El propio Martín Lutero dijo de él que tenía poderes diabólicos y otro contemporáneo, Philipp Melanchthon, decía que siempre andaba con dos perros que eran demonios. La primera versión del mito del Dr Fausto apareció de la mano del librero y editor Johann Spies, quien publicó en 1587, la Historia de D. Johann Fausten, de autor anónimo.

La esencia básica de la historia es siempre más o menos la misma: Fausto invoca a Mefistófeles para hacer un pacto con él que consiste en venderle su alma a cambio de saber exactamente todo lo que le interese, de manera de poder manipular los hechos a su antojo. Arrepentimientos van y vienen pero nunca puede Fausto librarse de su pacto con el diablo, quien termina llevándoselo al infierno.

Existen algunas versiones, incluyendo la del inglés Christopher Marlowe, hasta que Johann Goethe retomó el mito fáustico y comenzó a redactar su Faustus. La primera versión (posteriormente conocida como Urfaust parece que ya estaba lista para 1773 pero él continuó revisándola hasta que finalmente vio la luz en 1808. La segunda parte del Fausto solamente aparecería en 1833, un año después de la muerte del autor.

Esta primera parte narra, por un lado, el proceso que atraviesa Fausto quien ya agotado hace un pacto con Mefistófeles para que le devuelva la juventud y, por otro, relata la tragedia del amor de Fausto y Gretchen (Margarita), o más bien debería decir la tragedia de Gretchen por su amor al Fausto. Mefistófeles guía los hilos de manera que Fausto asesine al hermano de su amada y que ésta quede embarazada pero que mate a su hijo y sea posteriormente juzgada y condenada a muerte.

Como se ve, es una tragedia con todas las de la ley que, además, marca con mucha fuerza las bases del Romanticismo Alemán. Aunque suene que todo esto tenga poco de romántico. Otras recreaciones del mito han seguido a la de Goethe, como la de Klauss Mann, Mephisto, quien la contextualiza en el ámbito del régimen nazi.

Vía | Yahoo! Noticias

Ayer se celebró un homenaje mundial dedicado al arte teatral, como cada 27 de marzo desde 1961: el Día Mundial del Teatro. Quería dejar aquí el mensaje internacional creado para la ocasión, que este 2008 ha corrido a cargo de Robert Lepage, autor, director y actor teatral canadiense.

El dramaturgo narra una fábula sobre el nacimiento del teatro que nos traslada a los orígenes de la humanidad. Intenta poner de manifiesto que la tecnología no debe considerarse ajena al teatro en la actualidad, ya que se encuentra unida a éste desde sus comienzos. Y que el teatro necesita evolucionar para sobrevivir.

Quizá mucho de eso falte a nuestro teatro contemporáneo, una verdadera evolución y renovación de la mano de nuestro tiempo y nuestra sociedad, para que un arte que podría dar mucho más de sí no tenga el alcance que merece.

Éstas son las palabras de Robert Lepage:

Existen varias hipótesis sobre el origen del teatro, pero la que más me interesa es la que adopta la forma de una fábula:

Una noche, en tiempos remotos, un grupo de hombres se reunieron en una cantera alrededor del fuego a contarse historias. De pronto, uno de ellos tuvo la idea de levantarse y utilizar su propia sombra para ilustrar el relato. Ayudado por la luz de las llamas, hizo aparecer sobre los muros de la cantera personajes más grandes incluso que los reales. Paso a paso, los asistentes, maravillados, fueron distinguiendo al fuerte del débil, al opresor del oprimido, al dios del mortal.

En nuestros días, la luz de los proyectores reemplaza el fuego del comienzo y la maquinaria teatral los muros de la cantera. Y aunque desagrade a ciertos puristas, esta fábula nos recuerda que la tecnología se encuentra en el origen mismo del teatro y que no debe en ningún caso percibirse como una amenaza, sino como un elemento unificador.

La supervivencia del arte teatral depende de su capacidad de reinventarse integrando nuevos elementos y lenguajes. De no ser así, de no dar prueba de apertura ¿cómo podría el teatro continuar siendo testigo de los grandes desafíos de nuestro tiempo y promover la comprensión entre los pueblos? ¿Cómo podría jactarse de ofrecer soluciones a los problemas de intolerancia, exclusión y racismo si en su propia práctica rehusara todo mestizaje e integración?

Para representar el mundo en toda su complejidad, el artista debe proponer nuevas ideas y formas y tener confianza en la inteligencia del espectador, capaz, por su parte, de distinguir la silueta de la humanidad en su perpetuo juego de luz y de sombras.

Es verdad que de tanto jugar con el fuego el hombre corre el riesgo de quemarse, pero también es cierto que con él puede tentar la suerte de deslumbrar e iluminar.

Robert Lepage, Quebec, 17 de febrero de 2008

Sitio Oficial | International Theatre Institute
Más información | Ministerio de Cultura
En Papel en Blanco | 27 de marzo, día mundial del Teatro

Su obra de teatro más famosa es Las bicicletas son para el verano, un trasunto autobiográfico de sus experiencias infantiles en el Madrid previo a la guerra, y posteriormente en los años del asedio y finalmente la rendición. La obra fue Premio Lope de Vega en 1978 y tuvo una exitosa adaptación al cine. Nos ha legado una de las sentencias más descarnadas sobre lo que supuso el final de la guerra civil para los que estuvieron en el bando perdedor: No ha llegado la paz. Ha llegado la victoria.

