Habría que estudiar primero cómo la colonización trabaja para descivilizar al colonizador, a embrutecerlo en el sentido literal de la palabra, a degradarlo, a despertar en él instintos reprimidos, a la concupiscencia, a la violencia, al odio racial, al relativismo moral, y demostrar que, cada vez que en Vietnam se corta una cabeza y se revienta un ojo y que en Francia se acepta, una niñita es violada y que en Francia se acepta, un Malgache torturado y que en Francia se acepta, hay una acquisición de la civilización que pesa su peso muerto, una regresión universal que se opera, una gangrena que se instala, un foco de infección que se extiende y que al final de todos esos tratados violados, de esas mentiras propagadas, de todas esas expediciones de castigo toleradas, de todos esos prisioneros atados e interrogados, de todos esos patriotas torturados, al final de ese odio racial alentado, de esa jactancia extendida, está el veneno inyectado en las venas de Europa, y el progreso lento, pero seguro, del ensalvajamiento del continente.

Europa es moralmente, espiritualmente idefendible.

Discurso sobre el Colonialismo, 1950

El poeta francófono Aimé Césaire (Martinica, 1913 – 2008) murió este jueves de una insuficiencia cardíaca en Fort-de-France, la ciudad isleña de la que fue alcalde hasta 2001. Césaire fue uno de los tres grandes fundadores del movimiento poético e intelectual anticolonialista conocido como la Negritud, junto al guyanés Léon Gontran Damas y al senegalés Léopold Sédar Senghor, cuya figura descollante en lo poético y sonrojante en lo político tiende a eclipsar a sus compañeros de generación. Los hombres de la Negritud, oriundos de los territorios franceses de ultramar y educados en la metrópoli, arremetieron furiosamente contra el discurso eurocéntrico que justificaba el sistema colonial y fueron piezas clave de los procesos de descolonización.

Césaire, Damas y Senghor se conocieron estudiando en el prestigioso liceo parisino de Louis le Grand. Tras su graduación fundaron la revista L’ étudiant noir (El estudiante negro) en el que Cesaire acuñó por primera vez el término Negritud: La Negritud es el simple reconocimiento del hecho de ser negro, y la aceptación de ese hecho, de nuestro destino de Negro, de nuestra historia y de nuestra cultura. A pesar de la aparente simplicidad del concepto se trató del primer desafío intelectual a la homogeneización cultural que Francia, como el resto de colonizadores, impuso en los territorios ocupados, minusvalorando y reprimiendo la cultura indígena, por no decir a los propios habitantes. Sartre definió la Negritud como “la negación de la negación del hombre negro”.

Cesaire escribió su primera obra poética notoria en 1935, Cuaderno de un regreso al país natal, en el que reconstruye imaginariamente la Martinica desde su estancia en Europa. La II Segunda Guerra Mundial le encontró de vuelta en su isla en dónde sufrió tanto la represión del régimen de Vichy como el embargo al que Estados Unidos la sometió. En esa época, sin embargo, recibió la visita de André Breton, un encuentro trascendental que orientaría definitivamente la poesía de Cesaire hacia el surrealismo.

Fue a partir de la posguerra cuando Cesaire intensificó su actividad política. Militó en el Partido Comunista Francés hasta que lo abandonó hastiado al comprobar que no ofrecía soluciones a las necesidades de emancipación de las naciones colonizadas. El ensayo fundamental Discurso sobre el Colonialismo que cito al inicio se denbe entender dentro del contexto de las guerras de independencia de Argelia e Indochina, en las que Francia cometió reconocidas atrocidades.

El aparente odio a Europa que destila Cesaire es en realidad la demostración vergonzante de su hipocresía. No podemos erigirnos en bastiones de la razón y la democracia, nos dice, si paralelamente alentamos la barbarie por intereses coloniales y hacemos la vista gorda. Quienes se degradan no son los ‘salvajes’ que humillamos sino nosotros mismos, demostrando que los valores de los que nos envanecemos no son más que palabrería. Cesaire destapa así la corriente de salvajismo latente en la sociedad europea cuya prueba más patente encuentra en el nazismo y la reciente contienda mundial.

Cesaire participó en el proceso político de la independencia de la Martinica y ocupó varios puestos de administración hasta prácticamente su muerte. En los últimos años Francia le había reconocido como uno de sus contribuyentes culturales más importantes. En 1998 el Discurso sobre el Colonialismo apareció por primera vez como texto para alumnos de Bachillerato. Tras su muerte se ha elevado una propuesta para que sea inhumado en el Panteón de los hombres ilustres de París. Curioso honor para el gran rebelde, terminar más que integrado, engullido por la francesidad…

Los tiempos de la colonización y los gobiernos autocráticos han pasado. Pero la reflexión que nos legó está lejos de haber quedado desautorizada.

