Una adaptación ideada para radio de la obra ‘Las bicicletas son para el verano’, de Fernando Fernán Gómez, se presenta estos días en el teatro Bellas Artes de Madrid, en una versión que dirige e interpreta Emma Cohen, junto a otros “actores” que pondrán su voz a los personajes de la genial obra teatral.

Con esta representación se quiere rendir homenaje a Fernán Gómez, una de las figuras imprescindibles de la escena española. La escritora y actriz Emma Cohen, pareja del actor desde los años 1970, es una gran conocedora de la obra de teatro que se ha ocupado de trasladar a las ondas radiofónicas.

La versión cuenta también con las actuaciones de Ginés García Millán, Ana Labordeta, Tina Sainz, María Elena Flores y jóvenes talentos como Sara Rivero, Jaime Cano y Carolina Lapausa. Además, se contará con voces radiofónicas tan populares como las de Iñaki Gabilondo, Gemma Nierga o Ángeles Afuera.

La grabación se lleva a cabo mañana 30 de junio y el 4 de julio, con presencia de público (se están sorteando entradas), y la Cadena Ser emitirá la función el próximo 18 de julio por la tarde, con motivo del 75 aniversario del inicio de la Guerra Civil Española.

Los espectadores podrán ver cómo se grababa una obra de teatro en la radio, aunque en este caso subidos al escenario del teatro Bellas Artes de Madrid, viviendo en directo la “representación” y dramatización al estilo tradicional, con locutores y músicos en directo.

Además, se utilizará un “ruidero”, un armario de ruidos como el que se utilizaba en los años 40 y 50, ideado para hacer sonar distintos “efectos especiales”.

Por su parte, los oyentes podremos escuchar una obra dramatizada y revivir el entretenimiento de nuestros abuelos junto a la radio. Una oportunidad diferente de conocer o recordar la imprescindible obra de Fernando Fernán Gómez, ‘Las bicicletas son para el verano’, en una fecha especial, tan vinculada al argumento de la obra.

Más información | Cadena Ser
En Papel en Blanco | Fernando Fernán Gómez ha muerto, Tiempo de poesía en la radio

Hoy os traigo una de las novedades que nos tocan más de cerca en este mes de mayo. Y es que La fábrica Editorial edita la célebre Bodas de sangre de Federico García Lorca en su colección Palabra e Imagen. ¿Qué significa esto? Pues nada más y nada menos que una edición especial de la popular obra de teatro con imágenes de Juan Manuel Castro Prieto, que plasma perfectamente el sentimiento lorquiano en unas preciosas imágenes granadinas. Puede ser tuyo por 29 euros en tu librería habitual.

Por si hay algún despistado en la sala, recordarles que ‘Bodas de sangre’ fue escrita en 1931 y representa todo el imaginario teatral de Lorca. La pasión loca, el amor filial, la muerte, la venganza, todo ello aparece reflejado en la historia de la novia que se fuga con el amante, sin importarle los sentimientos de nadie. No digo nada más, por si alguno no lo ha leído (¿qué haces que no corres a por un ejemplar?), que no hay nada que me de más rabia que me revienten los finales…

Evidentemente, la historia en sí misma no es una novedad, pero sí lo es la edición. La Fábrica Editorial ha rescatado la colección Palabra e Imagen, que fue creada a comienzos de los años sesenta por Esther y Oscar Tusquets en la editorial Lumen. ‘Bodas de sangre’ sería el tercer título de esta nueva colección, que ya viene precedido por Los cachorros, con texto de Mario Vargas Llosa y fotografías de Xavier Miserachs; y Viejas historias de Castilla la Vieja, con texto de Miguel Delibes y fotografías de Ramón Masats. Vamos, lo que viene siendo una colección de lujo.

Ya sabéis cuanto me gustan las ediciones especiales, ilustradas, con fotografías y demás, por eso no podía dejar pasar esta oportunidad de compartirlo con vosotros. Tengo que decir también que ‘Bodas de sangre’ no es precisamente mi obra favorita de García Lorca, porque, por alguna extraña razón le tengo especial cariño a Yerma y a La casa de Bernarda Alba. Igualmente, no deja de parecerme una gran oportunidad para tener una historia clásica en un formato diferente, y os invito a que, como mínimo, le deis un vistazo a las fotografías. Merece la pena, os lo aseguro.