También es autor de una docena de novelas de corte histórico y autobiográfico, de ensayos sobre la estética, la literatura y la interpretación, y de varios volúmenes de memorias. Convertido en una figura cultural de colosal relevancia, en los últimos años se fue alejando del gran público a base de labrarse una fama de arisco e introvertido. En uno de sus últimos artículos, publicado en el diario El País, hacía el elogio del abrazo de la lectura.

Vía | El País
En Blog de Cine | Ha fallecido uno de los grandes: Fernando Fernán Gómez

Mailer saltó a la fama en 1948 cuando era un joven estudiante estadounidense en la Sorbona con la publicación de su primer libro, Los desnudos y los muertos, en dónde relata sus experiencias en la II Guerra Mundial. En 1955 escribiría El parque de los ciervos, trasunto cínico de su vida como guionista en Hollywood.

A partir de los 60 empezó a descollar como analista político y cultural con ensayos como Los ejércitos de la noche, una obra sobre la marcha pacifista en Washington contra la guerra de Vietnam que le valió el premio Pulitzer.

Mailer ganaría un segundo Pulitzer en 1980 con La canción del verdugo, una “non-fiction novel” sobre la condena a muerte del asesino confeso Gary Gilmore. Mailer también se ocupó del caso del igualmente condenado Jack Abbott, al que apoyó para que publicara sus cartas desde la prisón y obtuviera la libertad condicional. Sin embargo, una vez en libertad, Abott cometió un crimen, lo que generó un aluvión de críticas sobre Mailer y su militancia contra la pena de muerte.

Tras ello escribió biografías sobre personajes como Marilyn Monroe o Lee Harvey Owsald. Su última novela, El castillo en el bosque, ha sido editada recientemente.

Via | Yahoo! Noticias
Más Información | Bibliografía de Norman Mailer en EPdLP

La consagración le llegó a los 23 años con la obra que demolió las fronteras entre la comedia y la tragedia, Ubú Rey. Esta irreverente y bufonesca parodia del Macbeth de Shakespeare nos presenta al orondo, glotón, cobarde, incompetente y sanguinario Padre Ubú, al que la arpía de la Madre (¡Mardre!) Ubú convence para que asesine al rey y tome su lugar, seduciéndole con la promesa de una capelina nueva y de comer callos todos los días.

Lo alto se entremezcla con lo bajo, nobles príncipes se enfrentan con un patán obsesionado con las “phynanzas” de su reino en una mezcla iconoclasta que causó escándalo en su época (sólo fue representada dos veces en vida de Jarry) y abrió la senda a un nuevo tipo de teatro que encabezaría el absurdo de Ionesco.

No contento con volver del revés el género del alto coturno, Jarry acuñó su propia corriente filosófica: la patafísica. El objetivo de la patafísica es simple: Estudiar las soluciones imaginarias y las reglas que rigen las excepciones. En un mundo que es constante absurdo sólo lo excepcional es manifestación de un orden, luego indicio de una regla. Pero que pueda haber una regla en este caos es ya algo excepcional de por sí. La patafísica, por lo tanto, se enrosca en sí misma como la espiral que ciñe la regia panza de Ubú.

Desde 1948 existe un Colegio de la Patafísica que ha contado entre sus ilustres y meritorios miembros a Ionesco, Boris Vian, Jean Genet, Joan Miró, Umberto Eco o Fernando Arrabal.

Más Información | Alfred Jarry en EPdLP, Patafísica.net

Se ha reído de mis pérdidas y burlado de mis ganancias, ha afrentado a mi nación, ha desalentado a mis amigos y azuzado a mis enemigos. ¿Y cuál es su motivo? Que soy judío. ¿El judío no tiene ojos? ¿El judío no tiene manos, órganos, dimensiones, sentidos, afectos, pasiones? ¿No es alimentado con la misma comida y herido por las mismas armas, víctima de las mismas enfermedades y curado por los mismos medios, no tiene calor en verano y frío en invierno, como el cristiano? ¿Si lo pican, no sangra? ¿No se ríe si le hacen cosquillas? ¿Si nos envenenáis no morimos? ¿Si nos hacéis daño, no nos vengaremos?

Cada vez es más frecuente que tengamos que comentar noticias sobre autores boicoteados u obras acusadas de racismo, antisemitismo, machismo, ect… Algunas tienen fundamentos razonables, otras son puro delirio, pero todas tienen algo en común: sólo atañen a productos del siglo XX o contemporáneos. Ni los más acérrimos defensores de lo políticamente correcto suelen atreverse a rebasar la frontera del novecento porque, evidentemente, todo era racista, antisemita y machista hasta entonces. Y no hay más que rascar.

Se le perdona a la literatura clásica lo que no a la moderna porque es fruto de su tiempo, uno oscuro y dogmático del que una conciencia individual no acaba de escapar. Antes de que Darwin, Freud y Marx inventaran el individuo y su responsabilidad, pensamos, no había sino un amalgama homogénea de supersticiones, prejuicios y sentimientos gregarios. ‘El mercader de Venecia’ es una obra de su tiempo, llena de esas mismas convenciones oscuras, drásticas, racistas.

¿Cómo se las arregla entonces para contener uno de los alegatos más demoledores contra la intolerancia?