Vía | El Mundo
Más Información | Aimé Césaire en Wikipedia

La hija de Jesús Polanco, fundador del grupo editorial, tenía 51 años y padecia desde hace 3 una penosa enfermedad. Era licenciada en Psicología y Ciencias de la Educación por la Universidad Complutense de Madrid y desde 1980 se dedicó a trabajar en el Grupo editorial Santillana como ayudante de edición en Estados Unidos.

Posteriormente pasó a encargarse de las Ediciones Educativas de Santillana en América y sucesivamente pasó por la dirección de Desarrollo Editorial, luego a las direcciones de Recursos Humanos del Grupo Timón y el Grupo Prisa, hasta que, en enero de 1996, asumió la dirección General del Grupo Santillana en España y América.

En los últimos años se desempeñó como consejera delegada y responsable ejecutiva del grupo editorial.

Los escritores tuvieron para con ella expresiones de admiración, cariño y dolor por su desaparición. Igual ocurrió con muchos personajes de la vida cultural y editorial española quienes han hecho acto de presencia en la capilla ardiente que ha estado abierta desde ayer sábado en Fundación Santillana. Hoy al mediodía se incinerará su cuerpo en el cementerio de La Almudena en Madrid.

Vía | El País
Más información | El Mundo.es
Más información | El pesar de los autores

Se ha cumplido el triste vaticinio que esperábamos desde que nos anunciaron a finales del año pasado que Rafael Azcona padecía cáncer de pulmón. Quien fuera probablemente el más grande guionista español contemporáneo ha muerto a los 81 años de edad. Tras de sí deja piezas del calibre de los guiones de El Verdugo, El Cochecito o El Pisito, retratos entre la amargura y la sorna de la gris España de la posguerra que fueron dirigidas por sus grandes amigos Marco Ferreri y Luis García Berlanga.

En realidad Azcona llegó al cine, el medio que le consagró, casi de rebote. Su primera vocación fue la de novelista y jamás llegó a apartarse del todo de la literatura. El Pisito fue su primera obra, que Ferreri le pidió que adaptará a un guión cinematográfico. De ese comienzo casi anécdótico surgió el que ha sido el mayor adaptador de la literatura española al cine. Desde La Celestina a uno de sus últimos trabajos, La lengua de las mariposas de Javier Marías, pasando por el Tirano Banderas de Valle-Inclán y El Bosque encantado de Wenceslao Fernández Flórez. Películas que en general no llegan a la altura de los libros originales, pero en las que Azcona demuestra un respeto y una complicidad notables en la transformación del texto en imágenes.

Al Azcona literato, colaborador en multitud de medios de relevancia histórica como las revistas La Codorniz y Hermano Lobo, le debemos una de las creaciones más divertidas y mordaces del último siglo: El repelente niño Vicente, un trasunto del pequeño Nicolas de Goscinny y el antecesor de Manolito gafotas. Un niño pedante y relamido cuya particular descripción de su realidad cotidiana ha llegado a convertirlo en una expresión que todavía se utiliza. Y es que nadie es más repelente que el niño Vicente.

Rafael Azcona fue Premio Nacional de Cinematografía en 1982 y Medalla de Oro de las Bellas Artes en 1994. En septiembre se publicó una recopilación de sus mejores artículos, Memorias de un señor bajito. El año pasado, con motivo de su ochenta cumpleaños, concedió una entrevista a El País en la que hablaba de su relación con la literatura:

Yo, el pasado, intento no olvidarlo, pero no lo añoro; prefiero perder el tiempo en el territorio de la esperanza que en el de la nostalgia. En cambio, a la hora de leer, sí vuelvo la mirada hacia atrás y releo más que leo. Y no a todo el mundo: por ejemplo, y sin saber por qué, sigo fiel a Baroja, a Chéjov, a Poe, a Maupassant, pero no a Azorín, a Dostoievski, a Henry James, a Balzac… Debe ser cosa de la edad.

Y nos dejó la puntilla de la ironía descarnada y sagaz incluso desde la última vuelta del camino:

La ciudadanía, si puede hacer tres o cuatro comidas diarias y refocilarse un poco, encantada de la vida. Pero siempre hay gente empeñada en convencerla de que es mucho mejor morir por la patria. Y uno se pregunta: es mucho mejor, ¿para quién?