Más información | Ficha en La Fábrica
En Papel en Blanco | García Lorca, digitalizado

El astracán (o astracanada) es un subgénero teatral cómico muy popular en los escenarios españoles durante el primer tercio del siglo XX, cultivado, ente otros dramaturgos, por Pedro Muñoz Seca y Pedro Pérez Fernández.

Aunque fue el exitoso género de evasión del público español de la época, en contadas ocasiones alcanza reconocimiento crítico y calidad.

El astracán supuso una salida a la crisis de los sainetes, aunque como lo que importa únicamente es reír, incluso a costa de la verosimilitud argumental, frecuentemente caía en el absurdo y carecía de calidad literaria.

Origen del término “astracán”

El Diccionario de la Real Academia no contempla el término “astracán” con esta acepción, sino que lo reserva para “astracanada”. En cualquier caso, la palabra simple o la derivada provienen de Astraján, ciudad rusa del Caspio.

Con el significado escénico, astracanada se empleó antes que astracán, ya a finales del XIX, relacionándola con obras del género chico caracterizadas por el humor y los disparates (era un adjetivo empleado peyorativamente).

Para encontrar la relación entre la palabra relativa al subgénero teatral y sus otras acepciones, existen hipótesis diversas. Según Ricardo De la Fuente Ballesteros “En torno al astracán”),

Tal vez se utilizó la palabra astracán por la similitud entre la apariencia basta de la prenda de este tipo y la vulgaridad y confección desaliriada de estos productos cómicos. Otra razón puede estar en la sensación de algo grotesco y extrario que podría producir una persona vestida con un abrigo de este tipo de piel, alejado de la moda del momento; sensación que encaja muy bien con los astracanes, donde lo grotesco y lo anormal son definitorios. De ahí que la mayoría de los cronistas escribiesen la palabra con k, para designar una obra tan exótica o disparatada como un ruso, vestido al estilo de su país, en un escenario espariol.

Características del astracán

Basado en una teatralización de la realidad, explota el uso de recursos como el retruécano, falsillas sentimentales y situaciones disparatadas. La acción, las situaciones y los personajes se supeditan al chiste y a las deformaciones cómicas del lenguaje. Los juegos toscos de palabras, la tipificación regional del habla, los nombres propios que dan lugar al equívoco y al chiste… son otros recursos repetidos.

La figura más importante del astracán es el fresco, personaje-tipo ocurrente que se mueve en una caracterización desde lo más costumbrista a lo más cómico, llegando a convertirse en “un pícaro o un granuja que inventa patrañas sin maldad real y que siempre son descubiertas y ridiculizadas” (J. A. Ríos Carratalá).

El periodista y crítico teatral Francisco Aznar Navarro ofrecía el siguiente perfil del género en ‘La Correspondencia’:

Se toma un fresco, lo más fresco posible. Se coloca a su alrededor una docena de mentecatos, se les somete a la más disparatada intriga, con el pie forzado del equívoco a que se presta el doble uso de un nombre de persona o población. Y se vuelca sobre todo ello veinte toneladas de frases, graciosas unas, dislocadas las más, que por lo inopinadas hacen que el público se destornille de risa y aun aplauda, sin perjuicio de preguntarse al final de la jornada: -Pero señor, ¿qué he aplaudido yo?

En sus manifestaciones más extremas se llega incluso a subvertir el lenguaje por medio de una parodia continua, que es lo que ocurre en ‘La venganza de Don Mendo’.

Obras y autores destacables del género

‘La venganza de Don Mendo’ es la astracanada más celebrada de Pedro Muñoz Seca, en la que se parodia el teatro histórico del Modernismo literario español y las convenciones y temas del teatro clásico español del Siglo de Oro. Una obra descabellada y divertida que cuenta con versiones cinematográficas como la de Fernando Fernán-Gómez.

Otras astracanadas muy conocidas de Muñoz Seca son ‘El verdugo de Sevilla’, ‘Los extremeños se tocan’, ‘La plasmatoria’, ‘Anacleto se divorcia’...

El astracán fue una forma que desafiaba la estética realista heredada del siglo XIX, y como tal fue bastante incomprendido y tuvo frecuentes detractores, sobre todo entre la crítica.

Chabás insiste, al comenzar su ‘Literatura española contemporánea’, en la “decadencia” del teatro español desde fines del XIX. Y no tiene reparos en criticar duramente el género del astracán, que “debiera excluirse de los capítulos dedicados a la historia del teatro”, y despreciar directamente a Muñoz Seca, que, según él, se lanzó

a la más disparatada contorsión de la farsa, rebajando soezmente los temas más altos, buscando la más chocarrera forma del retruécano verbal y envileciendo el idioma estercolariamente.