Hay un villano en esta obra: el judío Shylock, contrapuesto al caballero cristiano Antonio. El primero es vilipendiado por su religión y por su oficio de prestamista, el otro es querido y respetado por su clase y generosidad. Son dos mundos diferentes, y se odian justamente por ser diferentes. Cuando la fatalidad irrumpe, Shylock se transformará en una bestia menos que humana al exigir con fiereza su fianza de una libra de la carne de Antonio, pero lo que le azuza es el rencor haber sido burlado y maltrado sin causa, cuando no podía defenderse.

La intolerancia, primero la de Antonio y después la de Shylock, es el verdadero motor trágico de esta pieza. Y la intolerancia, en uno de estos agridulces finales tan típicos de Shakespeare que tan desapercibidos pasarían a sus coetáneos, acaba por vencer.

Lo demás, los estereotipos sobre judíos a los que les duele perder más una bolsa de dinero que a su hija, son debates superados. Puede que Shakespeare fuera antisemita, ¿qué importa eso ahora? Lo importante es que no podía permitir que su obra lo fuera sin más. La literatura es una parte de razón y otra de sentimiento, y si es sincera padece incluso con el villano. Shakespeare no podría haber escrito sobre hombres si no hubiera hecho al judío tan hombre como los demás. El escritor racista, si es realmente escritor y racista, sufre su propio racismo.

¿Es sólo cosa de una obra inspirada de Shakespeare? Recuerdo ahora pasajes de Cervantes en donde los gitanos o los moriscos son todos bribones, ladrones / avaros, falsos cristianos, ect… Pero el padre de Zoraida, la mora que huye para ser cristiana ¿No muere de pena por ser abandonado incluso después de prometer respetar su conversión? La historia del morisco Ricote ¿No es acaso una denuncia de la desgarradora experiencia del exilio, por mucho que se cubra de flores al monarca que decretó la expulsión? La razón nos dice que hay un discurso racista, pero el sentimiento está del otro lado.

¿Cómo olvidar finalmente la escena de la gran película Ser o no ser en la que un actor judío le recita el monólogo de Shylock a Hitler? Decía Oscar Wilde que todo arte es en sí inútil, y por ende inmoral. De acuerdo, pero sólo si es realmente arte, no un panfleto. Y arte es aquello en lo que seguimos descubriendo significados con el paso del tiempo. Arte es lo que nos hace sentir al otro: necesariamente es lo contrario al racismo.

La compañía británica ha decidido vender a precio de saldo 4.000 de las prendas utilizadas para las representaciones de las obras de los últimos tiempos, sobre todo musicales.

Eso sí, la venta se hará sobre la sección de trajes de alquiler, quedando fuera por tanto los vestidos que han llevado en algún momento sus actores y actrices más famosos, o las piezas más antiguas, que datan hasta del siglo XV.

Entre esas prendas con perchas que cuelgan de las estrellas figuran el traje que vistió Laurence Olivier en la producción de Macbeth de 1955 o el vestido de lady Macbeth que lució ese mismo año Vivien Leith, o el traje de Romeo que llevó David Tennant en el 2000.

Vía | La Vanguardia

El teatro municipal de Almagro es un edificio del siglo XIX catalogado como Bien de Interés Cultural que ya fue sometido a una rehabilitación hace 20 años. Es además una de las sedes del Festival de Teatro Clásico de Almagro, que este año ha celebrado su 30 aniversario.

Afortunadamente, el mayor tesoro histórico de Almagro ha salido intacto: su famoso Corral de Comedias, el único que se conserva del siglo XVII y que le ha deparado honores como servir de escenario a la película Alatriste y decantar a Almagro como sede del Museo Nacional del Teatro.

A partir de mañana comenzarán las labores de evaluación de daños en el teatro municipal. Al tratarse de un bien protegido, las reparaciones excluyen el uso de maquinaria, por lo que los trabajos serán probablemente lentos. El alcalde de Almagro ha declarado sus intenciones de acometer una rehabilitación integral. Esperemos que, por lo menos, el susto sirva como toque de atención para preservar nuestro patrimonio.

Vía | Yahoo! Noticias
Sitio Oficial | Festival de Teatro Clásico de Almagro

El evento, que tiene lugar en San Lorenzo del Escorial, cuenta con un importante elenco de clásicos sobre el escenario, una oportunidad estupenda de revivir obras inmortales.

Diversas compañías representarán sobre las tablas joyas de la literatura universal como la divertida El perro del hortelano, de Lope de Vega, las shakesperianas Otelo y Macbeth, Margarita La Tornera, de José Zorrilla, El avaro, de Molière o Morir pensando matar, de Francisco Rojas Zorrilla.

También tendrá cabida la liturgia medieval con la representación de El misterio del Cristo de los Gascones. Las representaciones se llevarán a cabo en el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial (sede temporal del Real Coliseo de Carlos III).

Sitio Oficial | Comunidad de Madrid

Este año se han incluído dos nuevas rutas, La huella de Don Quijote y otra dedicada a la zarzuela. Quienes se apunten a la peripecia quijotesca podrán recorrer los aledaños de la casa en la que murió Cervantes acompañados del Caballero de la Triste Figura, Aldonza Lorenzo y Rocinante.

La visita estrella sigue siendo, sin embargo, la dedicada a la famosa serie de Arturo Pérez Reverte, El Capitán Alatriste en apuros. El argumento de la dramatización, y cito textualmente, consiste en que la malvada Angélica de Alquézar ha contratado a Gualterio Malatesta para que acabe con el capitán Alatriste.