Vía | El Pais
En Papel en Blanco | Rafael Azcona
Más Información | Rafael Azcona en Cervantes Virtual

Hugo Claus es uno de los principales autores en lengua flamenca que ha dado Bélgica. Narrador, poeta, cineasta, pintor, encarnó la vitalidad contestataria y culturalmente inquieta de la Europa de la posguerra. Gran autodidacta (huyó del hogar paterno y se ganó la vida como albañil), formó parte de la breve vanguardia artística reunída bajo el grupo CoBrA (artistas de Copenague, Bruselas y Ámsterdam). A partir de los años sesenta empezó a ganar notoriedad como defensor radical de la emancipación de los poderes políticos y morales. Su matrimono con la actriz Sylvia Kristel, protagonista de Emmanuelle, le transformó también en un personaje de moda.

El reconocimiento literario internacional no le llegó hasta la década de los ochenta, sin embargo, cuando publicó Le chagrin des Belges (La pena de los Belgas). En esta novela reconstruye el ambiente de una pequeña comunidad flamenca con el telón de fondo de la Segunda Guerra Mundial, retratando la belleza de su tierra natal con un estilo que ha sido comparado al de los maestros pictóricos del XVII, y contraponiéndola a una descripción demoledora de sus paisanos así como de un modo de vida anclado en las tradiciones, las pequeñas miserias y el conformismo. El objetivo del escritor era, según él, mantener las costumbres y los éxtasis de la tribu.

Es la segunda noticia que tenemos de un pensador que prefiere, en el ocaso de su vida, renunciar a la vida antes que tener que enfrentarse al sufrimiento, el abandono y el olvido. Ya hablamos el pasado otoño del suicidio junto a su esposa del filósofo André Gorz a los 84 años. Claus murió para no perder sus recuerdos, Gorz para no seguir viendo sufrir a su mujer. El valor de la renuncia socrática a la vida nos causa siempre la misma impresión sobrecogedora. No entraré en discutir quién es más valiente o más libre, el que renuncia a la vida o el que persiste en vivir a pesar del dolor. Pero recuerdo que Montaigne decía que la filosofía nos enseña a morir bien. Me confieso ignorante sobre el tema, pero no dejo de tener una intuición, y es que la buena muerte no es otra cosa que el producto de la sabiduría.

Via | Yahoo! Noticias, El Pais

Se definía como “esposo de la política y amante de la literatura”, en una relación doble de aparentes opuestos que no eran tales. Lo diurno y lo nocturno, lo público y lo privado, la legalidad y la ilegalidad eran sólo algunos de los polos entre los cuales podría definirse y relatarse la vida y la obra de Teitelbaum a quien se le conoció principalmente por su activa afiliación al partido comunista chileno.

Su nombre original fue Valentín Teitelboim Volosky y nació en Chillán en el centro de Chile, en 1916. Fue hijo de dos emigrados judíos: Moisés Teitelboim, de Ucrania, y Sara Volosky, de Moldavia. Adolescente, se trasladó a la capital para estudiar Derecho y pronto se afilió a las Juventudes Comunistas para luego pasar a las filas del Partido Comunista, del cual fue presidente de 1988 a 1994. En 1935 publicó una antología de la poesía chilena de la cual excluyó olímpicamente a Gabriela Mistral, lo cual, por supuesto, causó un gran revuelo y fue sólo años después con una biografía sobre la poeta, que llegó la reconciliación con ella.

Su actividad política lo llevó a ser perseguido repetidas veces en una época en la que ser comunista significaba no existir para los registros electorales chilenos. Neruda, quien fue un gran amigo de Teitelboim huyó de Chile pero él aún permaneció allí unos años. Cuando finalmente pudieron ocupar cargos públicos, fue diputado por Valparaiso desde 1961 a 1965.

En 1973 se exilia en Moscú y recién regresa en 1988 a Chile y es entonces cuando decide dedicarse con más pasión a su amante, la literatura. En 1991 publica su biografía de Gabriela Mistral, a la cual siguieron Huidobro, la marcha infinita (1993) y Los dos Borges: vida, sueños, enigmas (1996). Sus libros posteriores estuvieron plagados de referencias biográficas: Un muchacho del Siglo XX, Un hombre de edad media, Voy a vivirme y otros en los que profundizó en el tema del exilio Notas de un concierto europeo, La guerra de Chile y otra que nunca existió, Noches de radio y Ulises llega en locomotora. En 2005 publicó otra biografía, esta vez dedicada a Juan Rulfo. Recibio en 2002 el Premio Nacional de Literatura de Chile.