A pesar de las críticas, Muñoz Seca fue el autor más aplaudido durante diez años de la escena española.

Aunque cuando Pedro Muñoz Seca se alzó con el reinado del género se olvidaron otros nombres que lo cultivaron, recordemos que E. García Álvarez fue precursor del astracán. El género del astracán surge en Muñoz Seca cuando comienza a colaborar con Pérez Fernández en las obras ‘Por petenera’ (1911) y ‘Trampa y cartón’ (1912) , y se afianza con la colaboración de García Álvarez en ‘El último Bravo’ (1917). Lo cultivaron otros autores como Carlos Arniches, Paso, Abati, Pedro Pérez Fernández…

En definitiva, el astracán es un subgénero teatral cómico que gozó de éxito entre el públio ávido de diversión y evasión, gracias al humor y por su efectividad teatral sobre el escenario, aunque en contadas ocasiones alcanzara pretensiones más altas y cotas de calidad literaria destacables, sumiéndose así en la decadencia del teatro cómico español de la época.

Más información | La venganza de Don Mendo, Dialnet
En Papel en Blanco | Diccionario Literario

Hoy os traigo una auténtica joyita. Y he de reconocer que hasta hace muy poquito tiempo desconocía su existencia. Se trata de Una hora en la vida de Stefan Zweig de Antonio Tabares, publicada allá por el 2008. ¿Cómo llegué a él entonces? Pues fácil, ya que si bien yo no lo conocía, mi novia sí, y apareció un día con este libro entre sus últimas adquisiciones, y fue verlo y leerlo, convirtiéndose en uno de esos libros que se saltan la larga lista de los que tienes pendientes y se convierten en tu siguiente lectura.

Es importante decir que se trata de una obra de teatro, y ahí otra de las rarezas. Y digo rarezas por mí, ya que salvando unos cuantos clásicos de William Shakespeare, no soy muy dado a leer obras de teatro. Pero amigos míos, en esta ocasión la oferta era demasiado buena, ya que Tabares nos quiere introducir durante un ratito en la vida del gran Stefan Zweig, lo que ya de por sí a todos nos encanta, eso de entrar en la vida de otros, y sobre todo si son escritores a los que admiramos. Y por supuesto, no se conforma con eso, si no que nos introduce en un día muy especial de su vida. ¿Os lo imagináis?

Pues sí, seguro que habéis acertado la mayoría, ya que nos encontramos en la tarde del veintidós de Febrero del año 1942, o sea, el día elegido por el escritor para quitarse la vida en su exilio brasileño junto con su segunda esposa. Con este panorama de partida, Tabares nos trae una magnífica obra teatral que nos mantiene en vilo durante todas sus páginas, y en todo momento tenemos incluso la impresión de que perfectamente pudo haber ocurrido así, ya que nada chirría en la historia. Además, la obra está protagonizada por sólo tres personajes y en un único acto, lo que le da una naturalidad y una ligereza impagable.

Así, Zweig y su segunda esposa, Lotte Altmann, tienen ya todo preparado y están ultimando los detallitos finales. El escritor escribe las últimas cartas que aclararán todo lo que está a punto de suceder, dejando claro su descontento por lo que había pasado con la Europa que él conoció. La dosis de veneno está preparada, y Lotte le lee amorosamente la carta con la que se despedirán del mundo. Pero es en ese momento cuando entra en escena el tercer (y enigmático) personaje: se trata de Samuel Fridman, un extraño personaje, exiliado judío, que tiene un especial interés por una lámina de William Blake que perteneció al propio Stefan Zweig.

Como siempre, no me gusta desvelar nada que os estropee el disfrute de leer este libro, pero aún así, se pueden decir muchas cosas destacables. Empezando por el que es para mí el mejor personaje de los tres, se trata de Lotte, a la que desde el primer momento le cogemos un especial cariño, y sufrimos casi más por ella que por Stefan, que al fin y al cabo, fue el impulsor de la idea. Y es que Lotte se suicida simplemente por amor, por el hecho de seguir hasta el final al hombre que ama, aunque ella sienta que no es correspondida de la misma manera, ya que el fantasma de su primera esposa, Friderike, ronda durante todo el libro casi como un cuarto personaje, y hay que reconocer que tiene mucha importancia en el desarrollo de la historia.