Esta última visita me parece hoy en día más importante que nunca ya que subsana un importante error histórico. Y es que, al contrario de lo que una reciente superproducción nos ha hecho creer, el Madrid del siglo XVII no estaba compuesto por un único callejón muy largo, la gente no se quedaba quieta de repente para parecer un Velázquez, y el mar no quedaba a un paseo a pie.

Las visitas se realizan en español e inglés. Los miércoles, jueves, viernes y sábados comienzan a las 20.00 horas y los domingos a las 12.00. Reserva y venta de entradas en el Centro de Turismo (Plaza Mayor, 27), de lunes a viernes no festivos, de 9.30 a 20.30 horas.

Via | Madridiario
Sitio Oficial | esMADRID.com
Fotografía: Diego Hernández, Madridiario

Sin embargo, en cuanto nos paramos a pensar qué sucedería si realmente ponemos freno a nuestros corazones, pueden surgir dudas e inquietudes muy variadas… Oscar Wilde plasmó lo trágico de la consecución de la eterna juventud mediante Dorian Gray.

El mismo tema trascendente trata Enrique Jardiel Poncela, aunque con mucho sentido del humor, en la comedia que nos ocupa. La originalidad de la obra estriba precisamente en la perspectiva lúdica, desenfadada e intrascendente con la que aborda un tema tan serio. Se situá así en la línea del humor imaginativo, disparatado e ilógico que cultivaron otros autores de la época, como Miguel Mihura.

A través de la intriga que atrapa al lector desde el primer momento, de unos personajes variopintos, extravagantes, de unas situaciones inverosímiles y de unos diálogos refrescantes vamos a encontrar una aproximación muy lúcida a la inmortalidad y a la eterna insatisfacción humana. Probablemente acabemos pensándonos dos veces lo de vender nuestra alma al diablo (o tomarnos unas sales milagrosas) para ser eternamente jóvenes…

Y no digamos ya, si lo que nos propone la pócima mágica es una marcha atrás en el tiempo e ir restando días y años a nuestros cuerpos y mentes. El disparate puede ser total. La ironía y el absurdo lo tiñen todo en esta obra que, a propósito, no nos restará demasiado de nuestro valioso tiempo, ya que sus tres actos transcurren en un santiamén.

Como la práctica totalidad de las comedias barrocas, está escrita en verso, lo cual puede suponer cierta dificultad al comienzo de su lectura. Aunque si no desistimos y continuamos unas páginas más, pronto nuestro oído, nuestra mente, se acostumbrará al lenguaje versificado y no tendremos mayor dificultad que al leer otras obras en prosa del Siglo de Oro. Creo que en el caso de Fuente Ovejuna, vale la pena.

Unos personajes fuertes, sobre todo unas mujeres con gran personalidad (algo habitual en Lope pero no tan frecuente en el resto de teatro de la época), una acción que se desarrolla prácticamente sin dar descanso al lector o espectador en sus tres actos hasta culminar en la justa venganza, en la tortura y en el perdón real, un verso exquisito, sus toques de humor, el lirismo de sus canciones, el reflejo de una parte de la sociedad que dejaba atrás la Edad Media… Todos estos elementos hacen de Fuente Ovejuna una obra entretenida y fundamental en la historia del teatro español.

No nos dejemos engañar por el nombre que reciben todas estas obras barrocas, comedia. Era la denominación que recibía prácticamente todo el teatro dividido en actos de la época. Pero en Fuente Ovejuna, como en muchas otras comedias barrocas, la tragedia se mezcla con la comicidad. Los asuntos que llevan al pueblo de Fuente Ovejuna a erigirse en autodefensores de su honra no tienen nada de cómicos.

Lo que vamos a encontrar en la obra de Lope es la acción de una injusticia radical derivada de un orden social estamental mal entendido. Un aviso contra las tiranías de los nobles, pero sin entrar a discutir la monarquía, que queda intacta en su papel, como en tantas obras de la época. En Fuente Ovejuna se aplaude la revuelta popular y queda plenamente justificada, pero porque se trata de una rebelión contra gobernantes de una escala intermedia que han degenerado en sus poderes.

Había que llevar mucho cuidado al tratar un tema tan delicado como la muerte de un comendador a manos del pueblo, ya que podía generar incomprensión. Para ello, lo mejor era basarse en un hecho histórico. La principal fuente de Lope fue la Crónica de las tres Órdenes y Caballerías de Santiago, Calatrava y Alcántara, de Francisco de Rades y Andrada, que narraba el suceso ocurrido en el pueblo:

Don Fernán Gómez de Guzmán, Comendador Mayor de Calatrava, que residía en Fuente Ovejuna, villa de su Encomienda, hizo tantos y tan grandes agravios a los vecinos de aquel pueblo, que no pudiendo ya sufrisrlos ni disimularlos, determinaron todos, de un consentimiento y voluntad, alzarse contra él y matarle.

A partir del Comendador Fernán Gómez, que aparece caracterizado con una mentalidad arcaica al creerse poseedor de las gentes del pueblo y no entender cómo nadie se puede negar a sus caprichos u oponerse a él, se desencadena la tragedia. Su orgullo feudalesco no tenía sentido en la época en la que se ambienta la acción, con el reinado de los Reyes Católicos.