Ese mismo año develó públicamente uno de sus más grandes secretos: su hijo reconocido, el científico chileno Claudio Teitelboim no era realmente su hijo biológico sino que fue concebido por la relación extramarital de la esposa de Teitelbaum, Raquel Weitzmann, con Álvaro Búnster. Dada la rigurosa disciplina del Partido Comunista, el matrimonio se vio obligado a criar al hijo como suyo. La primera reacción del científico fue de repudio e incluso le prohibió al escritor toda relación con sus nietos. A comienzos de esta semana, sin embargo, Claudio visitó a quien siempre conoció como su padre y la prensa habló de una “reconciliación mágica”.

Habiendo sanado las heridas, Volodia Teitelboim exhaló un último suspiro ayer jueves 31 de enero en el Hospital Clínico de la Universidad Católica en el que se encontraba recluido desde el 15 de enero aquejado de un cáncer linfático y una insuficiencia renal. Sus restos están siendo velados en la antigua sede del Congreso chileno y serán enterrados mañana sábado en el Cementerio General de Santiago.

Queda un vacío en las letras y, sobre todo, en la intelectualidad chilena, pero una obra y una ética para no olvidar.

Vía | Yahoo! Noticias
Más información | Rebelión
Más información | Letras.S5

González León había nacido en Valera (Estado Trujillo en los Andes venezolanos) en 1931 pero vivió la mayor parte de su vida en Caracas, desde que comenzó a estudiar derecho en la Universidad Central de Venezuela. Ser abogado, sin embargo, no le impidió desarrollar una constante y fructífera carrera literaria. Tampoco le impidió ejercer algunos cargos diplomáticos como el de Primer Secretario en la República Argentina y de Agregado Cultural de Venezuela en España.

En 1956 gana el Premio Anual de Cuentos del diario El Nacional, probablemente el más importante del país, con el relato El lago. Publica su primer libro de relatos, Las hogueras más altas, con prólogo de Miguel Ángel Asturias. Por ese libro recibirá el Premio Municipal de Narrativa, pero será 10 años después, con su primera novela, que su nombre sea proyectado firmemente en el mundo hispanoamericano.

País Portátil es, sin lugar a dudas, su obra cumbre y fue reconocida con el premio de Novela Breve Seix Barral en 1968. Narra 12 horas en la vida y la memoria de Andrés Barazarte un joven que, al igual que Adriano, llegó a Caracas desde los Andes. Es un retrato vertiginoso y crudo de la realidad de una Caracas sumida en el fragor de la lucha guerrillera y la represión política. De esta novela dijo el propio autor que se trata de:

punto de partida para un examen de conciencia, el repaso de las frustraciones familiares, las dudas, el temor, la condición feudal, la dependencia, el registro poético del mundo, la explicación de una culpa, la religiosidad y el sentido crítico

Fue miembro fundador de Sardio un grupo intelectual y artístico, del cual desertó unos años más tarde para formar El techo de la Ballena, donde compartió, entre otros, con los poetas Edmundo Aray, Rodolfo Izaguirre, Efraín Hurtado a quienes se agregan artistas plásticos y otros poetas.

Siempre estuvo muy ligado a la ciudad y muy específicamente a la zona bohemia de Sabana Grande, donde se le veía con mucha frecuencia hasta hace unos años, en que decidió moverse por otros radios del Este de Caracas.

En 1998 la editorial Alfaguara editó Todos los cuentos más uno para recopilar todos sus relatos. En novela publicó Viejo (1995), que acaba de ser reeditada en Venezuela. Un volumen de poesía, Huesos de mis huesos (1997), a lo cual se agregan textos varios entre los cuales hay cuentos infantiles.

La muerte lo encontró ayer en la tarde en la barra de alguno de los restaurantes que frecuentaba en el Este de la ciudad. Una manera, muy “a la Adriano”, de “perderse en las sombras”:

Perderse después en las sombras del fondo, donde la pared estaba abombada y se decía que había escondido un tesoro, perderse así con su sombra que era tan delgada porque era sombra de huesos, con sus viejas pantuflas de pana que no sonaban y parecía que anduviera por el aire. Perderse así era meterse con los muertos o qué sé yo y se podía pensar que andaba buscando su tesoro.

