Germán Vega García-Luengos, catedrático de Literatura Española de la Universidad de Valladolid y uno de los coordinadores del proyecto, explica el contenido que se aspira a proporcionar:

Autógrafos, copias manuscritas, partes, sueltas, relaciones, conformarán el grueso de los contenidos del portal. Pero además de esta sección principal de ‘Textos dramáticos’, en la de ‘Instrumentos bibliográficos’ se dará libre acceso a índices y catálogos de consulta tan inexcusable como, a menudo, difícil (por carecer de ediciones actuales y antiguas, en algunos casos): Fajardo, Medel, Durán, García de la Huerta, Mesonero, La Barrera, Paz y Melia, etcétera.

En estos momentos ya se puede acceder a 116 autógrafos de 44 dramaturgos (Lope de Vega, Pedro Calderón de la Barca, Tirso de Molina), 43 tomos digitalizados de 594 piezas y 710 copias de manuscritos o impresos. La colección completa de manuscritos de teatro que posee la Biblioteca Nacional es de 11.000 piezas, de las que 2.000 pertenecen al Siglo de Oro.

La página dispone de un buscador, un glosario técnico todavía en construcción y enlaces sobre el estudio del Siglo de Oro (grupos de investigación, institutos y asociaciones, tanto nacionales como extranjeras). Las obras pueden observarse en alta resolución, desde las cubiertas hasta las páginas interiores de cada tomo.

Poco a poco, el portal irá aumentando su exposición con el resto de copias digitales de los ejemplares conservados gracias a importantes colecciones, como las de Gayangos, Osuna, Durán o La Barrera. La web cuenta también con los estudios de quince expertos que facilitan la explicación de los manuscritos.

Vía | Revista Ñ
Página oficial | Teatro del Siglo de Oro
Fotografía | Biblioteca Nacional de España

Ya conocemos de Rayuela publicada en twitter pero ahora se trata, nada más y nada menos, que de Romeo y Julieta la obra cumbre (que no la mejor, a mi juicio) de Shakespeare la que fue publicada en el sistema de microblogging más usado en el mundo. Lo interesante de esta apuesta es que, por un lado, se trata de un experimento hecho por un medio periodístico tradicional (El Times) en un entorno web 2.0 y que, por otro, es una apuesta multivocal.

El Narrador (@narrator) orquestó las voces de 15 personajes de la obra, cada uno de los cuales decía su parlamento cada 15 minutos de tal manera que pudiera publicarse una escena al día. El creador de este proyecto y de muchos otros poco ortodoxos basados en la obra del escritor inglés, es Brian Feldman quien eligió como representación de los personajes de su adaptación a una serie de gatos.

La apuesta no ha dejado de ser polémica a pesar de que, hasta donde veo, no tuvo mayor impacto de audiencia. Como todas estas nuevas experiencias, lo que me interesa es el uso de la herramienta virtual para la publicación o adaptación de contenidos literarios. Nada sustituirá la obra original representada en las tablas, ni el impacto que ella tenga sobre la audiencia. Nada, por supuesto nos permitirá recrear la verdadera puesta en escena original de las obras por parte de Shakespeare en Stratford-upon-Avon y menos twitter que apela a lo fugaz.

Nada podrá tampoco sustituir al libro en papel, la lectura reposada o angustiosa de los parlamentos y la recreación imaginaria del drama de estos personajes. Es la tecnología puesta a favor de la promoción de la literatura pero aún distante de poder recrear la escena de la lectura, aquella que nos conmueve y nos cambia para siempre. Parcelada, inmersa en la corriente indetenible de las palabras, los videos, la música que permanentemente nos circundan y envuelven en Internet, las pasiones se diluyen y el impacto de la tragedia se suaviza conviertiéndola en una tragedia ligera que apenas nos toca.

Vía | Los futuros del libro
Más información | Feldman twitters Shakespeare

El texto que conocemos como ‘La Celestina’, de Fernando de Rojas, tiene una historia editorial bastante interesante, desde la primera edición en 1499 (Burgos) hasta la actualidad. Una de las variaciones que ha sufrido la obra ha sido la del título.

En las primeras ediciones (Burgos 1499, Toledo 1500 y Sevilla 1501) aparece la obra estructurada en 16 autos (actos). Entonces, la obra aparece titulada como ‘Comedia de Calisto y Melibea’. Aquí, Fernando de Rojas se guió por el título que el autor del primer acto, anónimo, dejó escrito.