Siguiendo con Lotte, hay que recordar que era veinticinco años más joven que el escritor y ciertamente su ternura desborda en algunos momentos. A mí me parece preciosa la forma que tiene la chica de tomarse la diferencia de edad entre ellos. Así, ella confiesa haber imaginado muchas veces como le cuidaba durante su vejez, y eso era para ella su máxima aspiración y deseo. Pero claro, con semejante plan, hasta de eso se iba a quedar con las ganas. Es digna de admiración la entereza con la que lleva el peso de no saberse la mujer de su vida para Zweig, y aún así, se resigna al triste destino que le espera.

No menos interesante resulta el extraño personaje de Fridman, ese hombre que aparece de buenas a primeras sin saberse muy bien de donde ha salido y que lleva consigo una carta de recomendación del amigo del escritor Richard Strauss. Pero cada vez sus intenciones se van tornando más oscuras, intentando comprender a qué se debe su obsesión por la lámina de Blake. Hay que recordar que Stefan Zweig era un gran coleccionista de obras de arte o cualquier objeto relacionado con personajes históricos, pero con la llegada de la guerra se deshizo de toda su colección.

Algo que me parece muy positivo de este librito es que para nada se puede esperar de él que sea morboso o nos intente hacer ver el sufrimiento físico que experimentaron ambos suicidas. Ni mucho menos. Antonio Tabares tiene el buen gusto de no presentarnos de cerca los hechos, si no que solamente está presente ese hecho en sus páginas como trasfondo, y aunque determina la historia, nunca se convierte en el eje principal de la misma. También destacable resulta el final, cerrando la trama de Fridman de manera muy acertada e incluso con alguna pequeña sorpresa,

De Antonio Tabares podemos decir que nació en el año 1973 en Canarias y que son varios los premios que ha recibido con algunas de sus obras teatrales, como el Premio Caja España de Teatro Breve con su obra Cuarteto para el fin del tiempo, donde ya demostró su habilidad para llevar al teatro a personajes importantes, o el premio Domingo Pérez Minik por La sombra de don Alonso.

Por mi parte, sólo me queda recomendar muy especialmente la lectura de ‘Una hora en la vida de Stefan Zweig’, porque os puede garantizar un ratito más que agradable, además es muy cortita e ideal para una tarde de domingo en la que podamos estar tranquilos. Y cuando acabemos, tendremos la sensación de conocer un poquito más a tan gran escritor. Ya he dicho que no soy un asiduo lector de teatro, pero si Antonio Tabares sigue regalándonos obras así, no descarto aficionarme. Por cierto, tengo que aclarar, que si bien no lo leo mucho, sí que me encanta el teatro como tal, digamos en su hábitat, y no paro de imaginarme lo genial que sería ver esta obra sobre las tablas. Y me consta que hay más de uno y de dos que ya han podido verla. ¡Qué suerte!

LOTTE: Perdóname. No soy tan fuerte como tú crees.

ZWEIG: Claro que lo eres.

LOTTE: No. No lo soy. Lo dices para darme ánimos. Pero sabes que no es cierto. Ojalá yo hubiese sido la mitad de fuerte que Friderike.

ZWEIG: ¿Por qué dices eso?

LOTTE: Porque si hubieses seguido con ella, jamás te habrías atrevido a esto.

Arbolé
Colección: Titirilibros
112 páginas
ISBN: 978-84-935501-5-8
14,00 euros

Más información | Ficha en Arbolé
En Papel en Blanco | ‘Viaje al pasado’, de Stefan Zweig

Ah, Shakespeare. Genio entre los genios. Cumbre de la literatura universal. El teatro llevado a su máxima expresión. Y, de repente, nos encontramos con Jamlet (con Jota), lo que podría ser considerado un hijo bastardo, díscolo, alocado y encantador, de la genial obra Hamlet. Y es que esta versión del archiconocido príncipe danés en clave de humor nos llega de la mano de Titania Producciones y se podrá ver en Madrid hasta el 19 de Septiembre, en el Teatro Casa de Vacas del Retiro. Una propuesta la mar de original para revivir los clásicos de otra manera.