Vía | ABN
Más información | Murió el escritor Adriano González León
Más información | EPDLP
Más información | Adriano González León: pasión por la letra
Sobre la fotografía | Karim Dannery, tomada de Kalathos

Ángel González fue una de las voces poéticas más firmes y duraderas de la posguerra española, la llamada Generación de los 50. La poesía fue para él vehículo de la expresión de la conciencia existencial, magistralmente plasmada en uno de sus poemas juveniles, Para que yo me llame Ángel González. El carácter “realista” de su poesía (adjetivo que siempre recibió con algo de estupor) también le hizo practicar la denuncia con un punto de sátira de los mores sociales, evolucionando en un radical compromiso por la democracia en los años finales del franquismo.

Debutó en 1955 con el libro Áspero mundo, que recibió un accésit en el Premio Adonai. Otros trabajos suyos son Sin esperanza, con convencimiento (1961), Grado elemental (1961), Tratado de urbanismo (1967), Breves acotaciones para una biografía (1971), Prosemas o menos (1983), Deixis de un fantasma (1992) y Otoño y otras luces, su último libro publicado en 2001. Recomiendo su Antología poética de Alianza (2003), un magnífico recorrido por su trayectoria con poemas seleccionados por él mismo.

En 1985 se le otorgó el Premio Príncipe de Asturias de las Letras y el Reina Sofía de Poesía Iberoamericana en 1996. Su premio más reciente es el García Lorca de Poesía, en 2005. Desde 1972 residía en Estados Unidos donde enseñaba Literatura Contemporánea en la Universidad de Alburquerque hasta su jubilación en 1993.

Sólo vi una vez a Ángel González. Fue hace ocho años, en unos cursos de verano de El Escorial. Ya entonces tenía un aspecto frágil y quebradizo. Intentó hacer una lectura de sus poemas al auditorio, pero la voz se le apagaba. Hasta tres veces empezó de nuevo pero aquél timbre profundo perdía fuelle abruptamente y se extinguía. Fue triste de contemplar.

Sin embargo, a dónde su cuerpo no le permitía llegar lo hacía con su mente y su palabra. Aquél día nos regaló unas cuantas frases sobre la expresión poética. A día de hoy me alegra haber contribuído aunque sea mínimamente a compartir esas palabras con vosotros, a hacer que la voz quebrada de Ángel González no deje nunca de vibrar.

Vía | El Pais, El Mundo
En Papel en Blanco | Ángel González

Amigo de Federico García Lorca, Luis Buñuel y Salvador Dalí, José Bello Lasierra (1904, Huesca), a quien luego se le conocería mejor como “Pepín”, ingresó en 1915 en la sección infantil de la Residencia de Estudiantes de Madrid. Desde entonces siempre estuvo ligado a ella siendo hasta hoy su presidente honorario.

No dejó legado artístico pero su papel dentro del grupo de poetas, artistas y cineastas de esta importante generación española fue inspirador. Deja como testimonio el volumen Conversaciones con José Pepín Bello, fruto de 40 horas de conversación con los periodistas y poetas David Castillo y Marc Sardá. También habia presentado hace unos meses el libro Ola Pepin, integrado por las cartas que le enviara Salvador Dalí.

Luis Buñuel había dicho de él:

buenazo, imprevisible, aragonés de Huesca, estudiante de Medicina que nunca aprobó un examen, hijo del director de la Compañía de Aguas de Madrid, ni pintor ni poeta… no fue nada más que nuestro amigo inseparable

La capilla ardiente se abrió esta tarde a las 16:00 horas local española en el tanatorio de la M-30 de Madrid. El entierro será mañana sábado en el cementerio de la Almudena en Madrid. Carmen Caffarell, directora del Instituto Cervantes ha dicho hoy que con la muerte de Pepin hemos perdido:

al amigo de todos, la memoria oral de la Edad de Plata y de la gran cultura española del siglo XX

Vía | Yahoo! Noticias
Más información | Residencia de estudiantes

Es natural. En un blog de literatura se escriben muchas necrológicas, tantas como bibliografías. La historia de la vida de un escritor y su literatura son para nosotros, sus lectores, todo un uno. Con una diferencia: si la existencia es una carrera de fondo, la literatura le gana a la vida por aguante. Dice Umberto Eco que el mejor favor que le puede hacer un escritor a su obra es morirse. Por eso una necrológica bibliográfica tiene mucho de victoria, de coronación. Fíjense en Valle-Inclán, que se empeñó en escribir la suya propia.