Pero la obra no fue terminada por ese autor primigenio, y lo que éste podría haber concebido como “Comedia” tuvo un desenlace muy distinto a manos de Fernando de Rojas. Así que ya en las segundas ediciones (de 1502: tres en Sevilla, una en Toledo y otra en Salamanca) aparece la obra como ‘Tragicomedia de Calisto y Melibea’.

Fernando de Rojas la llamó “Tragicomedia” porque en la obra se dan cita temas y personajes propios de la tragedia griega (los ricos enamorados) y de la comedia que provenía del petrarquismo italiano (criados, rufianes y mujeres de mal vivir). Además, el desenlace de la obra sólo puede ser considerado, merecido, según la moral de la época, pero sin duda trágico. Qué curiosidad, ¿cómo habría terminado la “Comedia” el anónimo autor del primer auto?

Además hay otros cambios, ya que estas segundas ediciones aparecen estructuradas en 21 autos, tal y como nos ha llegado la obra en la actualidad, al intercalarse 5 actos más entre el acto 14 y el acto 15, para dar gusto al público y alargar el encuentro entre los amantes.

Muy pronto, incluso estando aun en vida el autor, la obra alcanzó tal éxito que fue conocida con el título abreviado de ‘La Celestina’: la intensidad del personaje de la vieja se impone sobre los demás, y no podía ser de otra manera.

Así ha quedado la Celestina como personaje universal, símbolo de la codicia, de la lujuria, como el personaje central de la obra, puesto que el resto de personajes y el argumento giran en torno a ella. De hecho, la vieja maneja a los personajes a su antojo, moviendo los hilos, hasta que el didactismo de la obra provoca su fin, y el del resto. Que aquí nadie se salva…

Más información | Cervantes Virtual

Coriolano es una de las últimas obras que escribió Shakespeare. Es una tragedia en 5 actos escrita en verso que posiblemente sería representada a finales de 1608.

Cayo Marcio Coriolano es un general romano valeroso. Consigue grandes triunfos pero su orgullo hace que finalmente sea desterrado por orden de los tribunos de Roma por querer imponer su voluntad sobre la ley.

Cuando ha perdido su influencia marcha a casa del que había sido su mayor enemigo, el general de los volscos Tulo Aufidio. Este, sagaz, no desaprovecha la oportunidad para lograr su objetivo. Coriolano es ensalzado por los enemigos de su antigua patria y se pone a la cabeza de los volscos para vengarse de los romanos.

En esta historia Coriolano terminó cediendo a las presiones de sus conciudadanos. Los volscos le acusan de haber traicionado los intereses de este pueblo y le hacen matar en la plaza pública.

Algunas de las escenas son sobrecogedoras, como aquella en la que Coriolano se ha mostrado como cercano e humilde para conseguir, casi mendigando, los votos del pueblo llano para luego escupirles a la cara su desprecio por esos mismos que le han alzado.

Shakespeare se inspiró en las “Vidas Paralelas” de Plutarco y construyó una tragedia amarga, seca, grotesca. La historia de un hombre estúpido, cegado por la vanidad y el orgullo, capaz de arrastrarse por los senderos mas abyectos de la política inmoral. La historia de un ser vacio que se convierte en algo mucho más peligroso que el peor de los malvados. Yo lo veo autoengañado, creyendose que se cree que vale algo, ególatra funambulista de un autoconcepto inexistente. Perdido. Cede al final, pero de forma animalesca, guiado solo por la imagen que ve en su madre de si mismo, pero sin arrepentimiento ni grandeza.

Y es también la historia de un pueblo olvidadizo y voluble que solo es capaz de tomar la iniciativa cuando ya ha sido mil veces traicionado. Un pueblo abyecto que se compone de masa, plebe, chusma despreciada pero usada y dirigida por un grupo de inmorales que nada pueden ofrecerles mas que sus intrigas.

Es una de esas obras inspiradoras que no puedes evitar releer cuando los acontecimientos contemporaneos nos enseñan que nada cambia, desafortunadamente, en el espíritu humano. Todos son traidores.

Más información | Coriolano de Plutarco
Texto completo | Shakespeareonline

A principios de los setenta, yo era un joven activo y pertenecía a la vanguardia antifranquista que consiguió cierto prestigio por hacer un teatro muy imaginativo y un poco envenenado, casi virulento.