Así, ‘Jamlet’ nos traslada a Aragonia, un reino ficticio, en el que el príncipe Jamlet, ataviado con pelo morado y nariz roja propia de un clown, se sigue debatiendo entre la demencia y la lucidez. Esta versión libre le da la vuelta a la popular obra y la convierte en un espectáculo en el que se mezcla el humor, el absurdo y la música. Eso sí, los habitantes de Aragonia se mueven a ritmo de jotas, en un homenaje a la tierra que vio nacer a Titania Producciones. Nos puede parecer extraño, pero Rosa Sáez, autora del guión de ‘Jamlet’, nos intenta convencer de esta manera:

Tendemos a verlo como un rollo, pero en el fondo lo folclórico tiene mucha fuerza dramática.

No es la primera vez que Titania Producciones le hace una buena revisión al dramaturgo inglés, ya que antes ya habían versionado El sueño de una noche de verano y Romeo y Julieta, con las que han cosechado grandes éxitos en festivales internacionales. Y cuidadín, cuidadín, que lo próximo que tienen en mente es una versión de nuestro clásico Quijote. ¿No tenéis curiosidad?

La verdad es que me parece una adaptación muy curiosa. Eso del Ser o no ser a ritmo de jota tiene que ser toda una experiencia, aunque así de primeras nos suene un poco raro. Nunca está de más ver nuevas versiones de estos clásicos, y mucho más si son tan originales y divertidas como esta. Estaremos pendientes a los próximos movimientos de esta peculiar compañía teatral…

Vía | El periódico de Aragón
Papel en Blanco | ‘Hamlet’, de William Shakespeare, en edición ilustrada

El efecto de distanciamiento o efecto de extrañamiento es una técnica empleada en teatro, iniciada (o reforzada) por el dramaturgo Bertolt Brecht en su “teatro épico” o teatro narrativo (Episches Theater). El efecto de distanciamiento (Verfremdungseffekt) consiste en que la obra se centra en las ideas y decisiones, y no en intentar sumergir al público en un mundo ilusorio, para así evitar la catarsis.

Para Brecht era necesario un distanciamiento emocional del espectador ante la obra, ya que el teatro debía “mostrar y explicar ideas de una realidad que consideraba cambiante”, y el público debía reflexionar de una manera crítica y objetiva.

Si lo que se produce, por el contrario, es una identificación con los personajes, el espectador pierde una parte de sí mismo que le impide reflexionar objetivamente sobre lo que sucede en el escenario.

Todorov en su ‘Teoría de la Literatura’ explica el concepto de distanciamiento del siguiente modo: los objetos observados repetidas veces, comienzan a ser percibidos automáticamente; el objeto se encuentra ante nosotros lo sabemos pero no dejamos de verlo.

Técnicas para conseguir distanciamiento

Hay diversas técnicas empleadas para conseguir el efecto de distanciamiento, y aunque no todos son originales, sí empezaron a ser usadas profusa y conscientemente por Bertolt Bretch en el siglo XX.

• Los actores se dirigien directamente a la audiencia, en una especie de aparte llamativo y abierto.
• La exageración y artificiosidad en la locución o movimientos actorales. Más que actuar, se narra.
• El uso de luz de escena de manera no convencional
• El empleo de canciones
• La locución en verso
• La aparición de carteles y pancartas que anticipaban qué va a pasar
• Las proyecciones que detienen la acción

• La actuación de un narrador-personaje

A través de estos métodos el público se distanciaba de la obra, siendo consciente de estar viendo una obra de teatro de manera que podía reflexionar sobre esta.

Realismo frente a distanciamiento

Brecht era consciente, sobre todo en su exilio en Estados Unidos, donde el teatro era muy tradicional siguiendo el estilo naturalista (a diferencia de las vanguardias europeas), que sería difícil que sus obras innovadoras fueran representadas. Precisamente en ellas el autor intenta alejarse del estilo “natural” aristotélico y negar la ilusión escénica.

Brecht elaboró su propio concepto de realismo:

El escritor realista no se sustrae a los lectores de su realidad para llevarlos a la suya propia, no se erige en la medida de todas las cosas, no se procura simplemente unos fondos, de gran efecto, un poco de colorido, unos pocos motivos convincentes, y no forma su impresión de la realidad simplemente de impresiones sensoriales, sino que con astucia saca a la naturaleza sus secretos, ayudándose de todos los recursos de la practica y la ciencia, concibiendo la realidad en una lucha constante contra el esquematismo, la ideología, el prejuicio en toda su diversidad, en todos sus matices, en movimiento, en su carácter contradictorio.