Con el tiempo surgen las variaciones, sin embargo. En la necrológica digital participamos todos, son necrológicas 2.0. Ya lo comentamos en referencia a la reacción en la web a la muerte de Francisco Umbral. En la necrológica de corte clásico sólo se decían cosas positivas o al menos respetuosas: si eras amigo porque lo eras, si eras enemigo porque habías dejado de serlo. En el medio de expresión subjetivo que es el blog hubo quién se sinceró, recordando al personaje igual de mal que lo había considerado en vida. Se puede discutir si es de buen gusto o no, pero en cualquier caso es lícito en un blog.

Y no es patrimonio exclusivo de los bloggers. Al día siguiente de la muerte de Fernán Gómez, pregunté en un importante medio digital a sus lectores cómo lo recordarían. Hubo quien discutió sobre su carrera, incluso quién sacó a relucir su faceta de literato. Pero me quedé patidifuso al leer frecuentes respuestas del tipo Como actor no le juzgo pero como persona era mala porque era maleducado. Estos individuos juzgaban a la persona de Fernán Gómez con conocimiento: le habían visto en televisión comportándose como un animal con un pobre señor que le pedía una firma. La misma escena que ha hecho berrear ¡A la mierda! a miles de adolescentes, reales o mentales.

La web desmitifica y nivela. Se acabó la elegía funeraria tradicional. Todo el mundo tienen una opinión y esa opinión parece pesar lo mismo: la del especialista, la del compañero artista o la de la persona que lo sabe todo sobre alguien por unos minutos de televisión. Hay quién está preocupado por esta pérdida de las jerarquías. Yo no lo estoy, porque creo que en este marasmo de opiniones las buenas son las que salen a flote, las que valen, las que duran, provengan de quién provenga. Las otras sirven para enviarlas de sms a un programa en el que la gente se grita.

Nos gustaría tener siempre buenas opiniones. Razonadas, argumentadas, bien expuestas y con contenido. Pero también formamos parte de este universo mediático y cargamos con sus latiguillos. En mi necrológica sobre Umbral recordé su incidente televisivo, ese que casi todos los escritores de cierta edad tienen y que les hace reconocibles incluso para el público exclusivo de telebasura. No sé si fue un error, y no sé si volvería hacerlo. Un escritor tiene al menos tres vidas: una pública, mediática, que no es sino un espejo cóncavo; una íntima, humana, que a la mayoría nunca se nos será dado conocer; y una literaria, que dura lo que tarda el autor en ser devorado por sus libros. ¿Cómo se suma todo esto?

Mi propósito para el 2008 es escribir algún día una buena necrológica.

Su obra de teatro más famosa es Las bicicletas son para el verano, un trasunto autobiográfico de sus experiencias infantiles en el Madrid previo a la guerra, y posteriormente en los años del asedio y finalmente la rendición. La obra fue Premio Lope de Vega en 1978 y tuvo una exitosa adaptación al cine. Nos ha legado una de las sentencias más descarnadas sobre lo que supuso el final de la guerra civil para los que estuvieron en el bando perdedor: No ha llegado la paz. Ha llegado la victoria.

También es autor de una docena de novelas de corte histórico y autobiográfico, de ensayos sobre la estética, la literatura y la interpretación, y de varios volúmenes de memorias. Convertido en una figura cultural de colosal relevancia, en los últimos años se fue alejando del gran público a base de labrarse una fama de arisco e introvertido. En uno de sus últimos artículos, publicado en el diario El País, hacía el elogio del abrazo de la lectura.

Vía | El País
En Blog de Cine | Ha fallecido uno de los grandes: Fernando Fernán Gómez

Mailer saltó a la fama en 1948 cuando era un joven estudiante estadounidense en la Sorbona con la publicación de su primer libro, Los desnudos y los muertos, en dónde relata sus experiencias en la II Guerra Mundial. En 1955 escribiría El parque de los ciervos, trasunto cínico de su vida como guionista en Hollywood.

A partir de los 60 empezó a descollar como analista político y cultural con ensayos como Los ejércitos de la noche, una obra sobre la marcha pacifista en Washington contra la guerra de Vietnam que le valió el premio Pulitzer.

Mailer ganaría un segundo Pulitzer en 1980 con La canción del verdugo, una “non-fiction novel” sobre la condena a muerte del asesino confeso Gary Gilmore. Mailer también se ocupó del caso del igualmente condenado Jack Abbott, al que apoyó para que publicara sus cartas desde la prisón y obtuviera la libertad condicional. Sin embargo, una vez en libertad, Abott cometió un crimen, lo que generó un aluvión de críticas sobre Mailer y su militancia contra la pena de muerte.

Tras ello escribió biografías sobre personajes como Marilyn Monroe o Lee Harvey Owsald. Su última novela, El castillo en el bosque, ha sido editada recientemente.