El impacto de Romero Esteo fue tan poderoso (recibió este elogio incomparable de Lázaro Carreter: Nunca había visto ir a nuestro teatro tan lejos, ni de modo tan audaz e inteligente) que paradójicamente lo condenó al silencio y la clandestinidad. Al estar en la lista negra de autores peligrosos Esteo vio como le censuraban incluso un libro infantil. Tras ello regresó de Madrid a su Málaga natal en dónde fue profesor universitario de Historia Social de la Literatura. En 1985 se le concedieó el premio Europa de Teatro.

Para definir Pontifical sus editores han acuñado el término grotesquismo. Se trata, nos dicen, de una sátira feroz contra la España del despegue económico, poniendo en el punto de mira el capitalismo industrial y sus relaciones intrincadas con el poder totalitario. Esteo dibuja un zoológico humano nocturno y siniestro sin concesiones, en una acción dramática compleja que se plantea como un gran espectáculo bufo.

Romero Esteo ha declarado que usará el importe del premio para ponerle una ducha decente a su casita de jubilado y ha reflexionado con mucho humor con su repentina rehabilitación pública:

Está muy bien, porque yo siempre he sido escritor invisible. Ahora sí seré visible, lo que no deja de tener gracia, porque soy un anciano jubilado y pensionista que vive prácticamente fuera de este mundo. Apenas salgo de casa y vivo rodeado de libros.

Vía | ADN.es
Más Información | Biografía de Miguel Romero Esteo

Me ha llamado la atención esta propuesta que llega a nuestros escenarios de mano de la compañía teatral Dagoll Dagom. Se trata de la adaptación teatral musical de Aloma, la novela en la que la escritora catalana Mercè Rodoreda recreó el paso a la madurez de una adolescente.

En el marco de los actos de conmemoración del centenario del nacimiento de la autora, Dagoll Dagom pone en escena este montaje que llega al Teatro Nacional de Cataluña a partir del 23 de octubre. Guardo un grato recuerdo de esta novela, leída en la adolescencia, ya que me sentía identificada en cierta manera con la protagonista, también adolescente.

Me parece una propuesta interesante y tal vez arriesgada dentro del mundo de los musicales, que rescata un texto literario intimista centrado en la vida de una joven que va descubriendo el mundo de los adultos, perdiendo la inocencia.

La protagonista, Aloma, es representada en 2 etapas vitales diferentes por distintas actrices, introduciendo una especie de flash-back en el que una Aloma madura (Carme Sansa) observa a la Aloma adolescente (Julia Möller). Se juega de este modo con el aspecto autobiográfico que siempre se ha señalado en la novela, y podemos imaginar a la propia Rodoreda observando su juventud desde una reescritura madura de la obra.

10 actores, 7 músicos y 20 canciones con letras y música en directo de Alfonso de Vilallonga dan vida a este proyecto en catalán. El espectáculo tiene una duración cercana a las 2 horas, y permanecerá en la cartelera del Teatro Nacional de Cataluña hasta el 4 de enero, cerrando el homenaje a Mercè Rodoreda que le dedicó el TNC con La Plaça del Diamant y tiene previsto salir de gira luego por Cataluña.

Vía | Diario Información
Más información | Dagoll Dagom

Opiniones y ataques políticos contra el Presidente Chávez aparte, la visita fugaz de Vargas Llosa obedeció a la invitación hecha por el Grupo Actoral 80, encargado de la adaptación de la pieza que ya había sido presentada en Lima a principios de año y que ahora era tropicalizada en su versión venezolana.

Uno de los puntos polémicos es el tema, ya que el argumento gira en torno a un personaje masculino que a su mediana edad se somete a una operación de cambio de sexo. Al menos eso es lo que se sabe luego de transcurrido el encuentro entre ‘Chispas’ y Raquel, la supuesta hermana de su amigo de la infancia, ‘Pirulo’ y que termina descubriéndose como este último en su nueva identidad de mujer.

Ambos se encuentran en un café una habitación del Hotel Savoy de Londres luego de 30 años de separación provocada por un beso que, el ahora transexual, le quiso dar a Pirulo. El equívoco de identidades se aclara, y por tanto la motivación del beso, y toda la obra transcurre en la reflexión torno a la identidad de género y el “qué hubiera pasado si”.

La transexualidad siempre resulta polémica y para cualquier venezolano ligado al mundo literario, el tema de la transformación de sexo recuerda invariablemente a la poeta Esdras Parra quien, también en Londres, cambió su identidad de hombre a mujer. Y la resonancia tiene base real porque fue ella quien de alguna manera inspiró al personaje femenino.