En el extremo opuesto, los personajes villanos (de la villa), dignos y conscientes de su honor, no se pueden dejar pisar por los abusos del Comendador.

Destaca el hecho de que sea una mujer, Laurencia, la que consiga con su indignación y con su fuerza levantar a todo el pueblo ante las injusticias y abusos del Comendador, que ella ha sufrido en primera persona. En una fabulosa arenga Laurencia acusará de cobardes a su padre (el alcalde de Fuente Ovejuna) y al resto de hombres del pueblo por no actuar antes, permitiendo que el Comendador la raptase el mismo día de su boda, y convencerá al resto de mujeres para que se unan en la justa venganza.

Todo el pueblo, incluido el gracioso de la obra, participa de la muerte de Fernán Gómez, todo el pueblo recibirá el perdón de los Reyes Católicos, que imponen la vuelta del orden establecido, y, antes, todo el pueblo había resistido las torturas confesando, simplemente, que

¡Fuente Ovejuna lo hizo!

Más información | Fuente Ovejuna

Este año el Festival dedicará gran importancia a los espectáculos de calle, con un total de 21 escenarios, la mayor parte exteriores. Talleres para niños, gigantes y cabezudos, cuentacuentos, mercados medievales, otro sobre los carnavales de la cultura china o de narradores y juglares… congregarán, como cada año, a miles de visitantes en diversos rincones de Almagro.

Y, sin duda, el teatro clásico como protagonista. Rafael Álvarez “El Brujo”, Amancio Prada con sus canciones “Trovadores y Juglares”, la Compañía Nacional de Teatro Clásico con Del Rey abajo ninguno, de Rojas Zorrilla, o Sainetes, de don Ramón de la Cruz... son algunos de los nombres fundamentales que recorrerán esta edición. La Numancia de Cervantes, Otelo o Hamlet entre otras obras de Shakespeare, Don Juan Tenorio de Zorrilla, Lope de Vega, Calderón... Se puede consultar el fabuloso programa, plagado de obras indispensables, conciertos y exposiciones aquí.

Y mención especial para un espectáculo de Els Joglars y Albert Boadella: Sucedió en Manhattan, que toma la figura de don Quijote y la enfrenta a nuestro presente. Todo un clásico revisado por estos días de modernidad...

Página Oficial | Festival de Almagro
En Papel en Blanco | Almagro, ombligo del teatro clásico

El diálogo inicial entre Dionisio y don Rosario ya nos va a dar el tono general de la obra. A través de las palabras del protagonista masculino nos enteramos de que el hotel en que se aloja ha mejorado mucho: las moscas fueron trasladadas año tras año de la cocina, al comedor, a la sala y finalmente al campo, en donde, por fin, las pudo usted dar esquinazo…. También la habitación cuenta con una nueva mejora: la instalación del teléfono. Cuando Dionisio descubre el aparato (que sirve a lo largo de la obra para advertirle, con cada timbrazo, del mundo de la decencia que le espera fuera del hotel) inicia este diálogo:

DIONISIO- Pero, ¿qué veo, don Rosario? ¿Un teléfono?
DON ROSARIO- Sí, señor. Un teléfono.
DIONISIO- Pero ¿un telefono de esos por los que se puede llamar a los bomberos?
DON ROSARIO- Sí, señor. Y a los de las Pompas Fúnebres…

Realmente se trata de mejoras considerables, si tenemos en cuenta que el hotel que alberga tan singulares personajes pone las iniciales en las servilletas y en los mondadientes para reutilización de los mismos por sus propietarios…

La siguiente escena, en la que Dionisio conoce a Paula y al negro Buby, ofrece un curioso efecto cómico cuando el futuro marido rompe el sistema de la experiencia con absurdas preguntas a Buby; las respuestas de éste no se quedan atrás:

DIONISIO- ¿Y hace mucho tiempo que es usted negro?
BUBY- No sé, yo siempre me he visto así en la luna de los espejitos…
DIONISIO- ¡Vaya por Dios! ¡Cuando viene una desgracia, nunca viene sola! ¿Y de qué se quedó usted así? ¿De alguna caída?...
BUBY- Debió de ser eso, señor…
DIONISIO- ¿De una bicicleta?
BUBY- De eso, señor…

A continuación, Dionisio, convertido en Tonini (el cambio de nombre que le introduce en el nuevo mundo que va a conocer esta noche) enseña a Paula su supuesta especialidad en el escenario: tirar los sombreros de copa al aire… ¡y que caigan al suelo! La joven Paula, emocionada, aprende enseguida…

Ella también colabora a hacer del color de Buby centro de lo absurdo, al enumerar una serie de tópicos descabellados: que si Buby cantaba tristes canciones en la plantación, que si de pequeño le mordían los mosquitos y los monos y tenía que subirse a los cocoteros…

El segundo acto se inicia con un desfile de personajes insólitos que dan pie a palabras y situaciones de nuevo absurdas. El cazador astuto que pescó cuatro conejos hacía 15 días (por cierto, conejos de los que cuelgan etiquetas con… ¡el precio1) y los lleva colgados del cinturón medio descompuestos.

Madame Olga, la mujer barbuda a la que le aconsejan que se tiña de rubia, porque donde esté una mujer con una buena barba rubia…. Pero a su marido, también artista, que tenía cabeza de vaca y cola de cocodrilo, sólo le gustaban las bellas mujeres de barba negra.