Ejemplos de obras de Brecht de teatro épico donde se buscaba el distanciamiento son Mutter Courage und ihre Kinder (‘Madre Coraje y sus hijos’) o Der gute Mensch von Sezuan (‘La buena persona de Sezuan’).

Alfonso Sastre, que teorizó sobre el teatro épico y el distanciamiento en numerosas de sus obras ensayísticas, también empleó técnicas de extrañamiento en obras como ‘Escuadra hacia la muerte’ o la fabulosa ‘Taberna fantástica’.

Más información | Artes Escénicas, Cervantes Virtual, Escáner Cultural
En Papel en Blanco | Diccionario Literario

Decir a estas alturas que me gustan los libros ilustrados puede parecer una obviedad, pero me reitero. Soy tremendamente fetichista en lo que a libros se refiere, y más de una vez he comprado títulos que ya tengo porque la edición me ha parecido especialmente bonita. Justo esto es lo que me ha pasado con Hamlet, de William Shakespeare, que ya andaba por casa en una edición bastante corriente. Vi la edición de Nórdica Libros y no me pude contener: una edición preciosa, en formato medio, e ilustrada por Javier Zabala. Así que nada, otro que se viene para casa conmigo.

Creo que hablar del argumento de ‘Hamlet’ puede resultar algo obvio, pero ahí vamos por si acaso hay algún rezagado. Hamlet, príncipe de Dinamarca, tiene una existencia feliz y pacífica, hasta que su padre muere asesinado. El fantasma de éste se le aparecerá una noche para informarle de la terrible verdad: el asesino es su propio hermano, Claudio, que además se ha casado con su esposa, Gertrudis, y ostenta la corona de Dinamarca. Hamlet jurará venganza y en su locura arrastrará al resto de personajes al infortunio. Más que clásico, inmortal.

Venganza, amor, locura, traición, todo junto en una espiral de violencia que ríete tú de las películas de acción. Una venganza engendra otra venganza, y en esta obra los personajes no se andan con remilgos. Una tragedia con mayúsculas, estremecedora, capaz de resistir el paso del tiempo.

No soy yo muy de leer obras de teatro, pero parece que con Shakespeare se pueden hacer excepciones. Las obras de teatro nacen con la firme intención de ser representadas, y siempre se pierde algo con la simple lectura. Aún así, en este caso se puede (y se debe) hacer una excepción. No es lo mismo leer una edición normalita que leer una edición ilustrada, y mucho más si las ilustraciones son como las que podemos encontrar en este libro. Apenas siluetas, transmiten a la perfección la fiereza de la historia.

Javier Zabala, el encargado de ilustrar esta edición, nació en León en 1962. Ilustrador de más de sesenta libros para importantes editoriales de todo el mundo, sus obras han sido expuestas en numerosas ocasiones. En 2005 recibió la mención de honor de los Premios de la feria internacional del libro infantil y juvenil de Bolonia, por su libro D. Quijote, y ese mismo año recibirá el Premio Nacional de Ilustración por El soldadito Salomón.

Poco se puede decir de Wiliam Shakespeare que no se haya dicho antes. Genio incontestable, sus obras son símbolos del teatro internacional, y los temas que trata son eternos. Durante mi adolescencia tuve una época de fervor casi religioso por todo lo que rodeara al autor (supongo que algo de culpa tuvo Kenneth Branagh, no lo voy a negar…), aunque reconozco que ya se me ha pasado. Siempre preferí las comedias a las tragedias, pero es un hecho que es en estas últimas donde alcanza mayores cotas de genialidad.

De ‘Hamlet’ en concreto hay doscientas mil versiones cinematográficas diferentes, desde Los Simpsons hasta la poco conocida de Franco Zeffirelli, que a mí me gusta bastante, a pesar de su uso y abuso del zoom, pero eso es otra cuestión. Resulta curioso ver como esta obra nunca pasa de moda y puede actualizarse de mil maneras distintas. La corrupción moral en torno a la que gira la obra está de plena actualidad, y no hay más que poner un rato la televisión para darse cuenta.

Recomiendo vivamente esta edición de ‘Hamlet’, si podéis echadle una mirada. Los de Nórdica están haciendo muy buen trabajo, tanto con los libros ilustrados como con los títulos en general. La única pega que le veo a este libro es el precio, 29’50 euros, algo elevado, que hace que las personitas como yo, que tienen serios problemas de control a la hora de comprar libros, lleguen a casa con la visa temblando después de una inocente visita a la librería. Pero sin duda alguna, es un ejemplar que merece la pena estar en cualquier vitrina que se precie. Y, por supuesto, leerlo y hojearlo de vez en cuando, que una nunca se cansa de ver ilustraciones.