La anécdota la relata el propio Vargas Llosa cuando recuerda un encuentro con Guillermo Cabrera Infante:

Nunca dejará de maravillarme la manera como nacen en mi cabeza las historias. Brotó de una conversación en Londres con Guillermo Cabrera Infante, hará unos seis años. Él me preguntó: ¿Te acuerdas del poeta venezolano Esdras Parra? Me acordaba bastante bien. [..] ¿Por qué me preguntaba Cabrera Infante si me acordaba de aquel venezolano? Él lo había vuelto a ver pero ahora convertido en una señora. Se había hecho una operación: había cambiado de sexo, de voz, de atuendo. A mí me impresionó esa imagen y de ahí partí para mi obra

Además de la referencialidad concreta que motivó la escritura de esta obra que, me interesa especialmente el tema de las versiones ya que a pesar de que se trata de la misma obra, las puestas en escena en ambos países fue distinta. En la de Venezuela el énfasis fue el humor, y al autor le gustó:

El montaje de Lima y el de aquí son bastante diferentes y perfectamente válidos. El de Caracas tiene más humor y elementos de juego que funcionan muy bien. Pero conserva el dramatismo, la incertidumbre del original. La verdad me pareció un lindo montaje, magníficamente bien actuado. Tiene una cierta inclinación venezolana y tenia curiosidad por ver eso

Gajes del oficio del teatro, que, por momentos me parece más una jam session, ya que el tema es el mismo pero los ejecutantes le imprimen siempre su propia huella. El autor se desdibuja acá con mayor intensidad que en el caso de otras obras literarias. Tenerlo allí, entre los expectadores es, además, todo un reto para los autores que se transforman en personajes, se apropian de ellos.

Más información | El espectador

Este domingo comienza el evento de teatro alternativo más importante del mundo, el Fringe Festival de Edimburgo. El Fringe no sólo es un escaparate de las puestas en escena de vanguardia sino que reúne la mayor concentración de artistas callejeros que pueden encontrarse en una sola ciudad. El festival cuenta con unas cifras de vértigo: 2.088 espectáculos para 18.800 músicos y artistas representados en 247 escenarios. El mayor atractivo para los visitantes es que el coste de la mayoría de las performances es gratuito. O por lo menos, cuesta la voluntad.

Dentro de la programación institucional destaca la obra Ascensión y caída de la ciudad de Mahagonny, sátira de Bertold Brecth sobre la sociedad de consumo y el liberalismo económico. También habrá espacio para lo literario con la presentación de la autobiografía del actor Sean Connery y una lectura dramatizada de textos de Charles Dickens por parte de Simon Callow, en el mismo lugar en el que Dickens los leyera hace 150 años.

Vía | Yahoo! Noticias
Sitio Oficial | edfringe.com

Pero lo que de veras me apura es lo otro: el ansia de pensar que la vida hubiera sido otra cosa si me hubiera aplicado. Pero qué le vamos a hacer, nací cabeza de chorlito.

Ayer 30 de julio murió en Madrid el poeta mejicano Alejandro Aura, víctima de un cáncer que lo venía aquejando desde hace más de un año. Su muerte ha dejado conmovido al mundo de la literatura iberoamericana, y en México sus colegas, amigos, familiares y lectores le rinden homenaje a quien fuera uno de los artistas más polifacéticos y activos en la promoción de la cultura y de la literatura.

Alejandro Aura había nacido en 1944 en el Distrito Federal de México y estuvo siempre ligado al mundo del teatro, de la radio y de la poesía. Dirigió talleres en la Universidad Autónoma de México y en la Autónoma Metropolitana (UAM) y en otros sitios tanto de danza, teatro como poesía. Quienes lo conocieron lo describen como una persona muy vital, incquieta, activa y debió serlo ya que participó activamente en las luchas estudiantiles de 1968 y desde entonces siempre tuvo presencia en la vida cultural mejicana: en la radio, en la televisión, en la universidad.

Fue Director del Instituto de Cultura del Distrito Federal y mienbro fundador de El Hijo del cuervo. Entre sus obras poéticas más importantes se encuentran: ‘Cinco veces la flor’,’Varios desnudos y dos docenas de naturalezas muertas’, ‘Volver a casa’, ‘Alianza para vivir’, ‘Tambor interno’, ‘Hemisferio sur,’ ‘La patria vieja’, ‘Cinco veces’ y ‘Poeta en la mañana’. Pero también escribó y publicó cuentos y teatro.

