está llorando” de Lorca y “El titiritero” de Juan Ramón Jiménez.

Una mirada al pasado recordando a Antonio Machado, que murió tal día como hoy, en 1939. Bueno, qué queréis que os diga, hoy se han vuelto a despertar mis ganas de leer poesía, con tantos maestros del verso refrescándose en la meoria…

Sitio Oficial | Cadena Ser: tiempo de poesía