El Odioso Señor, al que no le gustan los automóviles porque las ruedas van todo el rato dando vueltas, que posee cuatrocientos elefantes a los que les ha puesto trompa y todo y que a la bañera le echa focas porque como se baña tan frecuentemente en Noruega no puede vivir sin ellas… Mientras intenta que Paula caiga en sus redes, va sacando de los bolsillos los objetos más estravagantes para ella: una liga, unas medias, un ramo de flores de trapo, un bocadillo de jamón, una carraca… Creando así un efecto paródico de la conquista amorosa.

El final del segundo acto, cuando el futuro suegro de Dionisio, Don Sacramento, golpea la puerta, nos deja al novio escuchando el corazón de Paula con el auricular del teléfono porque ésta ha quedado inconsciente tras ser golpeada por Buby. El desenlace está cerca.

El tercer acto ofrece, con el amanecer, el despertar de Dionisio a la cruda realidad que le espera. Pero esto no es obstáculo para que sigan apareciendo diálogos ridículos entre los personajes. Don Sacramento huele los conejos en descomposición que el cazador astuto dejó bajo la cama. Dionisio, asustado, cree que es Paula que ha muerto, pero entonces descubren los conejos. El diálogo no tiene desperdicio:

DON SACRAMENTO- ¿Qué olor es este, caballero? ¡En este cuarto hay un cadáver! ¿Por qué tiene usted cadáveres en su cuarto? ¿Es que los bohemios tienen cadáveres en su habitación?...
DIONISIO- En los hoteles modestos siempre hay cadáveres…
DON SACRAMENTO- (Buscando) ¡Es por aquí! (...) ¡Dos conejos muertos! ¿Por qué tiene usted dos conejos debajo de su cama? En mi casa no podrá usted tener conejos en su habitación… Tampoco podrá usted tener gallinas… ¡Todo lo estropean!
DIONISIO- Éstos no son conejos. Son ratones… Aquí hay muchos…
DON SACRAMENTO- Yo nunca he visto unos ratones tan grandes.
DIONISIO- Es que como este es un hotel pobre, los ratones son así... En los hoteles más lujosos, los ratones son más pequeños… Pasa igual que con las barritas de Viena…
DON SACRAMENTO- ¿Y los ha matado usted?
DIONISIO- Los he matado yo con una escopeta. El dueño le da a cada huésped una escopeta para que mate a los ratones…

Cuando Don Sacramento descubre el precio al cuello del conejo (3’50), a Dionisio no se le ocurre otra cosa que decirle que, como el hotel cuenta con tantos ratones, el dueño los ha numerado para organizar concursos de caza. Así puede regalar mantones de Manila o planchas al ganador. Dionisio le envuelve los conejos a Don Sacramento y éste, muy contento, se los va a llevar a sus sobrinos para que jueguen…

Finalmente Don Sacramento se va con su carraca y llega el momento de la confesión de Dionisio a Paula: “Sí, me caso, pero poco”. El desenlace se va tiñendo de sueños truncados, de alegrías fingidas, de llantos disimulados y de la marcha de Dionisio hacia un destino monótono; de la marcha de Paula hacia la misma triste realidad en la que se encontraba al principio de la obra. Parece que nada ha cambiado en los mundos de ambos protagonistas, excepto que ahora son más conscientes de dónde están situados. Y por lo tanto probablemente sean más infelices.

En Papel en Blanco | Tres sombreros de copa, de Miguel Mihura, El humor en ‘Tres sombreros de copa’

La obra de Miguel Mihura está teñida de un humor absurdo, basado en lo inverosímil e incongruente y que el autor también cultivó en revistas como La ametralladora o La codorniz. Con el humor Mihura pretendía desarticular los tópicos, lo consabido, las apariencias. Por ello, como decíamos, en Tres sombreros de copa los abundantes rasgos de humor no logran paliar una sensación de desengaño y amargura final.

En mi última lectura de la obra me he detenido en las situaciones más o menos cómicas que sustentan una parte importante de la obra de Mihura, y que ayudan a sobrellevar la triste realidad de los personajes que la pueblan.

Empecemos por destacar particularmente 3 personajes grotescos, degradados, sin personalidad, casi caricaturas: don Rosario, don Sacramento y el Anciano Militar. En ellos las características de lo desorbitado e incongruente no parecen dejar hueco a rasgos humanos verosímiles. Veámoslos uno a uno.

Don Rosario es un personaje caracterizado desde el primer momento por una actuación absurda, exagerada e inverosímil. Se trata del dueño del hotel en que se alojan los protagonistas. Desde que enseña las tres lucecitas del puerto que jamás ha visto, o le ruega a Dionisio que se quede con la vieja bota que ha encontrado bajo la cama (primer acto). Hasta que al final de la obra apremia a Dionisio porque ya las criadas están tirando confeti y los criados miguitas de pan. Este personaje es tan exageradamente paternal con sus huéspedes que si no pueden dormir acude ¡a tocarles la corneta! O los arropa y se mete en la cama con ellos si están enfermos. Toda la actuación de don Rosario es una sarta de exageraciones y comportamientos absurdos.