Este es el espacio de la noche, apto a los maleficios. Esta es la hora en que los cementerios se abren y el infierno respira contagios al mundo. Ahora podría yo beber caliente sangre, ahora podría ejecutar tales acciones, que el día se estremeciese al verla. Pero, vamos a ver a mi madre… ¡Oh! ¡Corazón! No desconozcas la naturaleza, ni permitas que en este firme pecho se albergue la fiereza de Nerón. Déjame ser cruel, pero no parricida. El puñal que ha de herirla está en mis palabras, no en mi mano; disimulen el corazón y la lengua, sean las que fueren las execraciones que contra ella pronuncie, nunca, nunca mi alma solicitará que se cumplan.

Nórdica Libros
Colección: Ilustrados
149 páginas
ISBN: 978-84-92683-13-0
29’50 euros

Más información | Nórdica Libros

No sé dónde vamos a llegar. Con esto de que la juventud no lee y no le interesa ni la literatura ni la cultura, se realizan multitud de adaptaciones para que las obras le resulten más atractivas. Hasta aquí me parece perfecto, mejor introducirlos a la literatura con obras adaptadas para que después se interesen por los originales. Lo que no me parece tan normal es el nivel al que se está llegando con estas adaptaciones. ¿Un ejemplo? Romeo y Julieta en versión Twitter, bautizada como Such Tweet Sorrow.

Los artífices de este proyecto es la Royal Shakespeare Company y Mudlark, una empresa dedicada a programas de entretenimiento para móviles. El formato en el que se desarrollará la obra será con textos de 140 caracteres como máximo, con el que los actores interactuarán entre ellos y también con el público. En cuanto a la trama, de sobra conocida, ha sufrido algunas modificaciones para hacerla más actual y no tiene desperdicio…

Julieta Capuleto es una adolescente de dieciséis años obsesionada por un vampiro de una serie de televisión que se queja amargamente en su Twitter de no encontrar novio a través del chat. En tweets cargaditos de faltas de ortografía (para hacer al personaje más real, supongo) nos irá desgranando sus pensamientos junto con videos en los que muestra los escenarios por los que se mueve, incluida su habitación.

Romeo aparecerá más tarde, porque está muy ocupado jugando con la Xbox, y Fray Lorenzo gestiona un café de Internet. Una versión nada ortodoxa en la que los propios organizadores no saben lo que va a ocurrir en las próximas cinco semanas. Los de la Royal Shakespeare Company están muy entusiasmados y esperan que tenga una buena acogida por parte del público. Veremos cómo responde este, aunque una iniciativa parecida que se llevó a cabo el año pasado tuvo un éxito relativo.

No soy ninguna purista, al contrario, me suelen hacer gracia las adaptaciones de los clásicos, pero en este caso lo veo excesivo. Creo que muchas veces se cometen excesos a la hora de intentar acercar a los jóvenes obras que normalmente no les interesarían, y que realmente no les va a interesar más allá de la novedad que suponga esa adaptación en concreto. Me molesta especialmente el tema de las faltas de ortografía, que no me parece lógico desde ningún punto de vista. Si no hace ni dos días me enteraba que en bachillerato se está utilizando una versión infantil del Quijote, no sé qué es lo que nos queda por ver…

Vía | El Mundo.es
Más información | Such Tweet Sorrow
En Papel en Blanco | ‘Romeo y Julieta’ en el teatro de Twitter

Desapareció en los 80 y en el 2000 volvió a la parrilla con la obra de J. B. Priestley, ‘Yo estuve aquí antes’, y la voluntad de emitirse una vez al mes. Con el tiempo, los buenos propósitos quedaron en agua de borrajas y las emisiones se fueron dispersando hasta que en Agosto de 2006 se emitió la última obra, ‘Alexis’ (repetida en 2009 como homenaje al fallecido actor Fernando Delgado).

Ahora TVE vuelve a levantar el talón con La viuda valenciana, una comedia de Lope de Vega, adaptada y dirigida por Carlos Sedes y protagonizada por Aitana Sánchez-Gijón y Fran Perea. La obra narra la vida la joven viuda Leonarda, una mujer hermosa y rica que rechaza a todos los hombres que la pretenden hasta que conoce al apuesto Camilo, del que se queda prendada.