Desde mayo del 2007 Alejandro Aura escribió un blog que es donde compartió con todos el avance de su enfermedad y donde publicaba sus poemas a medida que los iba escribiendo. Resulta especialmente conmovedor volver ahora a sus palabras y leer mensajes que ya nunca podrá responder. Quizás lo haga ahora su esposa Milagros (Aura había estado casado en primeras nupcias con la escritora Carmen Boullosa), quien al comunicar la noticia de su muerte compartió con todos el poema de Aura, Despedida, que me tomo la libertad de repetir acá.

Así pues, hay que en algún momento cerrar la cuenta,
pedir los abrigos y marcharnos,
aquí se quedarán las cosas que trajimos al siglo
y en las que cada uno pusimos nuestra identidad;
se quedarán los demás, que cada vez son otros
y entre los cuales habrá de construirse lo que sigue,
también el hueco de nuestra imaginación se queda
para que entre todos se encarguen de llenarlo,
y nos vamos a nada limpiamente como las plantas,
como los pájaros, como todo lo que está vivo un tiempo
y luego, sin rencor, deja de estarlo.

¿Se imaginan el esplendor del cielo de los tigres,
allí donde gacelas saltan con las grupas carnosas
esperando la zarpa que cae una vez y otra y otra,
eternamente? Así es el cielo al que aspiro. Un cielo
con mis fauces y mis garras. O el cielo de las garzas
en el que el tiempo se mueve tan despacio
que el agua tiene tiempo de bañarse y retozar en el agua.
O el cielo carnal de las begonias en el que nunca se apagan
las luces iridiscentes por secretear con sus mejillas
de arrebolados maquillajes. El cielo cruel de los pastos,
esperanzador y eterno como la existencia de los dioses.
O el cielo multifacético del vino que está siempre soñando
que gargantas de núbiles doncellas se atragantan y se ríen.

Lo que queda no hubo manera de enmendarlo
por más matemáticas que le fuimos echando sin reposo,
ya estaba medio mal desde el principio de las eras
y nadie ha tenido la holgura necesaria para sentarse
a deshacer el apasionante intríngulis de la creación,
de modo que se queda como estaba, con sus millones,
billones, trillones de galaxias incomprensibles a la mano,
esperando a que alguien tenga tiempo para ver los planos
y completo el panorama lo descifre y se pueda resolver.
Nos vamos. Hago una caravana a las personas
que estoy echando ya tanto de menos, y digo adiós.

Vía | El Universal.mx
Más información | El blog de Alejandro Aura
Más información | El país.es

La Expo Zaragoza 2008 estará centrada principalmente en el desarrollo sostenible del agua. Por ironías del destino, el agua fue efectivamente protagonista del evento al inundar buena parte de sus instalaciones debido a las recientes crecidas del río Ebro. Sin embargo, la Expo (que arranca mañana, día 14 de junio, y que se extenderá hasta el próximo 14 de septiembre) contará con muchas otras actividades, entre ellas, algunas dedicadas a la literatura.

El Pabellón de Zaragoza será el punto de encuentro para fomentar las letras y las artes producidas en la ciudad. Se hará a través de dos iniciativas que estarán presentes durante todo el tiempo que dure la exposición: ‘Zaragoza de viva voz’ y ‘Los poetas tienen la Palabra’. En ellas participarán numerosos artistas y profesionales relacionados con el mundo de la literatura maña.

Zaragoza de viva voz es una creación de la Asociación de Escritores de Zaragoza y del Teatro del Temple. Consistirá en una serie de pequeños recitales en los que se representarán textos breves de diferentes autores contemporáneos de la ciudad. Habrá cabida para la poesía, los cuentos, el teatro e incluso la novela negra. Entre los participantes estarán José Luis Corral, Miguel Labordeta, Manuel Vilas y Eva Puyo.

Los poetas tienen la palabra permitirá que cerca de 40 poetas vinculados de un modo u otro con la región presenten sus textos a los asistentes, bajo la coordinación de Luis Felipe Alegre, miembro del grupo El Silbo Vulnerado. Participarán, entre otros, Miguel Ángel Ordovás, Antón Castro y Gabriel Sopeña. Sangre nueva para un género que no recibe el favor del público mayoritario en cuestión de ventas, pero que está profundamente irrigado en la sensibilidad de nuestro país.

Junto a estas dos propuestas, también se llevará a cabo el proyecto audiovisual Zaragoza Poética. Se trata de un DVD realizado por la Asociación Tresversos que consiste en 45 minutos de grabación con autores conocidos y ciudadanos de la ciudad que recitan algunos poemas elegidos.

Vía | Literatúrame
Sitio oficial | Expo Zaragoza 2008