Via | Yahoo! Noticias
Más Información | Bibliografía de Norman Mailer en EPdLP

Judío de origen austríaco, André Gorz, de verdadero nombre Gerard Horst, llegó a Paris en 1949 y entró en contacto con el bullicioso mundo intelectual que acogía la metrópoli francesa de posguerra. En 1961 entró en el comité de dirección de la revista Les Temps Modernes junto a Jean Paul Sartre y Simone de Beauvoir, ocupándose de los contenidos políticos y convirtiéndose en un referente de la nueva izquierda.

En 1964 fundó junto al también filósofo Jean Daniel Le Nouvel Observateur, pero sus posiciones ideológicas se fueron escorando cada vez más hacia un ecologismo radical que le llevó a la ruptura con las corrientes marxistas ortodoxas. Retirado desde 1983, Jean Daniel le define como el filósofo más secreto y más marginal de la ecología y el anticapitalismo.

Gonz es autor de obras como Crítica de la razón económica, La ecología como política y Metamorfósis del trabajo. Sin embargo, su último libro, publicado el año pasado, era una declaración de amor a su mujer:

Acabas de cumplir ochenta y dos años. Sigues siendo bella, graciosa y deseable. Hace cincuenta y ocho años que vivimos juntos y te quiero más que nunca. Recientemente me he vuelto a enamorar de tí otra vez y llevo dentro un vacío desbordante que no logra colmar más que tu cuerpo apretado contra el mío.

Vía | Yahoo! Noticias, Yahoo! Actualités (francés)
Más Información | Biografía y Entrevista a André Gorz en Antroposmoderno

Lo contrario que un toro resabiao, Umbral entraba siempre al trapo. Y lo hacía arropado en ese estilo suyo de camorrista supino, capaz de moler a palos al más pintado en cualquier ruedo. De qué se habla que me opongo, hubiera dicho remangándose. Umbral nos hubiera trolleado a todos y cada uno hasta dejarnos en lágrimas.

Esta realidad umbraliana en los blogs ha abierto otro frente de discusión (por no usar la palabra polémica, que me consta que a más de uno le está empezando a crispar). Siendo el blog un mecanismo de expresión personal: ¿En qué medida hay que decretar armisticio en el caso de las necrológicas? O dicho de otro modo: ¿Hay que adherirse a la tradicional apología del recién finado o recordarle tal y cómo le habíamos considerado en vida?

Porque como hemos dicho, a Umbral le tragaba muy poca gente, tanto entre quienes trabajaron con él como quienes sólo conocieron su faceta pública. Por lo tanto, algunas necrológicas que hemos leído parecen más un ajuste de cuentas. Aquél Si no tienes nada bonito que decir no digas nada parece estar obsoleto en la sociedad de la información, dónde nadie tiene la última palabra.

Pero Umbral también tenía amigos, y estos no han sido menos feroces a la hora de defenderlo. Javier Pérez de Albéniz, el crítico de televisión de elmundo.es, ha llegado a llamar gilipollas a unos periodistas por titular la necrológica de Umbral ‘Maestro polémico’ (¿No sería Polémico maestro, para empezar) y les ha acusando de rebuscar en sus aspectos oscuros por recuperar sus minutos de gloria catódica en dónde dejó a la Milá con cara de boba.

Cuando se es maestro se es maestro absoluto, dice Albéniz. Cierto, pero se puede ser maestro de muchas cosas. De polémicas también. Y Umbral se arropó de polémica, la hizo su signo distintivo al igual que su foulard, su marca de la casa. Es natural que los amigos quieran recordarle sólo con flores, pero ¿quién está falseando la realidad entonces?

Precisamente en elmundo.es, periódico para el que colaboró los últimos quince años, han puesto a disposición del internauta todas sus columnas desde 1994. Merecen echarles un vistazo. Más que nada para comprobar porqué Umbral ha recibido el título de “maestro de columnistas” (el de “maestro de periodistas” ya recayó en Campmany; ¿qué dejan para Ansón?). Aquí querría decir yo la mía. Umbral fue y es maestro de estilo, qué duda cabe. Nadie como él para enlazar pasajes de prosa poética y juegos de ingenio. La prueba está en todos los exégetas que ha ido dejando.

Pero si la columna es un genero períodístico que analiza la actualidad desde una interpretación personal y desarrollando una argumentación, Umbral no se ajusta al canon. Umbral no analizaba la realidad, la alienaba, la desmenuzaba con su léxico poético siguiendo los dictados de su temperamento. Porque la única realidad que interesó a Umbral fue la suya propia, la de su yo literario. Mucho se ha hablado de su transformación ideológica de la izquierda a la derecha, incluso de su clientelismo político en los últimos tiempos. Cuando todo ello carece de importancia ahora, porque no fueron más que los pretextos (literalmente: puntos de partida para su escritura) en su vida.