Según Pere Roca, máximo responsable de Cultural.es, canal de RTVE dedicado a la cultura, señaló que la idea es “recuperar Estudio 1, una vez al trimestre, pero adaptado al siglo XXI”. La viuda valenciana será uno de los platos fuertes para el lanzamiento de Canal Cultura, actualmente en pruebas. Roca anunció la posibilidad de que la obra se difunda “por cualquier otro canal de la corporación RTVE” y anticipó que ya están trabajando en otros dos proyectos, aunque evitó destapar el nombre de las obras en cuestión.

Estamos pues ante una gran noticia para los amantes del teatro. A pesar de mi juventud, recuerdo perfectamente algunas de las retransmisiones teatrales que tanto le gustaban a mi abuela y creo que el audiovisual puede ser un vehículo muy interesante para acercar el teatro a la gente que no le gusta o que, más bien, aún no saben que les gustaría. Os mantendré debidamente informados cuando haya más noticias, como cuándo será el estreno de La viuda valenciana o cuáles serán las siguientes obras.

Vía | ¡Vaya tele!
Más Información | RTVE

En el lenguaje teatral, el aparte es una intervención verbal de uno o varios personajes cuya característica principal es la de apartarse del juego dramático. Es decir, el personaje deja de participar en el acontecimiento escénico inmediato cuando el resto de figuras fingen no escuchar sus palabras, aunque ello no significa que su intervención se desvincule de la historia.

Los apartes son propios de la dramaturgia antilusionista. Podemos clasificar los apartes según los destinatarios a los que van dirigidos y según elnúmero de emisores que participen en esta convención en un mismo momento de la obra.

Aparte ad spectatores y aparte solitario

• En el aparte dirigido a los espectadores, una figura habla directamente al público. Se rompe así la ficción convencional de la cuarta pared, la separación nítida entre dos sistemas de comunicación, el de los actores y actrices entre sí sobre el escenario y el no aceptado entre las figuras y el público. Al admitir la existencia de otro sistema, el de las butacas, se rompe la ficción y por esa razón este tipo de aparte es más frecuente en obras cómicas.

Los prólogos y epílogos que un uno de los actores de la obra “recitan” a los espectadores serían una forma de discurso emparentada con los apartes ad spectatores. También los “narradores” de las obras de herencia bretchiana, del teatro épico, son unos apartes de este tipo.

• El aparte solitario no tiene destinatario concreto y es más bien un hablar “al vacío”, un hablar a sí mismo aunque del mismo modo sea un discurso dirigido al público en la representación, al receptor de la obra teatral, como todas las intervenciones.

Aparte monológico y aparte polilógico

• Si la intervención verbal aparte la realiza una sola figura estamos ante un aparte monológico. Son considerablemente más frecuentes estos apartes, tanto los intraescénicos como los dirigidos a los espectadores.

Enrique Jardiel Poncela, ‘Cuatro corazones con freno y marcha atrás’:

FLORENCIA. Tila, señora.

ELISA. ¿Para beber?
MARGARITA. Sí, claro, mamá; para beber.
EMILIANO. (Aparte) ¡Pobre señora! Está hecha un barullo.

• Si en el aparte intervienen varios personajes que hablan entre ellos como si no los escucharan el resto de figuras estamos ante un aparte polilógico. Suelen ser de tipo duológico.

Calderón de la Barca, ‘El alcalde de Zalamea’:

CAPITÁN. (Aparte a Rebolledo). ¡Ah, Rebolledo! por Dios, / que nada digas: yo haré / que te liberen.

REBOLLEDO. (Aparte al capitán) ¿Cómo no / lo he de decir, pues si callo, / los brazos me pondrán hoy / atrás, como mal soldado?

En el teatro moderno y contemporáneo el aparte no goza de tanta popularidad como en el teatro clásico. Ello es debido al gusto por la verosimilitud, y que las figuras más cercanas a la que emite el aparte no se den por enteradas de algo que el público sí conoce es una convención inverosímil.

Sin embargo, al mismo tiempo el gusto por el distanciamiento y la ruptura de la cuarta pared hace que el aparte se emplee en el teatro actual menos convencional con cierta frecuencia.

En Papel en Blanco | Diccionario Literario: acotaciones, El Proceso de comunicación en el teatro