Don Sacramento personaliza, como su nombre indica, la tradición y la convención, aparte de ser el resorte que devuelve a Dionisio a la realidad: se debe casar con su hija en pocas horas. Las alusiones a la decencia que hace don Sacramento son absurdas: las personas decentes no salen por la noche a pasear bajo la lluvia, las personas decentes deben llevar siempre una patata en los bolsillos, poner retratos de la familia en la pared, les deben gustar los huevos fritos para desayunar… En toda la obra no aparecen tan a menudo los verbos de obligación tendrá, deberá, no podrá, que taladran la voluntad de Dionisio. Estos mandamientos de la decencia, que aterrorizan a Dionisio (sin embargo, no es capaz de escapar a ese futuro), convierten a don Sacramento en un personaje paródico.

El Anciano Militar es un personaje de menos importancia en la obra, pero caracterizado grotescamente como un monigote, al igual que los anteriores. El complemento que da pie a la actuación del Militar es Fanny, otra de las chicas de music-hall que intentan sacar provecho de los señores ricos. Al principio se niega a regalarle a la joven ninguna de sus cruces de guerra (si ella quiere, un sombrero o una lámpara). Pero finalmente Fanny consigue su objetivo, y el Anciano le da hasta la más valiosa de las cruces que cuelgan de su uniforme. Las palabras finales del personaje, soñando con una boda, con escapar a América, con criar gallinitas y quizá tener un niño rubio, dan fe de su ingenuidad y de su infantilismo.

En Papel en Blanco | Tres sombreros de copa, de Miguel Mihura

‘Imperium’ se estrenó en el ámbito internacional, tras luchar con la censura china y ceder a que las actrices fueran vestidas con mallas de color carne en lugar de sus propias carnes, que era la idea original. Sin desnudos y con la suavización de ciertas escenas, el montaje dirigido por Jürgen Müller se pudo ver finalmente el 1 de mayo en Beijing.

Un mes después, y ya sin censuras, podremos asistir al espectáculo mañana y el domingo en Soria, en el marco de los eventos organizados para conmemorar el centenario de la llegada de Machado a la ciudad. 8 actrices y una escenografía impactante mostrarán una reflexión que tiene como punto de partida el atentado de las Torres Gemelas y el cambio de valores que trajo consigo. Los títulos de las 5 escenas que componen la obra nos dan una idea de lo que trata de transmitirnos: “Miedo”, “Discursos”, “Domesticación”, “Transformación” y “Muerte total”.

Sólo apto para espectadores que consideren a la palabra como prescindible en el teatro. Y que confíen en que los gestos, la música, las luces, los ruidos, los bailes… pueden transmitir, de una manera más intuitiva y emocional, muchas sensaciones.

Vía | El Norte de Castilla
Sitio Oficial | La Fura

PAULA saluda con la mano tras los cristales. Después se vuelve. Ve los tres sombreros de copa y los coge… Y, de pronto, cuando parece que se va a poner sentimental, tira los sombreros al aire y lanza el alegre grito de la pista: “¡Hoop!” Sonríe, saluda, y cae el telón.

Así finaliza la obra de Miguel Mihura. No he desvelado detalles del argumento (lo haré más abajo) y la cita me sirve para incidir en su significado profundo, aquel que hace de Tres sombreros de copa una obra del siglo pasado en la que podemos rastrear mucho de nuestra vida actual.

Tres sombreros de copa es una de las obras teatrales más importantes de la primera mitad del siglo XX, con unas particularidades que la convierten en una obra aislada en su tiempo. La obra, escrita en 1932, aunque estrenada 20 años más tarde, sigue despertando en mí el sabor agridulce que deja un humor que sólo intenta camuflar la amargura de la vida de sus personajes.

Unos personajes a los que nos gustaría empujar y despertar con el grito de: “¡Por ahí no!”. Quizá lo cómico fuera el único modo de sobrellevar el conflicto entre el ser (en el sentido pleno y libre de la palabra) y el parecer.

La obra transcurre en un solo espacio escénico (una habitación de hotel) y en una sola noche (la víspera del matrimonio entre Dionisio y una virtuosa señorita). Esta noche será la que le descubra a Dionisio que quizá el matrimonio no sea la vida que desea. Cuando, borracho, inmerso en el baile que se organiza en su habitación, rodeado de personajes insólitos, exclama “Yo nunca he sido tan feliz”, nos damos cuenta de la fragilidad del camino del matrimonio en que se va a embarcar.

Es significativo que, de los 3 sombreros de copa que lleva para su boda, símbolos de la convención y la etiqueta en este caso, ninguno le quede bien. No hacen más que ridiculizar aún más si cabe su aspecto, convirtiéndolo en un personaje grotesco.

El resorte que le lleva a dudar de su decente destino es Paula, una bailarina de music hall que se aloja en el mismo hotel. Dionisio no será el único personaje que dude de su futuro. Paula se ve igualmente atrapada en un falso mundo de libertad y la atracción que siente por el protagonista masculino le hará plantearse huir de ese universo. Poco le dura al lector o espectador la ilusión del mundo del espectáculo representado por Paula.

Ella vive una vida en la que se deja explotar y maltratar por Buby (“Buby es malo. Pero Buby no se casa nunca… Y los demás se casan siempre”), en la que le duelen las piernas de bailar y casi no gana dinero para vivir, por lo cual se ve obligada a engañar a los ricos señores y dejarse querer por ellos…

El impulso de libertad que ambos personajes intentan en esta noche de descubrimientos y confesiones se queda en eso, un mero impulso inicial sin consecuencias. Sueñan con escapar juntos a la playa, a Londres, a Chicago… pero con el amanecer los sueños se desvanecen. La ruptura con la convención y la monotonía en el caso de Dionisio, y la ruptura con la explotación y la falsedad en el caso de Paula, son una vana ilusión. Como ilusión simbolizan los sombreros de copa.