Como muestra un botón, esta columna dedicada al nuevo ministro de Cultura: César Antonio Molina. Ahora prueben a responder a esta sencilla pregunta: ¿Estaba Umbral a favor o en contra de su nombramiento? Yo todavía no he conseguido dilucidarlo. Probablemente porque ni tenía ni tiene ninguna importancia. El sr. Molina, como todo lo demás, no era más que el pretexto.

Sitio Oficial | Adiós, Umbral en elmundo.es

El actor, periodista y escritor José Luis de Vilallonga murió ayer en su casa de Mallorca a los 87 años.

Nació en Madrid en enero de 1920, como hijo del marqués de Castelvell, Grande de España. 20 años después comenzó a escribir en diversos diarios como El Noticiero Universal o la revista Destino. En 1958 se sumergió en el mundo del cine, rodando con Blake Edwards en Desayuno con diamantes o con Federico Fellini en Giulietta de los espíritus.

Vilallonga comenzó su carrera de escritor allá por 1954 con el libro Las Ramblas terminan en el mar, aunque quizá su obra más conocida sea la biografía autorizada de Juan Carlos I, llamada El Rey (única biografía del monarca autorizada). También escribió un libro de conversaciones con Juan Carlos I y un ensayo titulado Franco y el Rey.

Otra importante pérdida esta semana, que se suma a la de Francisco Umbral.

Umbral nació el 11 de mayo de 1935 en Madrid pero pasó toda su vida creció en Valladolid. Su obra se divide entre su ingente producción literaria y su abundante colaboración en la prensa, que mantuvo hasta el día de su muerte. Entre los numerosos premios recibidos destacan el premio Príncipe de Asturias de las Letras (1996) y el Premio Cervantes en el año 2000.

Umbral supo crearse una fama de personaje antipático, ogro, muy en la línea de Camilo José Cela pero superando quizás al modelo. Es uno de los escritores más fácilmente reconocibles para el gran público desde que hiciera famosa la frase Yo he venido aquí a hablar de mi libro en uno de los momentos históricos de la televisión más recordados y bochornosos, únicamente superado quizás por el inefable Fernando Arrabal y el mileniarismo.

Esta actitud arrogante y bronca no era una simple fachada. Yo mismo he sido testigo de cómo Umbral despreciaba congresos universitarios organizados en su honor, dándole plantón a catedráticos y decanos. Era un hombre difícil cuya leyenda negra y su número creciente de enemigos eclipsaron el valor real de su literatura, que alcanza su cumbre con El hijo de Greta Garbo, Mortal y Rosa, o La noche que llegué al Café Gijón.

De su labor ensayística destacaría Larra, anatomía de un dandy, en donde no sólo se da una visión reveladora del gran romántico español sino que desliza las claves para entender la caústica personalidad de Umbral.

Vía | Yahoo! Noticias

Su crecimiento inmerso en lenguas diferentes le proporcionó un valioso modo de entender la literatura, no como un conjunto de entidades nacionales limitadas por fronteras políticas y/o lingüísticas, sino como materia universal, variada y plural, compleja, que necesita una aproximación histórica, crítica y teórica y que se extienda al resto de artes.

Como pequeño homenaje a Claudio Guillén, os dejo aquí el enlace a unos vídeos donde el profesor habla de la experiencia del exilio de su padre, de Julio Salinas y de la suya propia, con reflexiones sobre la pérdida de identidad y las dificultades de adaptación. Y, para terminar, unas sabias palabras que pronunció en 1995 en Santander, en el marco de un seminario sobre Literatura Comparada en la Universidad Menéndez y Pelayo, y que nos invitan a seguir disfrutando de la infinita experiencia literaria:

Así (…), las realidades de las literaturas y de las demás producciones culturales siguen intactas para nosotros y con nosotros. Las riquezas de las obras y de los procesos que solicitan nuestra curiosidad y nuestra admiración permanecen disponibles, comparables, ilimitadas, singulares, solidarias, compenetradas con el esfuerzo de nuestro proceso cognoscitivo, y cada vez más atractivas y más enigmáticas, siempre que queramos y podamos percibir y admitir su complejidad.
(Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes: Lo uno con lo diverso: literatura y complejidad)

Vía | Diario ADN
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