Por eso Dionisio, al final de la obra, asustado y ridículo, no es capaz de escapar de su boda, de los huevos fritos que todo hombre decente ha de tomar para el desayuno, de las conversaciones con ancianos paralíticos y de los alaridos de su esposa al piano todos los domingos. Y por eso, Paula, al final de la obra, no cae en el sentimentalismo. Sigue lanzando el grito del espectáculo. Con una sonrisa falsa a la que lleva demasiado tiempo acostumbrada.

Y los sombreros de copa, vacíos de glamour, de magia y de espectáculo, acaban en el suelo, como las ilusiones de los personajes. A cuántos de nosotros se nos caen los sombreros al suelo por no atrevernos a…

Más información | Realidad literal

Según ha confesado Gregory Doran, director de la Royal Shakespeare Company, al diario El Mundo, una de las múltiples versiones apócrifas que circulaban de la obra ha podido ser autentificada. La intención de Doran es presentarla de aquí a cuatro años en un montaje con hispano-británica, la primera representación de Cardenio en cuatro siglos.

Siempre es de festejar un descubrimiento de este calibre, una nueva obra de Shakespeare que añadir al corpus. Además, Cardenio vendría a confimar la teoría del “abrazo intelectual” entre los dos grandes monstruos de la literatura occidental, a pesar de sus divergentes existencias.

Vía | elmundo.es

Podemos decir que se trata de un género menor, de un pariente pequeño del teatro como género literario. Pero la esencia del drama subyace a las representaciones de marionetas. Excepto que los actores no son de carne y hueso. Pero después de ver ciertas representaciones en que los actores parecen más planos que una alfombrilla, podemos llegar a considerar a los muñecos mucho más humanos… Y, como don Quijote, llegar a creernos lo que sucede en el maravilloso retablo.

En Titirimundi encontraremos representaciones basadas en cuentos populares, en mitos, en obras cultas y siempre con las emociones y comportamientos más propios del ser humano como protagonistas, lo que las convierte en un pequeño espejo donde vemos reflejados nuestros vicios y virtudes. Y, cómo no, donde la imaginación se presta al vuelo. Mimos, danzas, teatro sin palabras, teatro musical completan el extenso programa en el que las tablas, más grandes o más pequeñas, son protagonistas.

El programa del evento nos ofrece una fabulosa descripción de lo que significa el títere en la historia de la humanidad:

A lo largo de la historia, el títere, compañero de viaje, ha sido leal y generoso con el hombre. Le ha servido para la fiesta, para revelar críticamente las perversiones de la opresión, para la pedagogía cuando ésta se transforma en asombro, para el juego, o para esa extraña forma de la sonrisa que es la ternura. Pero indudablemente, el papel que más le ha gustado interpretar es el de un sonriente luchador por la libertad. Así lo define el dramaturgo y titiritero Carlos Góngora. Quizá porque “estos muñecos-personajes vestidos con ropajes vistosos, de movimientos entrecortados y alegres, lo mismo lanzan la palabra graciosa que la cruel verdad, y la cara inmutable del títere proporciona, a la queja o a la insolencia, un acento tan profundo que parece sobrenatural”. Como en el teatro griego, la expresión de la máscara produce un efecto dramático mucho más denso que los personajes humanos.

Por último, cabe recordar que Titirimundi se extiende a la Comunidad de Madrid y a Castilla y León durante todo 2007 en distintos eventos que se pueden consultar en el programa. Por las descripciones de los espectáculos, y por las atractivas fotografías que aparecen de cada uno de ellos (algunas reproducciones escénicas me parecen fabulosas), no me perdería la oportunidad de disfrutar de alguna muestra…

Sitio Oficial | Titirimundi

Pues bien, en la biblioteca del monasterio de Yuso, de San Millán de la Cogolla, se ha descubierto un manuscrito inédito del autor asturiano, en concreto una traducción teatral del francés Racine. El hallazgo fue dado a conocer ayer durante las segundas Jornadas Científicas de San Millán de la Cogolla por el archivero del monasterio, el clérigo Juan Bautista Olarte, que está elaborando un catálogo con las obras manuscritas que se encuentran en sus fondos.

La obra en cuestión lleva el título de Ifigenia y, se trata de una traducción casi literal en romance endecasílabo de la tragedia de 1674 del autor francés Jean Racine, inspirada a su vez en la obra del dramaturgo griego Eurípides, Ifigenia en Aulide. Una obra muy del gusto de la Ilustración española, que tomaba el teatro francés como modelo a seguir para la renovación del teatro nacional, muy en horas bajas durante la época.

Aunque el historiador Emilio Cotarelo ya hacía referencia a dos manuscritos de Jovellanos de esta traducción, localizados en la biblioteca Menéndez Pelayo (Santander) y en la de la casa de Medina Sidonia (Madrid), habría que comprobar su actual emplazamiento en dichos lugares.

Por otro lado, se cree que la localización del manuscrito de Jovellanos en San Millán de la Cogolla se debe a que un sobrino del autor estuvo en el monasterio como fraile entre 1785 y 1836.

Vía | CampusRed
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